Cinenovedades

Crítica de "Sólo Tres Días" ("The Next Three Days" USA - Francia 2010)

2011-03-27T12:20:00.029-03:00

Sinopsis: Lara Breenan es arrestada por el asesinato de su jefe, con quien se sabe había tenido una fuerte discusión. Aparentemente la vieron salir de la escena del crimen y sus huellas dactilares se encontraron en el arma asesina. Su marido, John pasará los próximos años tratando de liberarla, pero no encontrará evidencia que niegue la misma que la acusa. Cuando la angustia de ser separada de su familia, y especialmente de su hijo, llega, John decide ayudarla a escapar de prisión. Si bien es cierto y sumamente entendible que la gente que rodea al mundo cinematográfico actual esté bastante en contra de la constante danza de remakes cinematográficos, personalmente opino que pueden ser muy bienvenidos en tanto y en cuanto la obra contenga como mínimo los mismos elementos de calidad de la obra original sobre la cual se inspira.

En el caso en particular de la película que hoy nos ocupa, “Sólo Tres Días” es una remake de un muy buen trhiller francés titulado “Pour Elle” del año 2008, que fue protagonizado por dos tremendos actores como Vincent Lindon y la siempre atractiva e interesante a todo nivel Diane Krueger. Visto lo recomendable de la cinta original, obviamente la industria Hollywoodense decidió no perderse el tren de hacer un remake sólo tres años después de que Francia diera un producto bastante digno en materia de entretenimiento cinematográfico.

Partiendo de una buena base original, ¿Hubo algún problema para que “Sólo Tres Días” no fuera como mínimo una entretenida cinta de suspenso y acción? Pues la respuesta es sí, ya que lisa y llanamente esta cinta tuvo todos los problemas habidos y por haber si hablamos de cómo tendría que ser una correcta narración cinematográfica. ¿Hay un máximo responsable? Pues obviamente que sí lo hay, y en este caso se trata del siempre irregular Paul Haggis, quien evidentemente se ha destacado muchísimo más a mi entender en su carrera como guionista que en la de director, más allá de haber logrado un increíble Premio Oscar con su más que correcta cinta “Vidas Cruzadas” (“Crash”).

Aquí en “Sólo Tres Días”, todos los problemas parten recién en la segunda mitad de su metraje. Durante la primera mitad, justo es decirlo, la película es francamente muy interesante. Correcto desarrollo de personajes, rápida presentación del problema principal, excelente filmación y un ritmo narrativo sencillamente perfecto.

Ahora, y siguiendo con una breve descripción del filme, ya cuando el personaje del siempre correcto Russell Crowe decide (ya agotadas las vías legales) tratar de ayudar a escapar de prisión a su mujer, todo el castillo de naipes construído anteriormente de manera ejemplar, comienza a caerse de increíble manera. Situaciones ridículas (que no están en el original francés), escenas demasiado convenientes y unos planos finales que realmente dan vergüenza ajena por la falta total de inventiva narrativa. Y así, de buenas a primeras, pasamos de tener un interesantísimo comienzo a un francamente desastroso final desde todo punto de vista.

Técnicamente la película es impecable. Buenas escenas de acción, buena fotografía y dentro de todo un ritmo narrativo más que discreto, ya que la película ronda las dos horas y veinte minutos de duración, y la verdad es que más allá de esos garrafales errores que destaco en párrafos anteriores, es justo decir que el filme se pasa bastante rápido. Con respecto a las actuaciones de la cinta no hay mucho para decir, más allá de aclarar que son todas muy buenas, sobre todo la del personaje principal interpretado por Russell Crowe. Y allí, hay algo interesante para remarcar a favor de la narración de Paul Haggis.

La transformación que sufre el personaje de Crowe a lo largo de la cinta está sumamente lograda, ya que en la película arranca siendo un simple profesor de escuela para convertirse, debido a los acontecimientos y con un previo aprendizaje bastante creíble, en un hombre totalmente comprometido con la causa que se nos narra en la fallida segunda mitad de metraje.

Para ir cerrando esta reseña, solamente me queda por decir que es posible que a mucha gente pueda resultarle entretenido este filme, pero que personalmente debo recomendar sin lugar a dudas su original francés. “Pour Elle”, es un trhiller mucho más eficaz en todo sentido. Mejor actuado, mejor narrado y más creíble en todos sus niveles. Y de paso, si les interesa, ven en un papel muy pequeño al genio de Olivier Marchal, el mejor director de policiales que dio Francia en los últimos tiempos.

Calificación de la Película: Regular.

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Crítica de "Escondidos en Brujas" ("In Bruges" Inglaterra - USA 2008)

2011-02-13T12:10:00.009-03:00

Sinopsis: Dos matones, Ray y Ken, después de errar catastróficamente un encargo en Londres, viajan a Brujas para esperar las órdenes de su jefe, Harry. A la vista de que probablemente sea éste el último lugar que pisen, optan por hacer vida de turistas mientras no llega la llamada del jefe. Ray sigue obsesionado con el fracaso del trabajo y comienza a odiar la ciudad, por el contrario Ken consigue relajarse y disfrutar de los encantos de ésta y a cuanto más se alargue la espera, más surrealistas serán las situaciones que les irán ocurriendo.
Muchas fueron las personas que una y otra vez me recomendaban fervorosamente esta cinta del inglés Martin McDonagh como una de las mejores películas que pasaron por la cinematografía mundial allá por el año 2008.

No fue sino hasta hace poco más de un par de semanas (mejor tarde que nunca) que realmente tuve la oportunidad de comprobar con mis propios ojos la indudable calidad de esta cinta inglesa, la cual posee una excelente maestría para combinar géneros tan dispares como son la comedia y el drama más angustiante.

La cinta nos relata la historia de Ray y Ken (Colin Farrell y Brendan Gleeson), dos asesinos a sueldos enviados de repente a la ciudad belga de Brujas, luego de que Ray fallara catastróficamente en su primer trabajo causando la muerte de un niño de manera accidental. Ya en Brujas, ambos se dedican a pasar el tiempo lo más amenamente posible mientras esperan instrucciones de su jefe sobre cuales serán los pasos a seguir en el futuro.

Martin McDonagh fue el creador del guión de esta cinta (nominado al premio Oscar por el mismo), como así también fue el encargado de colocarse detrás de cámaras para la dirección de este excelente filme.

Para delinear un poco lo bien estructurado que se encuentra el libreto de “Escondidos en Brujas”, tendríamos que pensar más que nada acerca de la dificultad extrema que radica la siempre compleja mezcla de géneros cinematográficos (en este caso en particular, el drama y la comedia). Con respecto a este último punto, creo que la forma en que McDonagh narra la cinta yendo y viniendo entre el drama más denso y angustiante y la típica comedia inglesa ha sido francamente admirable.

Admirable no sólo por el hecho de presentar excelentemente bien a todos los personajes del filme, lo cual ayuda enormemente al desempeño actoral de los mismos (sobre todo al del ganador del Globo de Oro, Colin Farrell), sino por mostrar en pantalla un cambio interesantísimo y progresivo entre la comedia y el drama, sobre todo a partir de su hora final de metraje. Allí es dónde la película se torna más y más dramática y en dónde el espectador sentirá en definitiva que se encuentra frente a una cinta muy pero muy lograda.

El excelente trabajo guionístico que McDonagh brindó en “Escondidos en Brujas”, sin lugar a dudas lo trasladó de manera muy eficaz a su desempeño detrás de las cámaras. No sólo logró presentar la historia y sus personajes de forma sumamente prolija y eficaz sino que logró sacarle a Colin Farrell (un actorazo a mi modo de ver) una de las mejores actuaciones de su más que interesante carrera cinematográfica.

Con respecto a detalles más técnicos del filme, podríamos destacar una maravillosa fotografía y unas locaciones extremadamente bellas a las cuales McDonagh supo sacarle provecho a través de sus impecables planos y de unas cuantas imágenes panorámicas.

Siempre me ha gustado el desempeño de Colin Farrell como actor a lo largo de su carrera. De hecho, ya en la primera cinta en que tuve oportunidad de verlo, “Hart´s War”, Farrell me había parecido un muchacho dueño de unas condicionales naturales muy pero muy interesantes. Si bien es cierto que el bueno de Colin sigue sin tener una carrera plagada de éxitos cinematográficos, también es cierto que el desempeño que logra en cada uno de sus filmes siempre termina siendo de lo más interesante de dichos productos.

De hecho, Farrell logra aquí en “Escondidos en Brujas” su mejor actuación por lejos de toda su filmografía (Quizás junto a su filme “Phone Booth”), brindando un personaje lleno de matices, desde problemas psicológicos derivados del trauma por el asesinato involuntario de un niño, pasando por la generosidad mostrada durante todo el filme por tratar de ayudar a diferentes personajes a modo de redención. Gran actuación de Farrell, la cual le ha brindado la merecida oportunidad de ganar hasta el momento su único Globo de Oro.

Para ir cerrando, “Escondidos en Brujas” ha sido una película que me ha encantado de principio a fin. Poseedora de una interesantísima historia, el filme se mueve de la comedia al drama de manera tan pero tan sencilla, que uno como espectador no puede hacer otra cosa más que rendirse a sus pies. Sin lugar a dudas, un producto cinematográfico sin fisuras.

Calificación de la Película: Excelente.

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Crítica de "Más allá de la Vida" ("Hereafter" USA 2010)

2011-01-16T14:19:00.007-03:00

Sinopsis: Cuenta la historia de tres personas atormentadas por la mortalidad de maneras diferentes. George (Matt Damon) es un obrero estadounidense que tiene una conexión especial con el más allá. Al otro lado del mundo, Marie (Cecile de France), una periodista francesa, tiene una experiencia cercana a la muerte que sacude su realidad. Y cuando Marcus (George McLaren y Frankie McLaren), un estudiante de Londres, pierde a la persona más cercana a él, necesita respuestas desesperadamente. Estando cada uno en un camino en búsqueda de la verdad, sus vidas se cruzarán, cambiadas para siempre por aquello que ellos creen que puede, o debe, existir en el más allá.

El ya legendario Clint Eastwood, ya en sus 80 años de edad, continúa en plena actividad cinematográfica, y luego de presentar un excelente filme sobre parte de la vida del extraordinario Nelson Mandela, ahora vuelve a la carga con otro muy recomendable filme, esta vez centrándose en una trama dramática con toques sobrenaturales, los cuales marcan un nuevo desafío nunca antes visto en la carrera de este extraordinario cineasta.

“Más allá de la Vida” es una historia dramática con algunas facetas sobrenaturales cuya premisa principal recae en la búsqueda incansable de parte de nuestros protagonistas sobre los interrogantes que plantea la vida después de la muerte. Es por eso que, bajo diferentes circunstancias, las historias de los tres personajes principales del filme irán uniéndose de manera irremediable hacia el final del mismo, aunque no de la manera en que Alejandro Gonzalez Inárritu utiliza en la mayoría de sus cintas.

Peter Morgan fue el encargado del guión de “Más allá de la Vida”. Morgan es un libretista muy interesante que cuenta en su haber con varios guiones muy recomendables, siendo los más destacados los de “Frost/Nixon: La Entrevista del Escándalo” y el libreto de “El Ultimo Rey de Escocia”.

En “Más allá de la Vida”, Morgan redondeó un guión sumamente bien estructurado (quizás demasiado), en el sentido de que desarrolló de manera muy meticulosa cada uno de los problemas que poseen los personajes centrales del filme, lo que hace que de alguna manera el espectador se compenetre de lleno en la psicología de cada uno de ellos, pero también hace que el filme caiga en diferentes oportunidades en algunos baches narrativos de los cuales por suerte sale airoso por lo interesante que resulta la cinta en su estructura general.

Más allá de esto último, Morgan brindó un guión muy interesante, al que sólo puede criticársele el hecho de ser un tanto reiterativo por momentos, lo que hace que el filme estire su duración casi innecesariamente a las dos horas nueve minutos de largometraje para una historia que en definitiva podría haber necesitado bastante menos en ese sentido.

Nada puede criticársele al genial Clint Eastwood en su labor detrás de cámaras. Ya desde un comienzo, Eastwood nos deleita con una genial secuencia de un Tsunami filmada realmente a la perfección, con una cobertura de planos francamente sensacional y un manejo de cámaras tremendamente envidiable.

Sin lugar a dudas, una escena que prácticamente paga el visionado del filme casi en su totalidad. Más allá de esto último, Eastwood narra el filme de manera sumamente correcta, salvo por el hecho de que, a mi modo de ver, el mismo se toma demasiado tiempo en resolver la historia, cayendo en sendos pozos narrativos que hacen que el filme decaiga en algunos momentos y estirando la duración del mismo de manera un poco innecesaria.

Por otra parte sí es para destacar, la forma en que Clint Eastwood maneja con total maestría diferentes situaciones de la trama, y hasta emociona con alguna que otra escena hacia el final del filme (Como la que comparten los personajes de Matt Damon y George McLaren) como sólo él sabe hacerlo.

Párrafo aparte merecen las actuaciones de la cinta. Matt Damon brinda una performance francamente perfecta en un papel sumamente difícil de llevar a buen puerto para cualquier actor, ya que su protagónico tiende a ser el de un muchacho sumamente introvertido debido a un don que posee (el de ser un psíquico), pero que él mismo lo considera una verdadera maldición al impedirle llevar un vida normal en ningún sentido.

No sólo Matt Damon brinda aquí una actuación brillante a lo largo del filme, sino que es acompañado de extraordinaria forma por una siempre eficaz Cécile de France (sí, la misma de “Alta Tensión”) y por sobre todo por unos tremendos actores como Frankie y George Mclaren, en sus primeras incursiónes en la cinematografía mundial.

Para ir cerrando, y más allá de algunos momentos en dónde el filme peca de cierta redundancia narrativa, la sorpresiva incursión del gran Clint Eastwood en una trama con algunos toques sobrenaturales será muy reconfortante para aquellos espectadores que decidan incursionar en el visionado de su último filme. Cine del bueno, como siempre que viene firmado por el genial Clint Eastwood.

Calificación de la Película: Muy Buena.

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Crítica de "Invictus" ("Invictus" USA 2009)

2010-12-12T13:52:00.008-03:00

Sinopsis: Invictus cuenta la verídica historia de cómo Nelson Mandela unió sus esfuerzos con el capitán del equipo de rugby de Sudáfrica, Francois Pienaar, para ayudar a unir el país. El recién elegido presidente Mandela es consciente de que su nación sigue estando dividida tanto racial como económicamente debido a las secuelas del Apartheid. Creyendo que puede unir a su pueblo a través del lenguaje universal del deporte, Mandela apoya al desamparado equipo de Rugby de Sudáfrica cuando, con pocas probabilidades, participa en el Campeonato Mundial de 1995.
Clint Eastwod sigue siendo sin lugar a dudas y con una extraordinaria vigencia, uno de los mejores narradores que la industria cinematográfica estadounidense posee hoy en día. Sólamente si investigamos un poco de su filmografía como director desde el 2003 hasta la fecha, nos daremos cuenta de la enorme calidad que han tenido sus últimas producciones. Por estos años han pasado excelentes filmes como “Río Místico”, “Million Dollar Baby”, “La Conquista del Honor”, “Cartas desde Iwo Jima”, “El Sustituto” y la francamente genial “Gran Torino”.

Para el año 2009, Eastwood se vio inmerso en un proyecto ambicioso y a priori muy pero muy interesante que retrataba la increíble y espectacular historia de cómo allá por el año 1995, Nelson Mandela utilizó las banderas del deporte (más específicamente por ser su país anfitrión del Mundial de Rugby de ese año) para tratar de unir a una nación sumida en un profundo racismo luego del denominado Apartheid que sufrió durante muchísimos años aquel país.

Basándose en un libro escrito por John Carlin y adaptado a la pantalla grande por el guionista Anthony Peckham (“Don´t Say a Word” con Michael Douglas y “Sherlock Holmes”), Estawood vuelve a ofrecernos con esta cinta una más que digna demostración de que lo más importante en cualquier producto cinematográfico es, sin lugar a dudas, contar con una buena narración. Ni más ni menos que eso.

La historia se centra básicamente en los primeros años de gobierno de Nelson Mandela como Presidente de Sudáfrica y en su incansable lucha para unir a un país con enormes problemas de todo tipo, pero sobre todo, enormes problemas de racismo que aún luego de asumir en su cargo eran prácticamente imposibles de erradicar. Mandela vio la oportunidad de unir a la nación, o de por lo menos intentarlo, en algo que tenía profundas raíces con la población blanca de su nación, como era hasta ese momento el seleccionado sudafricano de Rugby.

Próximos a organizar el mundial de la especialidad en el año 1995, Mandela decidió ahondar todos los esfuerzos posibles para que toda una nación se encolumnara detrás de un objetivo principal: Ganar dicha competencia deportiva y que la misma sirviera para pacificar a una nación sumida en la más profunda de las violencias raciales a través de la enseñanza y la importancia del deporte en la vida de las personas.

Anthony Pecham redondeó en definitiva un guión sumamente correcto en cuanto a su narración y perfectamente dividido en dos tramos bien separados y contrastantes entre sí.

El primero de ellos centrándose en cuestiones políticas derivadas del gobierno de Mandela y de sus múltiples problemas y el segundo metiéndose ya de lleno en la competencia deportiva que servirá como punta de lanza para la unificación de la nación.

La dirección del gran Clint Eastwood fue francamente notable. Tanto en la narración de toda su primera parte como en la espectacular filmación de las secuencias deportivas, Eastwood vuelve a demostrar su maestría inconfundible detrás de cámaras. Panorámicas de los estadios y excelentes movimientos de cámaras en los partidos del mundial son algunos de los impecables detalles técnicos que la cinta posee.

Esa maestría que Eastwood tiene detrás de cámaras, evidentemente se contagia dentro de ellas, y si bien la actuación de Damon es sumamente correcta pero no descomunal, sin lugar a dudas podemos decir todo lo contrario sobre la genial performance de Morgan Freeman. Sabemos que hacer un personaje biográfico no es algo de todos los días y que para nada es una tarea sencilla. Sin embargo, Freeman se las arregla (y como!) para personificar de manera sumamente eficaz a Nelson Mandela en sus primeros años de gobierno.

En definitiva, “Invictus” es un muy buen drama cinematográfico sobre una historia realmente interesante. Unificar a un país por medio del deporte no creo que sea posible a semejante nivel, pero sí creo que el puntapié inicial que se da con el mismo puede derivar en historias tan increíbles y poderosas como las que aquí se narran. Muy recomendable.

Calificación de la Película: Muy Buena.

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Crítica de "La Reunión del Diablo" ("Devil" USA 2010)

2010-12-05T19:02:00.006-03:00

Sinopsis: Cinco extraños quedan misteriosamente atrapados en un ascensor. Luego de algunos cortes de luz, extrañas cosas empezarán a ocurrirles y descubrirán que uno de ellos… no es quien parece ser.
Si bien el presente no le depara precisamente una alegría tras otra al para mí muy buen cineasta M. Night Shyamalan, “La Reunión del Diablo” ha significado para él algo así como un regreso a las fuentes, o por lo menos es lo que tuve oportunidad de percibir luego del visionado de esta cinta. El filme parte de la base de tratarse de la primera de una serie de historias basadas en argumentos del propio Shyamalan tituladas “The Night Chronicles”, que ahora se están llevando a la pantalla grande de la mano de nuevos guionistas y directores de la industria Hoollywoodense.

Aquí con la ayuda de Brian Nelson en la adaptación guionística del argumento de Shyamalan y con el trabajo detrás de cámaras de John Erick Dowdle, literalmente se nos brinda una cinta que si bien lejos está de convertirse en un clásico novedoso e instantáneo de la cinematografía mundial, sí sorprende gratamente por ser una película sumamente entretenida y tremendamente bien llevada en cuanto a su suspenso en general (gran parte del logro se lo lleva la escueta duración la cinta, la cual ronda la hora y cuarto sin los créditos finales).

La película comienza relatándonos como cinco extraños quedan misteriosamente atrapados en un ascensor. Todo irá medianamente bien al principio, ya que los allí presentes esperan que el problema se solucione de pronta manera o que de alguna u otra forma puedan ser rescatados. Pero la cuestión irá de mal en peor cuando extraños sucesos comiencen a ocurrir y literalmente todos los ocupantes del ascensor comiencen a sospechar uno del otro.

Como bien dije antes, la adaptación guionística de la historia de M. Night Shyamalan recayó sobre las espaldas del excelente libretista Brian Nelson, dueño de una tremenda joyita titulada “Hard Candy” (donde descubrimos a una descomunal actriz como Ellen Page) y del también buen libreto de la cinta de terror “30 Days of Night”. Aquí el guión tiene por sobre todo un par de puntos muy pero muy destacables.

Primero y principal, estamos en presencia de una cinta de una ínfima duración (creo que desde “Phone Booth” con Colin Farrell que no veo un filme tan corto) pero que al fin y al cabo (y pensándolo bien) termina siendo algo muy conveniente para el filme ya que no permite al espectador aburrirse en ningún momento por lo bien narrado que se encuentra el mismo y porque literalmente la historia no cuenta con demasiados matices para estirar en demasía el largometraje del mismo (lo cual hubiera sido un error garrafal e irreparable).

Brian Nelson tomó nota de esto y utilizó los primeros 15 minutos del filme para presentar de manera sumamente correcta a los respectivos personajes que quedarán atrapados dentro del ascensor y a algún que otro personaje externo, siendo el más importante de todos el que protagonizará el policía a cargo de la investigación de todo lo que sucede, interpretado de eficaz manera por Chris Messina.

Luego la historia se centrará de lleno en el problema principal del filme en donde diferentes situaciones comenzarán a suceder, desde lastimaduras de las personas que se encuentran atrapadas a esta altura sin absolutamente nada por entender, hasta la desazón continua de los que ven todo desde los monitores de seguridad del lugar. Desde ese momento el filme irá creciendo en intensidad con cada escena que se muestre y culminará con una vuelta de tuerca bien al estilo Shyamalan, revelada en el momento correcto y bastante bien construída.

John Erick Dowdle fue el encargado de ponerse detrás de cámaras para dirigir esta interesante historia de terror y suspenso. Shyamalan se fijó en él por su trabajo en “Cuarentena” (la innecesaria pero al fin y al cabo buena remake de la cinta española “REC”) y decidió darle la oportunidad para dirigir el primer filme de sus “Crónicas Nocturnas”.

Dowdle no defrauda en absoluto con su trabajo, ya que amén de haber partido con una interesante historia entre manos, supo darle al filme buenos movimientos de cámaras, como así también increíbles escenas de suspenso (la del comienzo del filme es francamente descomunal) y un ritmo narrativo que no para desde el inicio del filme hasta su más que correcta conclusión. Bien por Dowdle, quien se convierte (para mí) en un interesante cineasta a seguir de aquí en más, ya que tanto en “Cuarentena” como en “La Reunión del Diablo” ha dado muestras suficientes de ser un director que sabe mantener el ritmo narrativo de un filme sin demasiados problemas.

En definitiva, “La Reunión del Diablo” es una entretenidísima cinta de suspenso sobrenatural. Evidentemente de la mente de M. Night Shyamalan no siempre salen buenas historias, pero sin lugar a dudas esta sí es una de ellas. Muy bien narrada, muy bien construida y sumamente bien filmada.

Calificación de la Película: Muy Buena.

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Crítica de "Agente Salt" ("Salt" USA 2010)

2010-11-28T11:04:00.007-03:00

Sinopsis: Como oficial de la CIA, Evelyn Salt hizo un juramento de deber y honor a su país. Su lealtad es puesta a prueba cuando un desertor le acusa de ser una espía rusa. Salt se da a la fuga y se ve obligada a utilizar todas sus habilidades y años de experiencia como espía encubierta para evitar que la capturen. Los esfuerzos de Salt para demostrar su inocencia solo sirven para levantar aún más las sospechas acerca de sus motivos. Mientras continúa la caza para descubrir la verdad que se oculta tras su identidad, una pregunta sigue latente: ¿Quién es Salt?
Se podría decir sin lugar a dudas que Angelina Jolie, ha sido una de las actrices hollywoodenses que más ha incursionado en el género de la acción cinematográfica en los últimos años. Sobran ejemplos de esto, pero para dar solamente algunos, podríamos citar cintas como “Tomb Raider”, “60 Seconds”, “Sr. And Sra. Smith” y la para mi excelente “Wanted”, donde compartió elenco junto a James McAvoy y Morgan Freeman, entre otros.

“Agente Salt” es, en definitiva, una cinta rara para clasificar. Es, evidentemente, una película de acción muy al estilo de la genial trilogía de filmes de Jason Bourne, pero con muchísimas menos pretensiones en tomarse demasiado en serio a sí misma. Allí es, precisamente, en dónde recae la mayor discrepancia entre ambos filmes, ya que en materia de acción se me hace muy difícil diferenciar entre ambas cintas.

En todo caso, y sin seguir ni un párrafo más en odiosas comparaciones, debería decir que “Salt”, con limitaciones argumentales y todo, termina siendo un entretenimiento de acción brillante para cualquier espectador que busque acción cinematográfica sin pausas durante una hora y cuarenta minutos de metraje excelentemente filmado.

El guión aquí corrió por cuenta del buen cineasta Kurt Wimmer, dueño de excelentes libretos cinematográficos como los de “Equilibrium”, “The Recruit”, “Street Kings” y “Law Abiding Citizen”. Wimmer le brindó a “Salt” un sólido libreto, en dónde se procura desarrollar de la forma más prolija posible a la mayoría de los personajes durante los primeros 20 minutos de metraje.

Y digo durante los primeros veinte minutos de la cinta, porque luego el guión gira de forma muy evidente hacia una continua acción hasta el final de su metraje, más precisamente desde que el personaje de “Salt” decide escapar de sus captores para probar una inocencia cada vez más salpicada por múltiples sospechas. Quizás en ese tramo, el libreto resigne un poco de la seriedad argumental con la que había comenzado, pero también es justo decir que el filme gana notablemente en intensidad como producto de acción, ya que la cinta no para desde ese momento de brindarle al espectador una catarata de balaceras y persecuciones automovilísticas excelentemente filmadas.

“Agente Salt” tuvo detrás de cámaras a un solvente director. Irregular en su carrera (es justo decirlo) pero al fin y al cabo solvente. “Peligro Inminente”, “Juego de Patriotas” y “El Coleccionista de Huesos” (Gran película), han sido algunos de los interesantes títulos que Phillip Noyce supo dar a lo largo de su extensa carrera cinematográfica. A cuatro años de su último largometraje titulado “Catch a Fire” (cinta dramática con Tim Robbins), Noyce brinda con “Agente Salt” un despliegue de acción a raudales durante casi el 80% del filme.

Balaceras por doquier, persecuciones tanto a pie como automovilísticas, excelentes movimientos de cámaras y un montaje sumamente preciso para este tipo de producciones. Quizás, el hecho de dotar al filme de tanta acción le haya jugado en contra en cuanto al narrado del mismo, ya que sobre el tramo final de la cinta se nota con demasiada evidencia el apresuramiento argumental del mismo, con algunas situaciones y escenas que se desarrollan con extrema rapidez.

Igualmente es justo decir, que en definitiva la dirección de Noyce ha sido sumamente correcta de principio a fin, brindando una catarata de escenas de acción tremendamente bien filmadas (me hubiera gustado ver un poco más de sangre) que sin lugar a dudas provocarán el deleite de los amantes de este tipo de filmes.

En cuanto al elenco de la cinta realmente no tenemos demasiado para criticar, pero tampoco demasiado para aplaudir. El guión no les ha dado espacio a muchos personajes del filme para desarrollarse completamente y en esta situación entran los dos protagónicos principales de la cinta.

Se que muchos espectadores y críticos literalmente odian la labor delante de cámaras que por lo general ofrece Angelina Jolie en sus respectivos roles. Particularmente nunca me ha parecido una gran actriz, pero tampoco me parece un completo desastre como muchos dicen. Creo que su interpretación en “El Sustituto” (“Changeling” de Clint Eastwood) ha sido espectacularmente buena, por lo que siento que Angelina es una actriz interesante en muchos sentidos y una de las pocas que realmente se anima a este tipo de roles protagónicos como los de “Agente Salt”.

En definitiva y para ir concluyendo, “Agente Salt” es una gran película de acción. Si bien es cierto que el filme contiene algunos desajustes narrativos, también es cierto que ver cintas tan entretenidas y bien filmadas como esta no es cosa de todos los días en el mundo cinematográfico actual. Esto, ya de por sí, es un indudable motivo para celebrar.

Calificación de la Película: Muy Buena.

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Crítica de "Actividad Paranormal 2" ("Paranormal Activity 2" USA 2010)

2010-11-21T19:11:00.009-03:00

Sinopsis: Luego de experimentar, según creen, una serie de intromisiones a su domicilio, una familia decide colocar cámaras de seguridad para identificar al ladrón, pero descubrirán una serie de eventos siniestros que se desarrollan durante la noche en su casa.
Luego de que en el año 2007, el director israelí Oren Peli revolucionara la taquilla estadounidense con su francamente buena producción “Paranormal Activity”, muchos creyeron (Ahora me doy cuenta de lo equivocados que estaban, no desde el punto de vista económico, sino desde el punto de vista narrativo) que estábamos en presencia de una nueva franquicia dentro del cine de terror sobrenatural. “Paranormal Activity” fue una cinta que bebió demasiado del estilo fílmico que impuso en su momento la (para mí) genial cinta titulada “The Blair Witch Proyect”, tomando para sí la estética narrativa derivada de los ya conocidos falsos documentales.

Sin embargo, la cinta de Oren Peli contaba, a mi modo de ver, con una narración lo sumamente fluída como para mantener al espectador atento a una historia que mostraba en pantalla solamente el drama de la pareja protagonista durante los 90 minutos de metraje que aquel filme poseía.

Es así como, de a poco, la historia nos iba brindando datos que hacían avanzar al filme escena por escena sin demasiados inconvenientes hasta llegar a un desenlace correcto, con el que uno puede o no estar de acuerdo, pero que en definitiva no empañaba bajo ningún punto de vista el resultado global de “Paranormal Activity”.

Fue realmente evidente, por otra parte, que aquel tramo final (en el que metió mano el genial Steven Spielberg) tuvo estrictamente que ver con el hecho de poder continuar con lo que hoy en día sigue siendo una espectacular franquicia a nivel monetario, pero que lamentablemente (y mal que me pese, ya que esperaba otra cosa) naufraga ampulosamente en la más lamentable de las incoherencias narrativas que tuve oportunidad de ver últimamente en materia cinematográfica.

La historia de “Paranormal Activity 2” nos sitúa cronológicamente un tiempo antes de los hechos ocurridos en la cinta original. En un comienzo, se nos presenta a la familia de la hermana del personaje de la cinta original (protagonizada en el primer filme por Katie Featherston) quienes están disfrutando de la llegada de su primer hijo. Todo irá bien en un principio, pero lentamente las cosas se irán complicando, con eventos difíciles de explicar racionalmente y que aparentemente tienen a la hermana de Katie como destinatario final.

No es demasiado difícil explicar cuál es el principal inconveniente que posee el guión de “Paranormal Activity 2”. De hecho, es algo muy fácil de descifrar y sumamente palpable para cualquier espectador que disfrute de esta regular cinta. Su narración es extremadamente floja durante su primera hora de metraje. Si, así de simple. No pasa absolutamente nada de nada.

Todo lo bueno que poseía en ese sentido la cinta original, la cual cada cinco minutos nos brindaba algún elemento interesante como para ir metiendo al espectador dentro de la historia contada, se ha perdido casi por completo en esta pobre secuela. Y digo casi por completo, porque el guión tiene algunos puntos a favor que a continuación voy a detallar.

Es bastante loable, el hecho de que la cinta funcione a la perfección como precuela en un comienzo y como secuela sobre su tramo final, ya que la historia que se cuenta aquí está muy bien construída en ese sentido, por lo que esta segunda parte engancha a la perfección con la historia que se cuenta en la cinta original.

Asimismo, el último tramo de “Paranormal Activity 2” es francamente bueno, con mucha tensión y escenas que muestran un muy buen suspenso, pero que en definitiva hacen su aparición de una manera demasiado tardía, ya casi cuando al espectador poco le importa el destino que pueda depararle a cada uno de los personajes centrales del filme.

De hecho, y para ser sincero, cuando la cinta comienza a tornarse francamente interesante, todo comienza a suceder de manera tan rápida y abrupta, que la cinta termina en un abrir y cerrar de ojos francamente poco recomendable. No es un problema técnico, ya que la cinta en ese sentido es totalmente impecable, con un par de escenas que por sí solas pagan el visionado del filme casi en exclusividad.

Es, en definitiva, un problema netamente narrativo, y allí es en dónde la película de Tod Williams fracasa en casi toda su primera parte, lo que evidentemente repercute (y mucho) en el resultado final del filme.

En definitiva, “Paranormal Activity 2” es una floja continuación de una buena cinta que bajo ningún punto de vista puede ser explotada en demasía estirando una franquicia que no da para mucho más. No hay más hilo narrativo de donde agarrarse, ni sorpresa alguna que amarre al espectador en su butaca. Ya todo fue visto, ya todo fue contado. Dudo que los productores se den cuenta de esto (el lucro es todo lo que importa), pero por lo menos, me quedo con el recuerdo del más que correcto filme original de esta franquicia.

Calificación de la Película: Regular.

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Crítica de "El Origen" ("Inception" USA - Inglaterra 2010)

2010-11-14T12:40:00.006-03:00

Sinopsis: Dom Coob es un ladrón hábil, el mejor de todos, especializado en el peligroso arte de la extracción: el robo de secretos valiosos desde las profundidades del subconsciente durante el estado de sueño cuando la mente es más vulnerable. Esta habilidad excepcional de Coob le ha hecho un jugador codiciado en el traicionero nuevo mundo del espionaje corporativo, pero, al mismo tiempo, le ha convertido en un fugitivo internacional y le ha hecho sacrificar todo lo que le importaba. Ahora a Coob se le ofrece una oportunidad para redimirse. Con un último trabajo podría recuperar su vida anterior, pero solamente si logra lo imposible. En vez de llevar a cabo el atraco perfecto, Coob y su equipo de especialistas tienen que invertir la operación: la tarea no consiste en robar una idea, sino en insertar una. Si tienen éxito, podría ser el crimen perfecto. No obstante, ni la cuidadosa planificación ni su pericia pueden preparar al equipo de Coob para los peligros de la mente a los que se enfrentan.

A esta altura, creo que a nadie podría temblarle el pulso al escribir en unas humildes líneas acerca de la tremenda capacidad narrativa que posee el Sr. Christopher Nolan. Su filmografía es, de hecho, un tremendo lujo desde su primer filme hasta la cinta que hoy comentaré en el blog. Años atrás, han pasado tremendos filmes como “Memento”, “Batman Inicia”, “El Caballero de la noche”, “El Gran Truco” y hasta la aparentemente cinta más común de su filmografía (pero que no por eso deja de ser un muy buen filme) titulada “Noches Blancas”.

Su más reciente filme “El Origen” es, en definitiva, una experiencia cinematográfica total y absolutamente placentera en sus casi dos horas y media de duración, en un filme que tiene prácticamente de todo. Buena narración, excelentes escenas de acción, muy buenas actuaciones (Lo de DiCaprio es cada vez mejor) y un guión (heredero directo de la trilogía de “Matrix”) perfectamente construido, hacen que “El Origen”, sea una de las mejores películas que he visto en los últimos años por lejos.

Como sucede habitualmente en su filmografía, Nolan fue el encargado del rebuscadísimo y sumamente ingenioso guión de “El Origen”. Un libreto que basa su columna vertebral en el hecho de implantar una idea en la mente de cierto personaje del filme en sus sueños, pero que a su vez abre muchísimas subtramas difíciles de seguir en algún momento para el espectador, aunque también es justo decir que nada de esto se interpone en la historia central de filme y su idea original.

Nolan narra la película con una facilidad asombrosa, haciendo que la película avance no sólo sin ningún tipo de problemas, sino que a un ritmo increíblemente vertiginoso para el espectador, si se tiene en cuenta que la excesiva duración del filme no se siente en absoluto en ningún momento del filme. En definitiva, “El Origen” cuenta con un guión impecablemente narrado, sumamente interesante e increíblemente bien plasmado en sus contundentes e irrepetibles imágenes fílmicas.

El apartado técnico del filme es tremendamente eficaz en todo su metraje. Efectos especiales de primera línea, movimientos de cámara sumamente bien cuidados y un espectacular uso del recurso de la cámara lenta (como bien queda en evidencia en una excelente escena que comparten un dúo de lujo como el mismo DiCaprio junto a la bellísima Ellen Page), son solamente algunos de los múltiples logros de esta cinta.

“El Origen”, es una película que necesitaba imperiosamente ser un espectáculo visual de principio a fin, y realmente su fotografía estuvo a la altura de las circunstancias. Wally Pfister, habitual director en ese rubro de Christopher Nolan, le brinda al filme una interesante gama de recursos increíblemente bien plasmados en su corte final, al igual que el genial Hans Zimmer, quien nos deleita una vez más con una banda sonora que acompaña con suma tensión casi todos los planos de esta impecable cinta.

¿Qué puedo decir a esta altura de Leonardo DiCaprio como actor? Pues solamente que cada día el muchacho me sorprende un poco más. Ya no es aquel actor inexperto que no me convencía en absoluto en filmes como “Titanic” o “La Playa”, sino todo lo contrario. Se ha convertido en uno de los actores del momento, con gesticulaciones propias de un gran protagonista y en “El Origen” no hace otra cosa más que confirmar su excelente momento delante de cámaras.

Acompañado de una muy buena manera por todo el reparto, pero por sobre todo por una muy natural actriz como lo es Ellen Page, “El Origen” se terminó por convertir en un producto cinematográfico de increíble calidad técnica y argumental.

Más allá de ser o no heredera de “Matrix” (yo creo que en muchas cosas sí, y en muchas otras cosas no), el nuevo filme de Christopher Nolan es una experiencia alucinante de principio a fin, tanto en su estilo visual como en su estilo narrativo. Una demostración más de la maestría a la que nos tiene acostumbrado este excelente director.

Calificación de la Película: Excelente.

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Crítica de "Atracción Peligrosa" ("The Town" USA 2010)

2010-10-24T20:13:00.008-03:00

Sinopsis: Doug MacRay es un criminal no arrepentido, el líder de facto de un grupo de ladrones de bancos que se precian de robar lo que quieren y salir sin que sean cachados. Sin ningún accesorio real, Doug nunca tiene que temer de perder a nadie cerca de él. Pero, todo eso cambió en el último trabajo del grupo, cuando tomaron brevemente a un rehén – una gerente del banco, Claire Keesey. La dejaron ir sin peligro, pero un tiempo después ella conoce a un hombre modesto y encantador llamado Doug… sin darse cuenta de que él es el mismo hombre que sólo días antes la había aterrorizado. La atracción instantánea entre ellos se convierte gradualmente en un romance apasionado que amenaza con llevar a los dos a un peligroso y mortal recorrido.

Debo reconocerlo. Si, realmente debo hacerlo. Nunca, absolutamente nunca me he sentido demasiado ligado a lo que Ben Affleck pudiera ofrecerle a la industria cinematográfica. Si bien es cierto que por mis retinas pasaron algunas que otras cintas entretenidas que tenían al bueno de Ben como protagonista, a decir verdad, la cosa no pasaba más allá de esto último. Encima, las cualidades actorales de Affleck nunca fueron un fuerte suyo, aunque al menos hay que reconocer que siempre ha sido un actor que medianamente ha cumplido con sus roles protagónicos.

Todo esto cambió (y vaya si cambió), cuando Ben comenzó su carrera detrás de cámaras con un impresionante thriller dramático total y absolutamente jugado en su temática, titulado “Desapareció una noche” (“Gone Baby Gone” 2007). Aquel filme resultó para mí, no ya una grata sorpresa, sino la confirmación de que realmente Ben estaba más que capacitado para sentarse detrás de una cámara de filmación y literalmente realizar un trabajo extraordinario.

Por esto mismo, realmente no me sorprende en absoluto que su segunda película detrás de cámaras sea uno de los mejores policiales de los últimos tiempos en la cinematografía estadounidense. Sí, porque esto es lo que es “Atracción Peligrosa” (“The Town”). Un excelente policial, y una de las mejores propuestas que por lejos he visto en lo que va del año.

El guión corrió aquí por cuenta del mismo Ben Affleck, quien con la colaboración de Peter Craig, brindó un libreto que a todas luces se encuentra muy pero muy bien narrado. Excelente desarrollo de personajes, un correcto ritmo narrativo que hace que el espectador se compenetre tanto con la historia en general del filme como con los conflictos internos de sus personajes, son algunos de los ingredientes que hacen de este libreto algo muy pero muy recomendable. La cruza y similitudes con cintas como “Punto Límite” (“Point Break”) y “Fuego contra Fuego” (“Heat”) son prácticamente inevitables, pero también es justo decir que poco importa esto último, ya que la historia que se narra aquí es francamente efectiva en sus más de dos horas de duración.

Para no ser menos (y no por elogiarlo en demasía), Ben brinda un trabajo exquisito detrás de cámaras. Movimientos extraordinarios, planos espectaculares, impresionantes balaceras con excelentes coberturas de cámaras y tremendas persecuciones automovilísticas, harán las delicias sin lugar a dudas de los amantes del cine de Michael Mann y Paul Greengrass (por citar sólo un par de ejemplos). Si a esto le agregamos, que el bueno de Ben narra la historia de manera más que correcta y que condimenta el desarrollo del filme con las escenas de acción cuando éstas son prácticamente justas y necesarias, realmente estamos ante un perfecto trabajo de Affleck detrás de cámaras.

Quizás el punto flojo de Ben siempre ha sido su capacidad actoral. De hecho, nunca ha sido un actor que supiera desempeñarse en diferentes roles, o que tuviera a simple vista una ductilidad demasiado palpable.

¿Se aplica entonces, esto último a su rol protagónico en “The Town”? Pues la verdad es que no. A tono con su performance detrás de cámaras, Affleck supo brindar una muy buena performance en el filme, acompañado por un fenómeno de la actuación como es Jeremy Renner y también sustentado de muy buena manera por una más que interesante Rebecca Hall.

“The Town” es, en definitiva, un thriller policial de indudable calidad cinematográfica. Un producto fílmico hecho con absoluta seriedad, y con una innegable calidad (tanto técnica como narrativa) que hará las delicias de los amantes del cine policial en general. Ojalá (y realmente lo digo) Ben Affleck siga por esta senda. Luego de dos peliculones como “Gone Baby Gone” y “The Town”, muchos ojos estarán siguiendo cual será su próximo proyecto. Porque como dice el refrán, no hay dos sin tres.

Calificación de la Película: Excelente.

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"Carancho" ("Carancho" Argentina - Chile - Francia - Corea del Sur 2010)

2010-10-11T11:39:00.008-03:00

Sinopsis: En Argentina mueren cada año más de 8.000 personas en accidentes de tráfico. Detrás de cada una de estas tragedias hay una auténtica industria basada en las compensaciones de los seguros y en la debilidad de la ley. Sosa es un abogado que recorre las salas de urgencias de los hospitales de la sanidad pública y las comisarías en busca de posibles clientes. Luján es una joven médica recién llegada de las provincias. La historia de amor comienza la noche que Luján y Sosa se conocen en la calle. Ella intenta salvar la vida de un hombre; él intenta que sea su cliente.

Que el cine Argentino ha mejorado enormemente en los últimos años, no es algo que vaya yo a descubrir en estas humildes líneas. Tampoco descubriré nada recodando con bastante orgullo el reciente Oscar ganado por ese tremendo peliculón titulado “El Secreto de Sus Ojos”. Sólo creo (y después me dirán en los comentarios) que realmente debemos sentirnos orgullosos cuando de nuestro cine salen productos de genuina e indudable calidad cinematográfica.

Dentro de lo que enmarca el último párrafo que he descripto, podría situarse sin lugar a dudas esta gran película titulada “Carancho”, la cual muestra una triste y durísima realidad argentina con una crudeza pocas veces vista en nuestro cine.

La película comienza relatándonos las tremendas estadísticas que nuestro país sufre por año en lamentables accidentes de tráfico. También nos relata, en esa breve pero contundente introducción, todo el entramado de corrupción que rodea dichos accidentes, desde coimas en el sistema judicial hasta el deprimente estado y atención que los hospitales públicos tienen en nuestro país. En uno de los tantos accidentes que diariamente ocurren en nuestro país es, en donde finalmente se conocerán los protagonistas de este muy recomendable filme.

Por un lado, tendremos a Sosa (un abogado caído en desgracia que lucra con las indemnizaciones derivadas de dichos accidentes de tránsito) y por el otro tendremos a Luján (una joven muchacha, quien llega al lugar de los hechos como primera asistencia médica). Juntos comenzarán una relación afectiva tan tormentosa como realmente peligrosa.

Entre muchas bondades y aciertos que este filme posee, deberíamos destacar en primer término el excelente guión que la cinta posee. Narrado de una forma extremadamente cruda, mostrando todo un enorme entramado de corrupción y por sobre todo, dándole mucho énfasis al narrado de la decadencia tremenda que sufren las guardias de los impresentables hospitales públicos argentinos, creo que el guión de “Carancho” ha sido un acierto en casi todo el relato del filme.

Y digo, casi todo, porque sinceramente hay algo que luego de haber visto la cinta dos veces, no me termina de convencer. Estoy hablando lisa y llanamente de su abrupto y simplista (además de predecible) final. Da la impresión (y esto es una sensación absolutamente personal) que la resolución del filme debería haber sido otra y no la que finalmente se terminó mostrando en el corte final de la cinta. Por supuesto que esto último es sólo una observación personal, la cual de ninguna manera empaña el resultado global de un producto cinematográfico digno de mis mayores elogios.

Nada hay que reprochar por ejemplo, a la magnífica dirección que Pablo Trapero tuvo en este estupendo filme. Utilizando mucho el plano secuencia, moviendo la cámara siempre de manera correcta, mostrando muy de cerca momentos extremadamente dramáticos cuando el filme lo requería y filmando de excelente manera dos o tres secuencias de accidentes que nada tienen que envidiarle al filmes de otras nacionalidades. La cinta técnicamente es impecable, y la dirección de Trapero estuvo sin lugar a dudas a la altura de las circunstancias.

Párrafo aparte merecen las actuaciones de la pareja protagonista del filme. Tanto Ricardo Darín (a esta altura convertido en el actor por excelencia de nuestro cine) como Martina Gusmán han brindado excelentes actuaciones que mantienen en vilo al espectador, y que hacen que irremediablemente uno se compenetre de lleno con sus historias y sus diferentes problemas. Sin extenderme demasiado, tendría que decir que Ricardo Darín ha estado tan sobrio en este filme como por supuesto lo ha estado en los últimos años. Correcto en casi todo el relato, Darín es, fue, y será, uno de los grandes actores de nuestra industria cinematográfica.

Sin embargo, quería dedicar unas líneas un poco más extensas a la tremenda (sí, tremenda!!!) actuación de Martina Gusman. Decir que su actuación fue lo bastante natural como para que el espectador se compenetre de lleno con su personaje creo que es un elogio que a esta altura resulta un poco insuficiente.

Gusman realmente le ha dado a su personaje un dramatismo y una crudeza pocas veces vista, por lo cual nos encontramos ante una actriz tremendamente eficaz, que le ha brindado al relato absolutamente lo que dicho relato requería. Una brillante actuación para una actriz de indudables cualidades cinematográficas.

En definitiva, “Carancho” es un thriller dramático de indudable calidad técnica y narrativa. Una cinta que desnuda el decadente sistema sanitario argentino y que brinda, por sobre todas las cosas, una mirada diferente sobre este tema tan importante y poco explorado en el cine nacional. Realmente una cinta altamente recomendable.

Calificación de la Película: Muy Buena.

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Crítica de "Colateral: Lugar y Tiempo Equivocados" ("Collateral" USA 2004)

2010-10-03T12:41:00.007-03:00

Sinopsis: Max lleva doce años de taxista en una gran ciudad y Vincent es un asesino a sueldo. Una serie de circunstancias hacen que Vincent secuestre el taxi de Max, lo que convierte a Max en “Colateral”, en otras palabras, en desechable simplemente por estar en el sitio inoportuno en el momento inoportuno. Perseguidos por la policía de Los Angeles y por el FBI, Max y Vincent acabarán dependiendo el uno del otro para sobrevivir.
No soy precisamente yo, quien descubrirá en estas líneas la calidad innegable de un cineasta con todas las letras como lo es el Sr. Michael Mann. Creo que absolutamente nadie (y por supuesto ningún fanático del género policial) podrá borrar de sus retinas aquella excelente balacera que se producía promediando ese tremendo peliculón titulado “Fuego contra fuego” (“Heat” 1995).

Más allá de tratarse de un policial excelentemente narrado de principio a fin, y con un duelo actoral espectacular producido por los eternos Al Pacino y Robert De Niro, aquella escena de acción fue una de las filmaciones más espectaculares que me ha tocado ver durante mucho tiempo en la cinematografía contemporánea. Con un evidente toque distintivo en lo que se refiere también al aspecto narrativo de sus filmes, Michael Mann ha brindado sendas joyitas cinematográficas a lo largo de su fructífera carrera.

Allá por el año 2004, y luego de haberse despachado con un tremendo peliculón titulado “El Informante” (“The Insider” 1999), Mann volvió a meterse de lleno en el género policial con “Collateral”, una cinta sumamente entretenida, excelentemente bien filmada y por sobre todo, poseedora de una narración extremadamente llamativa y efectiva del dúo protagónico del filme.

La historia nos ubica en una bella noche en la ciudad de Los Angeles, en donde un joven taxista llamado Max (Jamie Foxx) se apresta a tener otra rutinaria y quizás aburrida jornada nocturna. Todo está calmo y nada está fuera de lo normal en la vida de Max. Pero las cosas cambiaran cuando un asesino a sueldo (interpretado de manera magnífica por Tom Cruise) secuestre su taxi y lo obligue, literalmente hablando, a conducirlo hacia ciertas locaciones definidas en dónde Vincent deberá hacer inquietantes trabajos delictivos.

“Collateral” es en definitiva, un excelente policial. Aquí tenemos un guión simple en líneas generales, pero totalmente efectivo de principio a fin. Efectivo en su planteamiento general, efectivo en la historia policial que se narra, y por sobre todo, efectivo en el armado de la relación que lentamente va gestándose entre los protagonistas principales del filme. Y allí es en donde creo que se encuentra uno de los mayores aciertos de este gran policial, en la relación de los dos personajes principales.

Es bastante llamativo que ciertos diálogos entre Tom Cruise y Jamie Foxx tengan, en definitiva, tanta importancia para el narrado general del filme como sendas escenas de acción excelentemente bien filmadas. Todo un acierto del guión, y por sobre todo, todo un acierto de Michael Mann en la importancia que le da a ciertos detalles que quizás otros cineastas hubieran pasado por alto.

Muy poco hay que reprocharle a Michael Mann en cuanto a la filmación propiamente dicha. Es cierto que Mann se enamoró terriblemente del formato digital, pero también es cierto que en “Collateral” es en donde mejor uso le ha dado a dicha tecnología (sólo para citar un ejemplo, creo que en la muy buena “Enemigos Públicos”, Mann abusó en demasía de dicho recurso), filmando toda la película de noche con una nitidez pocas veces vista y acoplando a esto un par de escenas realmente para el recuerdo. Son ejemplo de esto, la espectacular balacera dentro de un boliche nocturno, o la tensionante escena que se desarrolla dentro de un club de jazz.

Otro punto fuerte del filme son indudablemente sus actuaciones. Si bien Jamie Foxx compone de manera muy efectiva el rol de un taxista que debe lidiar con una noche francamente de terror, quien se lleva todos los laureles aquí es el cada vez más sólido Tom Cruise. Cruise es un actor que nunca fue de mi agrado en sus comienzos, pero que a partir de muy buenas actuaciones (“El Ultimo Samurai” fue una de ellas) ha terminado de convencerme por completo. Aquí literalmente compone de manera brillante a un despiadado y cínico asesino a sueldo, quien además entabla una relación muy bien narrada con el personaje de Jamie Foxx.

Sin mucho más para decir, solamente quería recordar este muy buen policial que allá por el año 2004 Michael Mann nos brindó a todos los espectadores que amamos este género. Un género que algunas veces peca de cierta repetición, pero que a la hora de ver cine, es uno de los que mayores satisfacciones me ha brindado.

Calificación de la Película: Excelente.

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Crítica de "Cinco Minutos de Gloria" ("Five Minutes of Heaven" Inglaterra - Irlanda 2009)

2010-09-19T13:35:00.007-03:00

Sinopsis: Lurgan, Irlanda del Norte, 1975. Una guerra civil de bajo nivel se ha ido gestando, con el IRA, que apunta a legitimistas británicos, y la Fuerza de Voluntarios legitimista del Ulster, que exige la venganza contra católicos que ellos consideran militantes republicanos. Alistar Little, de 16 años, es el líder de una célula UVF (Fuerza Voluntaria de Ulster) impaciente por derramar sangre. El y su cuadrilla reciben el visto bueno para matar a un joven católico, James Griffin. Cuando se perpetra el golpe, Joe Griffin – el hermano pequeño de 11 años del objetivo – ve con horror cómo muere su hermano. Treinta años más tarde, Joe Griffin y Alistair deben encontrarse, ante las cámaras, de cara a una reconciliación. Alistair ha cumplido su condena, y la paz se ha establecido en Irlanda del Norte, pero Joe Griffin tiene otros planes en mente.

Quien últimamente haya visto algo del renovado cine alemán, sabrá mejor que nadie que Olivier Hirschbiegel tiene en su haber sendas joyitas cinematográficas prácticamente imposibles de olvidar. “El Experimento” (“Das Experiment”, cinta que recientemente tuvo su remake estadounidense de la mano de Adrien Brody y Forest Whitaker) y la formidable “La Caída” (“Der Untergang”) fueron, son, y serán, una muestra de la indudable calidad de este excelente cineasta. Sin embargo, no fue para nada auspicioso el debut cinematográfico que Hirschbiegel tuvo en la industria Hollywoodense, haciéndose cargo de la cinta “Invasión” (“The Invasion”), un discreto filme que contó con innumerables problemas a lo largo de todo su rodaje.

Pero como la calidad y el talento rara vez se pierden, Hirschbiegel nos brinda con su última producción “Cinco minutos de gloria” (“Five minutes of Heaven”), un filme que retrata de manera muy pero muy eficaz, diferentes sentimientos y secuelas que el conflicto que se desató en Irlanda del Norte allá por los años setenta fue dejando sobres las partes involucradas, en este caso interpretadas de manera magistral por excelentes actores como lo son James Nesbitt y Liam Neeson.

La historia nos remonta a Lurgan, Irlanda del Norte, 1975, en dónde un guerra civil totalmente descontrolada se ha ido gestando con el paso de los años. Alistair Little (interpretado por Liam Neeson), es un joven de 16 años demasiado impaciente por contribuir de alguna manera en dicho conflicto, por lo cual es reclutado por la Fuerza Voluntaria de Ulster, para perpetrar un golpe contra un inocente joven católico. Alistair comete el crimen con mucho convencimiento, inclusive con la presencia del joven hermano de la víctima siendo testigo presencial de todo lo acontecido. Ya en la actualidad, y con una condena cumplida a cuestas, Alistair ha cambiado drásticamente su modo de vida.

La culpa y el peso de su crimen lo han llevado a tener un presente no deseado de soledad y abandono. Sin embargo, Alistair ve la oportunidad de redención cuando repentinamente es invitado a reunirse con el hermano de su víctima para un programa televisivo. No obstante, las cosas no saldrán como él espera y un nuevo espiral de violencia puede recién estar comenzando.

“Cinco Minutos de Gloria” es, a mi modo de ver, una pequeña gran película totalmente alejada del a veces agotador cine comercial estadounidense. Sin demasiados aires de grandeza y con la duración justa y necesaria, el filme narra de manera muy convincente las diferentes secuelas que cualquier conflicto armado puede dejar en la mente de cada uno de los involucrados. Es bastante admirable que dentro del guión se puntualice casi de manera única sobre los sentimientos y penurias de todas las partes actuantes en dicha cuestión, ya sean víctimas o victimarios.

Por eso, en algún momento del filme, el espectador podrá comprobar que ninguno de los dos personajes principales han podido llevar una buena vida a lo largo de los años, y que sin posibilidad de perdón, pues poco y nada podrán hacer para mejorarla.

Hirschbiegel entendió este último punto a la perfección y narró de manera perfecta el filme, ya sea porque los díalogos son realmente interesantes o porque lisa y llanamente la película no contiene escenas de más o demasiado fuera de contexto. El conflicto es uno, y las diferencias son muchas, las cuales se irán limando de manera muy interesante a lo largo de todo el metraje de la cinta.

En definitiva, “Cinco minutos de gloria” es una de esos filmes que comercialmente no sirven en absoluto (la recaudación en la taquilla estadounidense fue absolutamente nula), pero que por suerte para todos nosotros, siguen nutriendo nuestra querida pantalla cinematográfica, aunque sea en cuentagotas. Otra clase de cine brindada con muchísimo talento por uno de los mejores cineastas de la actualidad. Muy recomendable.

Calificación de la Película: Muy Buena.

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Crítica de "La Ciudad de las Tormentas" ("Green Zone" USA - Inglaterra - Francia - España 2010)

2010-08-30T20:28:00.009-03:00

Sinopsis: Estamos en 2003, y el Subteniente del Ejército Estadounidense Roy Miller y su equipo de inspectores son enviados a Irak para encontrar armas almacenadas bajo el suelo del desierto. Intentando evitar las trampas que se alzan en su camino, los hombres buscan peligrosas armas químicas, pero sólo descubren un elaborado plan para hacer fracasar su misión. Empujados por agentes secretos con objetivos muy diferentes, Miller deberá encontrar pistas en suelo extranjero que le lleven a las respuestas necesarias para sustituir a un régimen indeseado o iniciar una guerra en una región muy inestable. Descubrirá que en una época y un lugar muy conflictivo, el arma más difícil de encontrar es la verdad.
Muchas fueron las historias que han sido adaptadas a la pantalla grande tomando como base el serio conflicto bélico que se desarrolló en Irak como dura represalia por los atentados cometidos en territorio estadounidense allá por el 11 de Septiembre de 2001. Muchos filmes sobre aquella guerra han ido pasando con distinta suerte en taquilla, y también con distintas formas de narración.

En estos años, en ese sentido hemos tenido de todo un poco y para todos los gustos, ya que las distintas películas que se han presentado sobre este conflicto han pasado del entretenimiento de algunas, a las denuncias tremendas y muy conflictivas de otras tantas.

Paul Greengrass (uno de los mejores directores que Hollywood tiene en su poder en la actualidad) llevó adelante en el año 2007 un muy buen filme sobre el fatídico episodio de uno de los cuatro aviones secuestrados aquel terrible 11 de Septiembre del año 2001. “Vuelo 93” significó una demostración más (en ese entonces), de la maestría que este cineasta posee a la hora de crear thrillers sumamente interesantes, tanto por su contenido narrativo, como así también por su increíble calidad para saber crear muchísimos momentos de real tensión en pantalla.

Por eso mismo no fue de extrañar que tres años después, Greengrass decidiera colocarse nuevamente detrás de cámaras para narrar un excelente trhiller bélico acerca de la segunda intervención militar estadounidense en territorio iraquí. “La Ciudad de las Tormentas” constituye a esta altura, una de las mejores cintas que un humilde servidor ha tenido el privilegio de ver sobre dicho conflicto, pero por sobre todo, una de las que más desnuda la nefasta política exterior estadounidense en dicha guerra.

El guión aquí corrió por cuenta del experimentado libretista Brian Helgeland (“Mistyc River”, “Man On Fire” y “Payback”, entre otras), quien brindó un interesantísimo y muy bien estructurado relato a lo largo de todo el filme. Sin escenas innecesarias y con muy buenos diálogos que hacen que el espectador se compenetre de lleno con la historia, “La Ciudad de las Tormentas” nos adentra en la historia del Capitán del ejército estadounidense Miller (interpretado de muy buena manera por Matt Damon), quien lidera un grupo especial de elite en la minuciosa búsqueda de las tan mencionadas armas de destrucción masiva.

El tiempo pasa, las locaciones investigadas no contienen absolutamente nada, y todos los caminos parecen indicar que algo no anda bien.

Por esto mismo, Miller comenzará a cuestionar a sus propios servicios de inteligencia, lo cual le llevará literalmente a investigar por su cuenta (con la ayuda de un miembro de la CIA) sobre la verdadera realidad que le están ocultando. Si bien es cierto que el libreto de la cinta es a priori bastante simple en su estructura general, vale destacar que el mismo se encuentra tan pero tan bien narrado que poco y nada hay para cuestionarle al guión en general. Todo encaja. Cada diálogo, cada situación y cada descubrimiento que el filme plantea a lo largo de sus casi dos horas de duración están narrados de manera casi perfecta.

Si bien es correcto decir que el guión es uno de los grandes aciertos del filme, la dirección de Paul Greengrass en el mismo ha sido sencillamente espectacular. El tipo mueve la cámara como los dioses, narra las situaciones de manera sumamente creíble y filma las escenas de guerra de una forma francamente espectacular. De hecho, las secuencias nocturnas que se desarrollan sobre el final del relato (filmadas en digital) son de una calidad increíble y se encuentran notablemente construidas, con excelentes coberturas de planos y una ubicación de cámara prácticamente perfecta.

Poco y nada hay para reprocharle a un gran actor como Matt Damon. Viene de ser dirigido por Greengrass en las dos últimas entregas de Bourne, y tiene un conocimiento del director que seguramente le ha ayudado enormemente para desempeñar el papel del Capitán Miller en este filme. Sobrio como siempre, Damon se anota con otra más que correcta actuación en todo sentido y a lo largo de todo el relato.

En definitiva, “La Ciudad de las Tormentas” es un verdadero peliculón. Una muy buena narración, una muy buena historia, una excelente filmación y una durísima crítica a la política exterior estadounidense son, en otras tantas cosas más, la excelencia de este filme. Otro acierto en masa de ese gran director llamado Paul Greengrass.

Calificación de la Película: Excelente.

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Crítica de "Los Mejores de Brooklyn" ("Brooklyn´s Finest" USA 2009)

2010-08-16T15:02:00.006-03:00

Sinopsis: Tres policías, sin conexión entre ellos y con carreras muy diferentes, coincidirán durante una multitudinaria redada en la zona más peligrosa de Brooklyn. El hecho de que sus caminos se crucen dejará al descubierto sus historias: Eddie (Richard Gere) es un hombre autodestructivo y honesto que ha perdido el respeto de sus compañeros; Sal (Ethan Hawke) ha caído en la corrupción y vive con la culpabilidad de poder darle un bienestar mayor a su familia; y Tango (Don Cheadle) trabaja encubierto en un caso de drogas y deberá traicionar a Caz (Wesley Snipes), un traficante que se ha convertido en su mejor amigo.
Antoine Fuqua es hoy por hoy, y a mi humilde modo de ver, uno de los mejores profesionales con los que el cine Hollywoodense cuenta en su inmensa industria cinematográfica. Allá por el año 1998, y con unos francamente buenos actores como Chow Jun-Fat y Mira Sorvino, Fuqua brindó un excelente filme de acción titulado “Asesinos Sustitutos” (“The Replacement Killers”), donde nos narraba la historia de un asesino a sueldo que comenzaba una tremenda venganza en contra de sus perseguidores, luego de desobedecer a una última y peligrosa misión.

Aquel filme resultó para mí, y creo que para muchos otros fanáticos del cine de acción, un tremendo festival de increíbles balaceras, espectaculares persecuciones, excelentes locaciones y francamente buenas actuaciones de todo su elenco. No sorprendió entonces, que años después y más precisamente en el glorioso 2001, Fuqua se anotara en el mundo cinematográfico con su espectacular obra maestra “Día de Entrenamiento”, un policial duro, ingenioso, tremendamente bien filmado y por sobre todo, mejor actuado.

Tampoco fue de extrañar que Denzel Washington se alzara con su segundo Oscar luego una tremenda actuación en aquella cinta, pero sí fue una grata sorpresa ver a Ethan Hawke brindar una increíble performance en el rol de un policía novato, que haría cualquier cosa por escalar en su búsqueda de convertirse en detective de la división de Narcóticos. Y en este último y francamente muy buen actor, es en dónde “Día de Entrenamiento” y “Lo Mejores de Brooklyn” convergen en ciertas similitudes.

Para comenzar con la reseña de “Los Mejores de Brooklyn”, tengo que dejar bien en claro que a pesar de ser un policial que se nutre bastante del estilo que Fuqua supo darle a “Día de Entrenamiento”, lejos se encuentra de la grandeza de aquel único y para mí, irrepetible filme.

“Los Mejores de Brooklyn” cuenta con un guión muy interesante del debutante Michael C. Martin, quien supo adosarle al típico libreto de cintas policiales, ciertas características que hacen de este filme un producto cinematográfico que termina siendo a mi modo de ver muy pero muy recomendable. Aquí se narran dramas cotidianos de todo tipo sobre la vida de tres policías que en el filme son interpretados de muy buena manera por grandes actores como Ethan Hawke, Don Cheadle y Richard Gere.

Por esto mismo, en el narrado de la cinta nos encontraremos con todos los ingredientes que los policiales suelen darle al público, desde operaciones encubiertas, pasando por las ya conocidas tentaciones a la que están expuestos los uniformados (como en el personaje de Ethan Hawke, por lejos el de mejor desarrollo argumental), y culminando por los ya también conocidos problemas psicológicos de personajes a los cuales la dura vida en el cuerpo policial les ha dejado una marca muy difícil de sobrellevar (como en el personaje de Richard Gere).

Si bien el libreto no tiene ni por asomo la estructura argumental que Alejandro Gonzalez Iñárritu elige para sus cintas, sí estamos ante una historia que une parcialmente los problemas de sus principales protagonistas en unos geniales 20 minutos finales, en dónde la tensión llega a un punto máximo, gracias a una muy buena narración que el filme posee a lo largo de todo su metraje. En definitiva, Martin supo brindar un muy buen libreto que un cineasta de impecable factura como Antonie Fuqua procuró no desaprovechar.

La Dirección de Fuqua es francamente excelente. Mueve la cámara como pocos, sabe brindar momentos de extrema tensión, ha filmado cuatro o cinco escenas de balaceras muy bien ejecutadas, y se tomó el tiempo justo y necesario para darle a sus personajes un desarrollo acorde a lo que el filme necesitaba. Por otra parte, su buena dirección de actores ha hecho que Ethan Hawke nos de otra muestra de lo tremendo actor que es y por sobre todo, ha logrado que un actor como Wesley Snipes (un muchacho que hasta la fecha un humilde servidor lo tenía como un actor de rejunte) brinde la mejor actuación que le he visto en su pobre carrera cinematográfica.

En conclusión, “Los Mejores de Brooklyn” es un policial hecho y derecho. Muy bien filmado (las escenas de acción son impecables) y actuado, este es un filme muy recomendable para quien haya disfrutado, por ejemplo, de filmes como “Código de Familia” o “Los Dueños de la Noche”.

Calificación de la Película: Muy Buena.

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Crítica de "Chloe" ("Chloe" USA - Canadá - Francia 2009)

2010-08-10T19:50:00.008-03:00

Sinopsis: Catherine, una doctora de éxito, sospecha que su marido David, un guapo profesor de música, la engaña. Con el fin de acallar sus sospechas y temores, contrata a Chloe, una joven irresistible para que ponga a prueba la fidelidad de David. Los tórridos cuentos de Chloe sobre sus encuentros con David embarcan a Catherine en un viaje de redescubrimiento sexual y sensual.
Muchísimas son las cintas que venden su poderío cinematográfico de diferente manera cuando las mismas poseen un elenco que atraiga indiscutiblemente la atención de los espectadores. Algo de esto tiene la cinta de la cual hablaremos hoy en el blog, ya que “Chloe” tiene en sus filas un conjunto de increíbles actores que hoy por hoy casi que representan a los mejores exponentes del cine Hollywoodense.

Poco puedo agregar en estas líneas acerca de dos tremendos actores como lo son Julliane Moore y Liam Neeson y si bien “Chloe” hubiera sido una cinta que quizás hubiera pasado desapercibida entre el común de la gente de haber contado con un elenco diferente o menos competitivo, creo sinceramente que estamos ante un filme que merece un visionado aunque más no sea por sus excelentes actuaciones.

La película comienza mostrándonos la monótona vida matrimonial que lamentablemente llevan adelante la pareja que encarnan Catherine (Julliane Moore) y David (Liam Neeson), dos profesionales a los cuales su excesiva dedicación al trabajo y la rutina que les ha provocado sus años de convivencia han hecho tambalear de alguna manera la excelente relación matrimonial que supieron llevar durante muchísimo tiempo.

Las sospechas comienzan a abundar, sobre todo del lado de Catherine, quien desesperada en sus pensamientos sobres posibles infidelidades de David, decide recurrir a una prostituta de su barrio, a la cual contratará para probar hasta que punto sus sospechas son reales. Pero las cosas no saldrán del todo bien y Catherine tratará de dar marcha atrás con su propuesta inicial, sin saber que de todos modos un complejo juego sexual se ha desatado.

Erin Wilson fue la encargada de redactar el guión de este atractivo thriller dramático de alto contenido erótico, el cual se sustenta en demasía en tratar de recrear de forma bastante efectiva lo duro que puede resultar la convivencia matrimonial a lo largo de los años. Por eso mismo la cinta trata desde un primer momento de dejar bien en claro los diferentes problemas que afronta la pareja protagonista luego de muchos años de convivencia.

Así empezarán a sobrevolar una y otra vez sospechas de todo tipo y de ambos lados, lo cual dará inicio a un drama muy bien estructurado que poco a poco irá girando hacia el suspenso, ya sobre el final de su metraje. Si bien estamos ante un guión correcto y no mucho más, realmente me quedó la sensación de estar en presencia de un final demasiado abrupto, sobre todo en sus 5 minutos finales, lo cual sin embargo no empaña el resultado final de un más que correcto producto cinematográfico.

El Director Atom Egoyan centró todos sus cañones en darle a la cinta el mayor erotismo posible al constante drama que sobrevuela la pantalla durante absolutamente todo el metraje. Por eso mismo tendremos alto voltaje en muchísimas escenas, pero no sólo desde el punto de vista visual, sino también desde los impecables diálogos que el guión ofrece y que en un thriller de esta naturaleza son totalmente necesarios.

Como bien dije al comienzo de la reseña, “Chloe” no sería lo mismo de no contar con un elenco de actores que de alguna manera atraiga la atención de los espectadores. Los productores del filme sabían de esto y a partir de allí pudieron conformar un elenco de lujo para un filme cuya trama en definitiva no es demasiado atrayente por sí sola.

Tanto Julliane Moore como Liam Neeson brindan trabajos muy pero muy solventes mostrando en cada plano del filme los diferentes problemas que la convivencia matrimonial puede llegar a generar a lo largo del tiempo. También vale aclarar la más que correcta actuación de Amanda Seyfried (en el rol de “Chloe”, la prostituta contratada por Catherine), quien a pesar sentirse un poco forzada a mi modo de ver en algunas escenas, termina brindando una convincente actuación aunque no tan pulida como la del dúo protagónico.

En definitiva, “Chloe” es una más que recomendable cinta cinematográfica. Sin demasiados aires de grandeza pero brindando una propuesta seria que se mete de lleno en los problemas cotidianos de la vida de las parejas, “Chloe” termina siendo un filme de muy buenas intenciones.

Calificación de la Película: Buena.

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Crítica de "Bahía de Sangre" ("Blood Creek" USA - 2009)

2010-08-01T12:30:00.009-03:00

Sinopsis: En 1936, los Wollners, una familia de inmigrantes alemanes que viven en Town Creek (Maryland), son contactados por el tercer Reich para hacer de anfitriones al Profesor Richard Wirth. La familia, necesitada de dinero, acepta recibir al hombre en su casa. Lo que no se esperan es que formará parte de un experimento en el que serán aislados del resto del mundo y se convertirán en los participantes de un juego de supervivencia. Ahora, en 2007, la vida de Evan Marshall está estancada con tan sólo veinticinco años. Su hermano mayor Víctor desapareció misteriosamente cuando se fue de camping cerca de Town Creek. Sin embargo, una noche su hermano vuelve escapándose de sus captores. Este será sólo el comienzo de una tremenda venganza.

Creo haber hecho en este blog, en algún momento del año que pasó, una pequeña revisión del significado que provocaba en mí, un gran director como lo es el cineasta Joel Schumacher. Amado y odiado por partes iguales, o quizás odiado por siempre por sus tremendas falencias en sendas incursiones en las cintas de Batman, Schumacher supo dar a lo largo de su carrera enormes ejemplos de cómo brindar buenos productos cinematográficos. Sólo por citar algunos casos, tendríamos que nombrar cintas como “The Lost Boys”, “Flatliners”, “Falling Down”, “The Client”, “A Time to Kill”, “8MM”, “Phone Booth”, y hasta la más que correcta, desde mi punto de vista, “The Number 23”.

Si bien es cierto que Schumacher nunca se ha caracterizado por ser un director que se adentre demasiado dentro del género del horror, con “Blood Creek” ha demostrado, quizás, una faceta no explorada en demasía a lo largo de su vida cinematográfica.

Estamos hablando de una cinta que toma en su guión la siempre interesante relación que se le reconoce al Tercer Reich con las ciencias ocultas para brindar un producto tan efectivo desde el punto de vista del entretenimiento puro como quizás poco ambicioso desde otros aspectos, sobre todo si tenemos en cuenta que el libreto termina siendo algo demasiado lineal para lo que se auguraba en un comienzo.

El mismo estuvo a cargo de David Kajganich (quien también fue el encargado de la adaptación de “The Invasión”, allá por el 2007, película que contó con las actuaciones de los siempre correctos Nicole Kidman y Daniel Craig, y que marcó el debut Hollywoodense del genial cineasta alemán Oliver Hirschbiegel), quien se centró no tanto en presentar un libreto que desmenuce demasiado todo el entremado de la relación nazi con el ocultismo, sino que lo utiliza como pequeña introducción para brindar una verdadera cacería humana a lo largo de 90 minutos de pura tensión bastante bien lograda.

Por otra parte, Schumacher ha logrado aquí brindar mediante su impecable método de filmación, una tensión garantizada y muy bien lograda a lo largo del metraje. No es normal ver a este director mover la cámara de manera tan frenética como lo ha hecho en “Blood Creek”, brindando efectivos momentos de suspenso los cuales combina con otros tantos en donde se centra en darle al filme el mayor gore posible en muchos de sus planos.

Escopetazos, peleas cuerpo a cuerpo y momentos en donde la sangre se muestra y en primerísimos planos, lo cual ha sido a mi modo de ver un gran acierto del director, quien ha convertido a “Blood Creek” en un más que correcto producto cinematográfico a pesar de ciertas falencias que brinda un guión un tanto desaprovechado.

Por el lado de las actuaciones, tenemos aquí protagónicos correctos y no mucho más. Quizás quien más simpatía pueda llegar a despertar en el espectador sea Dominic Purcell (reconocido por su protagónico en la aclamada serie de televisión “Prison Break”), quien brinda una actuación más que digna junto a su hermano en la ficción, interpretado en esta cinta por un muy natural actor como Henry Cavill, quien a mi modo de ver, se lleva todos los laureles en “Blood Creek”, sin decir con esto que sea merecedor de un Oscar ni mucho menos.

En definitiva, “Blood Creek” es una efectiva cinta que mezcla el thriller y el horror en estado puro. Entretenimiento garantizado de la mano del siempre efectivo Joel Schumacher, quien si bien no se animó a explorar demasiado una temática siempre interesante, sí supo brindar en líneas generales un filme excelentemente filmado y narrado de manera más que correcta.

Calificación de la Película: Buena.

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Crítica de "Tarde de Perros" ("Dog Day Afternoon" USA 1975)

2010-07-18T15:49:00.009-03:00

Sinopsis: Una pequeña banda de delincuentes de poca monta decide atracar la sucursal de un banco de Brooklyn, pero su falta de dedicación y de experiencia hará que un robo que fue planeado para que durara apenas 10 minutos se convierta en una trampa para los atracadores y en un circo para la televisión en directo.
Si hablamos lisa y llanamente de cual sería unos de los mejores narradores en la historia del cine, creo que sin lugar a dudas en un top five debería estar este tremendo realizador llamado Sydney Lumet.

Nacido el 25 de Junio de 1924 en Filadelfia, Lumet ha deslumbrado y quizás desilusionado al público cinematográfico por partes iguales a lo largo de su extensa carrera. Desde su genial debut con aquella joya del cine titulada “Doce Hombres en Pugna”, este director supo imprimirle a cada uno de sus trabajos un sello distintivo que hasta hoy en día tienen indudable vigencia. Lumet ha dado verdaderos ejemplos de cómo narrar cine de una manera tan sencilla y efectiva que uno no puede quedar más que asombrado ante tanta naturaleza que desprende este excelente cineasta.

“Sérpico”, “The Verdict” y “Before The Devil Knows You´re Dead” son ínfimos ejemplos de tremendas joyas cinematográficas que tuve la oportunidad de disfrutar de la mano de este genial director. Allá por el año 1975, Lumet venía gozando de una buena seguidilla de películas, que incluía excelentes productos como “Sérpico” o “Asesinato en el Expreso de Oriente” y que seguiría de impecable manera con la cinta que hoy comentaremos en este blog, titulada “Tarde de Perros”.

La película comienza relatándonos la historia real sobre un robo express a un banco de Brooklyn, el cual para todos los involucrados debería haber sido algo sencillo, de poco tiempo y totalmente efectivo. Sin embargo, la poca experiencia de los delincuentes hará que lo que parecía en un comienzo un robo totalmente rutinario, se convierta en una tremenda pesadilla de la noche a la mañana.

“Tarde de Perros” es una cinta que difícilmente encuadre en un género en particular, ya que estamos hablando de un filme que en realidad mezcla de manera asombrosa el drama, el suspenso, el policial, un poco de acción y hasta toques de comedia fabulosamente insertados en un guión que no tiene desperdicio. Y aquí es donde me quiero detener mayormente a lo largo de la reseña, en su quizás sencillo pero impecable guión. Lisa y llanamente estamos hablando de un libreto que tiene de todo un poco y fabulosamente bien narrado por un cineasta como Lumet, que por aquel entonces se encontraba en un verdadero estado de gracia.

Arrancando por una fabulosa presentación de lo que sería un sencillo robo, el director nos inserta muy de a poco en un impecable desarrollo de los motivos del mismo y de las intenciones de los protagonistas principales, dándole un extremo y meticuloso trabajo al cuidado del personaje principal interpretado por un jovencísimo y genial Al Pacino. De hecho, no tenemos aquí demasiadas escenas sin sentido, ni mucho menos estancamientos en el ritmo narrativo del filme, por lo cual una cinta que supera las dos horas de duración, se irá pasando de manera tan rápida como francamente efectiva.

También es cierto que la película gana muchísimo interés cuando mezcla temas tan interesantes como es el mundo gay y toda la controversia que esto genera, como así también el hecho de mostrar el paupérrimo accionar policial ante una situación extrema o de prácticamente reírse de cómo se maneja el temible periodismo sensacionalista en este tipo de circunstancias. En definitiva, estamos ante un guión que brinda muchísimos matices, pero todos ellos narrados de una manera sumamente natural a lo largo del filme.

Sabemos que el buen narrado de una cinta ayuda enormemente al desempeño actoral de los personajes del mismo, y también sabemos que Lumet siempre procura sacar lo mejor de cada uno de los actores que están bajo su mando (sino pregúntenle al inexpresivo Vin Diesel en su más que decorosa actuación en “Find Me Guilty”), por lo cual un genio como Al Pacino no sólo no tuvo ningún tipo de problemas en interpretar a su personaje, sino que francamente y por lejos, es de lo mejor de la película. Un muchacho que demuestra infinidad de sentimientos a lo largo de la cinta y todos ellos tan dispares que uno no puede llegar a creer por momentos que este filme esté basado en un hecho real. Gran actuación de Al Pacino, y gran dirección de actores de Sidney Lumet.

En definitiva, “Tarde de Perros” es un gran exponente del cine policial de los años setenta. Lumet nos brinda con esta cinta un filme que no solamente entretiene, sino que desarrolla temáticas sumamente interesantes a lo largo de todo su excelente metraje.

Calificación de la Película: Excelente.

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Crítica de "La Cinta Blanca" ("Das Weisse Band" Alemania - Austria - Francia - Italia 2009)

2010-05-30T14:54:00.009-03:00

Sinopsis: La acción transcurre en un pueblo protestante del norte de Alemania, hacia 1913/1914 en vísperas de la Primera Guerra Mundial. Los protagonistas principales de la historia son el barón, el pastor de la Iglesia y los niños del coro, un doctor viudo y el maestro de escuela. Todos se ven conmovidos por una serie de extraños e inexplicables incidentes que adquieren la forma de un ritual de castigo. ¿Quién está detrás de estos siniestros sucesos? Este agudo retrato de una sociedad represora nos permite advertir como poco a poco el nazismo comienza a incubarse en el seno de Europa Occidental.

A decir verdad, realmente me siento sumamente raro escribiendo la crítica de esta aclamada cinta del cineasta alemán Michael Haneke. ¿Por qué me siento raro, se preguntarán los lectores del blog? Pues lisa y llanamente por varios puntos que a continuación trataré de detallar de la manera más concisa y clara posible. Considero sumamente loable bajo todo punto de vista, que diferentes cineastas (sobre todo provenientes del cine europeo) tomen la problemática del nazismo (o de otra índole) y desarrollen diferentes historias en dónde puedan plasmar todos sus sentimientos hacia una época nefasta de la historia de este siglo. Realmente lo considero de esta manera.

Por eso mismo, dentro de mis cintas favoritas, siempre estarán tremendos peliculones como “Pelotón”, “Pecados de Guerra”, “La Delgada Línea Roja”, “Sophie Scholl - Los últimos días” o la espectacular película alemana “La Caída”, entre otras joyas del cine de los últimos años. Ahora, por otra parte ¿El hecho de tomar la problemática de nazismo, lo cual ya de por sí le da un valor agregado a cualquier filme, augura que una película sea de visionado obligatorio o que lisa y llanamente se la catalogue de peliculón por parte de toda la crítica especializada del mundo? Pues a decir verdad, sinceramente creo que no.

Es más, ya entrando de lleno en la reseña de la cinta de Michael Haneke, debo decir sin lugar a dudas que “La Cinta Blanca” tendrá cierto interés en algunas pautas que plantea, pero como producto cinematográfico se ha transformado a mi modo de ver en una de las películas más aburridas, apáticas y carente de ideas que he visto en los últimos años, y toda la culpa, absolutamente toda la culpa de esto, la tiene el pésimo guión que Haneke brindó para este aclamado filme.

No hay que reprocharle nada a la cinta desde el punto de vista técnico (el cual es fantástico), ni desde el punto de vista actoral (rara vez en Europa las actuaciones son flojas), y como bien dije, es bastante loable que Haneke quiera mostrarnos una sociedad alemana enferma educacionalmente y con una mentalidad absolutamente psicótica desde bastante antes de que el nazismo tomara el poder del país. Ahora, la forma en la que el cineasta lo plantea en la película es francamente muy pobre.

El guión (el cual lisa y llanamente es el principal problema del filme) está tan pero tan mal narrado, que pocas veces tuve tantas de ganas de dejar de ver una cinta por la mitad de su metraje, como me ha pasado en esta ocasión con su último producto cinematográfico. Haneke transformó una historia que podría haber tenido bastante potencial, en algo difícil de digerir, aburrido al por mayor, con resoluciones inconclusas y personajes que no llegan a interesar al espectador en ningún momento del excesivo metraje del filme. Y no es un problema del cine europeo en general, ya que en los últimos años el progreso cinematográfico que se ha dado en países como Francia y Alemania es algo francamente palpable y sumamente valorable.

Creo que el principal problema de la cinta de Haneke es haber trabajado poco y nada en un guión que si bien tiene interés en su comienzo, de a poco se va transformando en algo muy pesado a nivel narrativo, casi al límite de lo insoportable. Sí vale destacar, por otra parte, la solvencia técnica del filme, sobre todo desde la impecable dirección de fotografía y la maestría del cineasta para mover la cámara lo justo y necesario.

También vale destacar la impecable dirección de actores que Haneke logró con el filme, ya que bajo ningún punto de vista existen actuaciones flojas en la cinta, y de hecho me han sorprendido gratamente todas las performances de los niños que aparecen en la película. Ciertamente es este el punto más alto de esta, a mi modo de ver, pobrísima cinta.

En conclusión, “La Cinta Blanca” es un producto cinematográfico con buenas ideas pero preso de un horrible guión que hubiera hecho naufragar a cualquier filme, de cualquier nacionalidad, en cualquier momento de la historia cinematográfica. Una película que de ninguna manera pudo ser salvada ni por su espectacular apartado técnico, ni por sus excelentes desempeños actorales, ni tampoco, por sus francamente buenas intenciones históricas.

Calificación de la película: Mala.

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Crítica de "La Isla Siniestra" ("Shutter Island" USA - 2010)

2010-05-24T11:46:00.006-03:00

Sinopsis: Ambientada en 1954, Leonardo DiCaprio interpreta a Teddy Daniels, que investiga la desaparición de un asesino que se ha fugado de la institución mental en la que se encontraba, y que al parecer se oculta en la remota Shutter Island.
Hacía ya muchísimo tiempo que el genial Martin Scorsese no se metía de lleno en el género del suspenso psicológico. Si la memoria no me falla, “Cabo de Miedo” (“Cape Fear”) fue su última incursión dentro del terreno del trhiller, brindando una cinta fenomenal de principio a fin, con una dirección brillante y unas actuaciones descomunales (Lo de Robert De Niro es para ver una y otra vez sin cansarse) para la que fue hasta el día de hoy una de las películas que más he disfrutado a lo largo de mi vida como espectador.

Pero volviendo a la reseña de la película que hoy nos ocupa, “Shutter Island” está basada en la novela del gran Dennis Lehane, quien ha brindado enormes novelas que han sido adaptadas al cine con muchísimo éxito, entre las que podemos recordar a “Río Místico” (“Mystic River”, ganadora de dos premios Oscar) y a “Desapareció una noche” (“Gone Baby Gone”, película increíblemente ignorada en los premios Oscar, con una descomunal actuación de Casey Affleck). ¿Significa esto, por otra parte, que “La Isla Siniestra” esté a la altura de sus anteriores novelas? Pues la verdad y para ser sincero, tendría que decir que no, pero también tengo que ser justo y decir que la historia es realmente entretenida y que está sumamente bien pensada y estructurada.

La película comienza relatándonos el arribo a “Shutter Island” del agente federal Teddy Daniels (Leonardo DiCaprio), destinada a la investigación de la insólita desaparición de uno de los pacientes más peligrosos del lugar, para lo que contará con la ayuda de su compañero Chuck (interpretado por Mark Ruffalo), quienes juntos intentarán poner remedio a la situación, pero que de a poco irán topándose con diversos problemas de todo tipo, por lo cual irán dudando, inclusive, de hasta su propio cordura.

Como decía en el párrafo anterior, que “La Isla Siniestra” se base en una novela del gran Denis Lehane, provocaba en mi (y creo que en cualquier espectador de la cinta) una expectativa mucho mayor de la normal, dado sus impecables antecedentes en filmes previos. Creo que, en definitiva, el libreto de “Shutter Island” tiene tantos puntos a favor como también los tiene en contra. Vale aclarar antes que nada, que estamos ante un guión muy bien estructurado e interesante. La historia es muy llevadera, el desarrollo de personajes es realmente impecable (sobre todo el de Leonardo DiCaprio) y diversas revelaciones que se dan en sus últimos cincuenta minutos (el filme se estira por el lapso de dos horas y veinte minutos) fueron muy bien diagramadas y son perféctamente creíbles en todo sentido.

Pero allí mismo es donde comienza el único problema que a mi modo de ver brinda el libreto. Su resolución final. No porque este sea similar al de otras cintas, sino porque es un poco predecible. El espectador que se proponga hilar fino promediando el metraje podrá adivinar sin mucho esfuerzo por dónde viene la cosa (no sobre la resolución final en sí, sino sobre parte de la estructura resolutiva del filme), por lo cual el libreto, sobre el cual vuelvo a repetir que brinda un historia muy bien contada e interesante, perderá algo de ingenio sobre el tramo final de la cinta.

¿Qué puedo decir del trabajo de Martin Scorsese detrás de cámaras? Sólo palabras de elogio. Genial en los movimientos de cámara (nada de movimientos frenéticos, sino más bien saber ubicarla en los mejores lugares y tomando siempre planos largos e interesantes), espectacular en la recreación de época y sobre todo muy bien tomándose todo el tiempo del mundo en desarrollar al personaje principal de la cinta.

En ese sentido, la actuación de Leonardo DiCaprio sigue estando a la altura de lo que nos viene brindando este muy buen actor en los últimos tiempos. “Diamante de Sangre” y “Los Infiltrados” ha sido una muestra de su impecable progreso actoral, y “La Isla Siniestra” es sólo una confirmación de que estamos frente a un sólido actor que Scorsese ha tomado como propio.

Para ir terminando, “La Isla Siniestra” es una película francamente recomendable. Un trhiller psicológico sumamente correcto en prácticamente todas sus facetas cinematográficas, al que quizás se le pueda objetar cierta previsibilidad en su trama, pero no por eso se puede desmerecer un producto muy bien hecho, interesante y sumamente prolijo durante todo su desarrollo.

Calificación de la Película: Buena.

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Crítica de "Contactos de Cuarto Tipo" ("The Fourth Kind" USA - Inglaterra 2009)

2010-04-03T12:08:00.008-03:00

Sinopsis: Una investigadora viaja a un pueblo de Alaska donde se suceden inexplicables desapariciones desde hace 40 años. Las grabaciones de las sesiones se fundirán con las recreaciones de los sucesos, a fin de acercarse a lo que realmente pasó en aquel pueblo en el año 2000. (La película contiene extractos de las supuestas grabaciones reales hechas por la Dra. Tyler).
“Contactos de Cuarto Tipo” es una cinta de Terror sobrenatural que se vende a si misma como un filme de ficción en el cual se entremezclan imágenes cinematográficas y actuaciones con supuesto material de archivo (más de 60 horas de video, según se explica en el comienzo de la cinta) para recrear un impactante caso que tuvo lugar en Nome, Alaska, en el año 2000, en dónde la Dra. Abbey Tyler se desempeñaba como psicóloga. Tras la misteriosa muerte de su marido, la doctora Tyler (interpretada de excelente manera aquí por la actriz Milla Jovovich) comienza a descubrir extraños comportamientos en algunos de sus pacientes, quienes sufren inexplicables trastornos del sueño. Dichos trastornos podrían estar o no relacionados con lo que ella supone que es un “contacto del cuarto tipo”, el cual se describe como el más terrible y sufrido encuentro que un ser humano puede tener con fuerzas extraterrestes.

Toda esta introducción que fielmente he descripto en el párrafo anterior tiene que ver con algo sumamente importante que todo espectador tendría que saber antes de disfrutar, o no, del visionado de este muy buen thriller que en definitiva es “Contactos de Cuarto Tipo”. Este filme puede tomarse de dos maneras bien distintas y contrastantes entre sí. La primera sería creerse absolutamente todo lo que el filme vende como verdadero material de archivo (sugiero investigar en internet un poco sobre ello), y la segunda sería dejarse llevar lisa y llanamente por una historia muy tensionante, impecablemente narrada y muy bien armada en su estructura general.

Si el espectador dejara, en todo caso, dejarse llevar por el segundo ejemplo, puedo asegurar casi por completo, que disfrutará del visionado una película de ficción muy bien realizada, actuada y por sobre todas las cosas, narrada.

Olatunde Osunsanmi fue el guionista y director de este filme que quizás tome prestado el estilo fílmico y narrativo de cintas como “The Blair Witch Proyect” o “Parnormal Activity”, pero con una gran diferencia respecto a ellas. Osunsanmi no se conforma con robar (por decirlo de alguna manera) con un hecho que se vende como real, sino que le da a la cinta todo un entramado de suspenso y tensión que se palpa de una manera muy real en pantalla. Quizás pueda lograrlo debido a que la trama resulta muy interesante ya por su temática (es lo que personalmente me ha pasado), o porque esa misma temática se encuentra plasmada de una manera más que correcta en un guión que no tiene demasiadas fisuras, o porque quizás ese mismo guión sirvió de lucimiento para una actuación bárbara (a mi modo de ver) de una dúctil actriz como Milla Jovovich.

Aquí no hay finales Hollywoodenses que reprochar, ni signos de alegría destilando por la pantalla grande, ni nada que pueda perturbar una película hecha con seriedad sobre relatos de contactos con extraterrestes que hasta el día de hoy sigue siendo tema de debate en todo el mundo.

El trabajo de Osunsanmi detrás de cámara ha sido realmente bueno. Decidió mostrar (y acertó de lleno en esto) lo que debía en unos primerísimos e inquietantes primeros planos y dejó más a la imaginación del espectador diversas escenas que corresponden a lo más controversial de la trama del filme, lo cual sin lugar a dudas es un punto a favor para el suspenso y la tensión que la cinta genera a lo largo del metraje.

Dentro de un elenco sumamente correcto en líneas generales (no quiero dejar pasar la más que correcta labor de un gran actor como Elías Koteas), quien sobresale aquí es su protagonista principal Milla Jovovich. Sin dudas tiene el principal papel del filme, pero la ductilidad con que la que lo desempeña resultó ser una sorpresa sumamente agradable. Sus gesticulaciones transmiten tensión en todo momento, dramatismo y una fuerte convicción en sus creencias, por lo cual el espectador que se compenetre de lleno en la trama disfrutará sin lugar a dudas de una muy buena actuación de una chica que ya demostró en el filme “.45” que el género dramático le sienta bien, y que puede desempeñarse de manera más que correcta dentro del mismo.

En definitiva, “Contactos de Cuarto Tipo” es un entretenimiento garantizado para el espectador que disfrute de este tipo de propuestas. Muy bien rodada y con escenas sumamente tensionantes en dónde nunca se recurre a mostrar litros y litros de sangre, este filme es una propuesta muy interesante que personalmente recomendaría no dejar pasar.

Calificación de la Película: Muy Buena.

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Crítica de "Hombre en Llamas" ("Man On Fire" USA - Inglaterra 2004)

2010-03-28T13:57:00.006-03:00

Sinopsis: Denzel Washington interpreta a un agente del gobierno, un soldado de fortuna, desencantado con su vida en general. En México D.F., a regañadientes, acepta un trabajo para proteger a una niña (Dakota Fanning) cuyos padres han recibido amenazas de secuestro. Su relación con su pequeña protegida irá creciendo y despertará en él un espíritu perdido. Pero cuando ella es secuestrada, su rabia se desatará contra los responsables.
Corría el año 1980 cuando el productor Arnon Milchan decidió comprar los derechos para la adaptación cinematográfica de la novela de A.J. Quinnell, titulada “Man On Fire”. La misma se trataba de una historia de venganza situada en Italia, con el contexto mafioso de su época, aunque el guionista Brian Helgeland desechó la posibilidad de trasladarla de esa manera a la pantalla grande, ya que la situación le parecía algo ya muy visto en el actual mundo cinematográfico. Junto con el Director Tony Scott decidieron, por el contrario, ambientar esta adaptación cinematográfica al duro contexto de los secuestros que por estos años azotan a la ciudad de México D.F., la cual tiene muy a su pesar uno de los índices más altos en el mundo con dicha problemática.

Dicho esto, el bueno de Tony Scott decidió trasladar todo su equipo de filmación a aquella ciudad para brindarnos una de las (para mí) mejores películas de venganza que he tenido la oportunidad de ver en los últimos años. Una historia que nos brinda de todo un poco. Amistad, venganza, corrupción y redención, entre otras cosas.

La historia comienza relatándonos la vida de John W. Creasy (interpretado por un extraordinario Denzel Washington), un ex soldado americano de dudoso pasado, cuya actualidad lo tiene realmente a maltraer. No sólo los sentimientos de culpa por lo hecho en sus años pasados lo atormentan a niveles insospechados, sino que literalmente ninguna de sus amistades puede quitarle sus actuales pensamientos oscuros, y mucho menos su creciente y preocupante adicción a la bebida. Sólo una niña (Dakota Fanning) podrá brindarle algo de paz a su actual vida cuando los padres de la misma lo contraten como guardaespaldas de ella, debido a que ha recibido en los últimos tiempos serias amenazas de secuestro. Pero todo volverá a fojas cero cuando un grupo de delincuentes secuestren a Lupita Ramos, desatando una espiral de violencia pocas veces visto.

Como dije en un párrafo anterior, el guión de este tremendo peliculón corrió por cuenta del experimentado Brian Helgeland (“Asesinos”, “Revancha”, “Río Místico” y la más reciente “Green Zone” de Paul Greengrass), quien tuvo la extrema habilidad de separar (literalmente hablando) la película en dos tramos bien contrastantes entre sí. Por un lado, tenemos una primera etapa (aproximadamente de unos 50 minutos) en dónde se nos relata de manera fantástica la relación entre una niña deseosa de tener amigos y de devolverle la alegría de vivir al personaje de Denzel Washington y por otro lado tenemos una segunda mitad en dónde toda la acción será volcada al servicio de la venganza y la investigación, ya que ciertas vueltas de tuerca y secretos guionísticos se irán revelando de una forma tan natural como interesante para el espectador. No hay diálogos de más, no hay escenas que uno pueda interpretar como innecesarias, ni nada que perturbe un libreto muy bien adaptado por un inspiradísimo (en este caso) Brian Helgeland.

Tony Scott fue el encargado de narrar detrás de cámaras esta gran historia de amor y venganza. El mismo venía de dar grandes filmes en los años anteriores, tales como “El Fanático”, “Marea Roja” y “Juego de Espías”, entre otras. Sin embargo, lo que Scott hizo en el narrado y armado técnico de “Hombre en Llamas” es, fue y será prácticamente insuperable. Con un manejo de cámaras envidiable (aunque comprendo que muchos lo odien), Scott hace un trabajo insuperable en los planos que decide mostrar en pantalla, como también un fenomenal sistema de montaje paralelo, el cual le permite mostrar, por ejemplo, imágenes en el comienzo de la cinta que en realidad corresponden a la parte final del metraje (de una forma muy sutil, claro está).

Por lo demás, ha sido una dirección magnífica en todo sentido, centrándose muy bien en narrar de manera muy inteligente la relación de los personajes centrales, lo cual luego le dará total y absoluta credibilidad al tremendo despliegue de acción y venganza que filmará en la segunda parte del metraje. En conclusión, una dirección excelente de un Tony Scott que por esos años se encontraba, sin lugar a dudas, en su mejor momento cinematográfico.

Y para ir finalizando la reseña de esta genial cinta, no podemos bajo ningún punto de vista dejar pasar las tremendas actuaciones de todo el elenco protagónico del filme. Dakota Fanning y Denzel Washington brindan actuaciones para el recuerdo (Dakota venía de trabajar en ese peliculón titulado “I Am Sam”) y dan una verdadera clase de cine durante los primeros cincuenta minutos de cómo interactuar en pantalla de la manera más creíble y natural posible. No hay forma de que el espectador no simpatice con ambos personajes, ya que los mismos se encuentran tan bien narrados y actuados que la verdad son dignos de todos los elogios posibles.

En definitiva, “Hombre en Llamas” es una cinta de acción que va más allá de la acción propiamente dicha. “Hombre en Llamas” es una historia de amistad, de redención y de corrupción gubernamental tan pero tan bien narrada, que poco y nada puedo agregar en estas líneas a una cinta que literalmente habla por sí sola.

Calificación de la Película: Excelente.

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Crítica de "Agora" ("Agora" España - 2009)

2010-03-17T11:46:00.007-03:00

Sinopsis: Siglo IV. Egipto se encuentra bajo el dominio del Imperio Romano. Las violentas revueltas religiosas en las calles de Alejandría alcanzan a su legendaria biblioteca. Atrapada tras sus muros, la brillante astrónoma Hipatia lucha por salvar la sabiduría del mundo antiguo, sin percibir que su joven esclavo, Davo, se debate entre el amor que le profesa en secreto y la libertad que podría alcanzar uniéndose al imparable ascenso de los cristianos.
Relatar en formato cinematográfico la historia de la matemática y astrónoma Hipatia no era algo que fuera para nada sencillo. Mucho se sabe de su muerte y de sus consecuencias durante el auge del cristianismo, pero poco ha sido lo que ha quedado documentado de su extraordinario trabajo. Brillante e inteligente como pocas, Hipatia buscaba respuestas mediante la filosofía y la astronomía a temas que la atormentaban desde muy jovencita, tales como la distancia del sol y el alineamiento de los planetas, entre otras cosas.

El director español Alejandro Amenabar (dueño de sendas joyitas dentro del cine como “Tesis”, “Los Otros” y “Mar Adentro”) decidió darle a su carrera el proyecto más ambicioso que recuerde el cine español, con una historia nunca antes relatada y dueña de un suculento presupuesto de 50 millones de euros, rodada en idioma inglés y con actores occidentales.

Tres años de investigación entre libros de historia y astronomía fueron los que tuvieron que dedicar Alejandro Amenábar y Mateo Gil (Guionistas de esta muy buena cinta) para realizar el guión de Agora, que relata de impecable manera la Alejandría del siglo IV en un momento en dónde el auge del cristianismo amenazaba de terrible manera al mundo egipcio y a todas sus creencias. El libreto de “Agora” centra todos sus cañones en la defensa que debe ejercerse de la legendaria biblioteca de Alejandría, cuando ésta misma es amenazada por revueltas religiosas cuando el cristianismo crezca de manera exponencial y vea con muy malos ojos a todos aquellos que de alguna manera estén directamente relacionados con la filosofía y la astronomía, y esto mismo queda muy en claro en el tremendo filme de Amenábar.

Ciencia y religión nunca se han llevado demasiado bien que digamos, lo cual lamentablemente es un problema que subsiste en nuestros tiempos, y que a lo largo de la historia se ha cobrado innecesarias vidas humanas. Y dentro de esas vidas humanas, el desarrollo que aquí se le da al personaje de Hipatia es francamente sensacional. Muy bien desarrollado a lo largo del filme, el guión centra prácticamente todos sus esfuerzos en mostrarnos de manera más que detallista sus esfuerzos, su inteligencia y sus logros a lo largo de su vida. Una muchacha que renunció prácticamente a todo lo que sería una vida normal (el amor, entre otras cosas), en pos de su única y verdadera pasión, y eso es algo que tuvieron muy en claro Amenabar y Mateo Gil a la hora de la adaptación de su vida a la pantalla grande.

Si el trabajo guionístico de Amenabar ha sido francamente bueno, también tenemos que decir que su labor detrás de cámaras no se ha quedado para nada atrás. Muy bien en el manejo de las cámaras, sobre todo con innumerables panorámicas y tomas aéreas de las revueltas religiosas, Amenábar muestra una gran calidad para manejar el tiempo narrativo a través de las imágenes. Combinando las mismas con una correcta banda sonora y una impecable labor en fotografía y vestuario, el director del filme termina brindándonos un trabajo sin fisuras en ninguno de estos rubros técnicos.

Párrafo aparte merece la memorable actuación de Rachel Weisz en el rol de Hipatia. Se sabía que su personaje era la columna vertebral del filme y que de ella dependía gran parte del interés que el público puediera o no sentir por la cinta.

Amenábar era consciente de eso y le brindó a su personaje un desarrollo muy detallista e interesante que la propia Rachel Weisz entendió a la perfección. Una actriz de lujo (ganadora del Oscar por el espectacular filme “El Jardinero Fiel”) que nos brinda aquí otra muestra de su tremenda ductilidad actoral, con gesticulaciones sumamente naturales y muy creíbles a los ojos del espectador.

En definitiva, “Agora” es un filme francamente muy recomendable. Por un lado se cuenta una historia jamás llevada a la pantalla grande, lo que a mi modo de ver le brinda un buen valor adicional, pero sobre todo por la seriedad con la que se lo ha hecho. Por otro lado, y desde el estricto punto de vista cinematográfico, estamos en presencia de un muy interesante drama épico que constituye un salto cualitativo en la ambiciosa carrera de este muy buen cineasta español llamado Alejandro Amenábar.

Calificación de la Película: Muy Buena.

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Crítica de "Al Filo de la Oscuridad" ("Edge of Darkness" USA - Inglaterra 2010)

2010-03-14T10:57:00.007-03:00

Sinopsis: Thomas Craven es un hombre movido por el dolor y que busca la verdad después de que su única hija, Emma, haya muerto por una bala que la policía creía que iba destinada contra él. Destrozado por la inesperada muerte de su hija, el veterano inspector de policía de Boston busca respuestas y se enfrentará con cualquier cosa o persona que se interponga en su camino.
Ah, si. Películas de venganza. Filmes que desarrollan todo tipo de investigaciones con tal de saciar el dolor de sus protagonistas, quienes en busca de la verdad se convierten en verdaderas máquinas de matar con tal de llevarnos hasta la cruenta y terrible realidad, y de paso, permiten entretenernos durante aproximadamente dos horas en nuestras butacas. No es que este tipo de filmes me gusten, no. Este tipo de filmes me encantan! Debo admitirlo, que le vamos a hacer.

Y así, fueron pasando por mi vida cinematográfica diferentes cintas de este estilo que se encuentran dentro de mis favoritas de siempre. Sólo por nombrar algunas, debería destacar esa joya indiscutida del cine que significó para mi el filme “Hombre en Llamas” (“Man On Fire”), el cual además de contar con un rubro técnico y actoral impecabale, fue un filme de cabecera (por lo menos para mi) sobre cómo se debe narrar una relación entre dos de sus personajes principales (estamos hablando de dos monstruos de la actuación como Denzel Washington y Dakota Fanning). Producto de eso y de lo mencionado en el párrafo anterior, “Man on Fire” resultó ser una espectacular película, en dónde Tony Scott nos demostró toda su calidad como director, aunque a decir verdad sea un cineasta que lamentablemente la termine brindando, muy a mi pesar, en cuentagotas.

Y para adentrarnos en la nueva cinta del siempre reconocido Mel Gibson, tenemos que aclarar un par de puntos esenciales. Primero y principal para mi gusto. La película termina siendo entretenida pero con un grave fallo. Pudo y debió haber sido muchísimo mejor de lo que finalmente terminó siendo.

Segundo y no menos importante. Si todo el mundo pensaba que la actuación de Mel Gibson levantaría al filme hasta convertirlo en algo más que una simple película de venganza, pues debo decirles que serán defraudados totalmente como lo he sido yo cómodamente sentado en mi butaca. El guión del filme corrió por cuenta de dos guionistas. William Monahan (“Body of Lies”, “Kingdom of Heaven” y “The Departed”) y Andrew Bovell. En “Edge of Darkness” el libreto posee tantas virtudes como defectos, los cuales a mi modo de ver se entremezclan de tal manera que no han permitido que el filme pueda solidificarse como un producto cinematográfico sin fisuras.

Por un lado, tenemos una no tan bien narrada historia de venganza a manos de Mel Gibson, quien irá pista tras pista tratando de descifrar una complicada conspiración que lo llevará hasta el límite de lo imaginado, y por otra parte, esa misma conspiración que los guionistas insertaron en el libreto para darle otro aire al filme, terminará siendo interesante para la película, pero a mi modo de ver no demasiado bien resuelta. En definitiva, “Edge of Darkness” posee un guión con muchos vaivenes, como casi toda la película. Afloja en muchos instantes y levanta bastante en otros.

El responsable de prácticamente salvar a la cinta del naufragio total tiene nombre y apellido. El Sr. Martin Campbell (director de la impecable “Casino Royale” y de la fenomenal “Límite Vertical”), brinda varios momentos de acción que pagan por sí solas el visionado de la película. Alguna pelea cuerpo a cuerpo, balaceras muy bien resueltas y algunas que otras persecuciones automovilísticas de muy buena calidad, le dan al filme el vuelo necesario para convertirlo, al menos, en un entretenido producto cinematográfico. Bien por Martin Campbell en este caso, al menos en los rubros técnicos del filme.

Quien falla en esta cinta, y bastante con su actuación, es el Sr. Mel Gibson. Si tuviera que decir, casi sin titubear, que Gibson trabaja aquí con el piloto automático puesto, creo que estaría diciendo la verdad. Quien vea la cinta, creo que sentirá la misma sensación que he tenido yo al ver su actuación. Mel nunca se sintió cómodo con su papel, y la mayoría de sus intervenciones se notan realmente muy forzadas. Todo lo contrario podemos decir de Ray Winstone, quien con su carisma salva muchísimas escenas del filme, y quien sin dudas ha sido el mejor por lejos del reparto actoral del filme.

Difícil recomendar en definitiva esta cinta. Es entretenida y uno puede sin dudas (yo lo he hecho) pasarla bien con su visionado, pero al mismo tiempo hay que reconocer que posee unas cuantas fallas argumentales y actorales que han hecho que esta propuesta sea algo demasiado simple y pasatista. Una pena, ya que había material para lograr algo mucho más elaborado en todo sentido.

Calificación de la Película: Buena.

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Crítica de "Rec 2" ("Rec 2" España 2009)

2010-03-06T20:10:00.007-03:00

Sinopsis: Han pasado unos minutos desde que las autoridades perdieron el contacto con las personas encerradas en el edificio en cuarentena de “Rec”. Nadie sabe exactamente que ocurre en su interior. Fuera reina el caos… Una unidad de Geos se adentra en el inmueble para controlar la situación y determinar que está ocurriendo. Una misión aparentemente rápida y fácil. Pero ya se sabe… a veces, las apariencias engañan.
El recurso de la cámara en mano es una técnica que ha revolucionado al mundo cinematográfico en los últimos tiempos. Dicha técnica, a mi modo de ver, lamentablemente ha dividido las aguas entre amor y odio casi por partes iguales. Hay muchos espectadores, entre los cuales me incluyo, que opinamos que este es un recurso muy valedero si se encuentra bien utilizado, ya que puede dar momentos realmente espectaculares (en tanto y en cuanto su uso no sea demasiado repetitivo como para provocar un hastío insoportable en el espectador). Otra porción de la gente, sin embargo, prefieren los planos más largos y sin demasiados temblequeos, por lo cual sin dudas terminarán escapando a cualquier película del Sr. Michael Bay y Cia.

Quizás Paul Greengrass haya establecido una nueva manera de manejar y mover frenéticamente la cámara de manera espectacular. Sus películas son un lujo en materia técnica, como ya lo comprobó con la segunda y tercera entrega de la saga de Bourne y con otras tantas películas recomendables, tales como “Vuelo 93” y “Domingo Sangriento”.

Pero adentrándonos más en la película que hoy comentaremos en el blog, los cineastas españoles Jaume Balagueró y Paco Plaza, nos brindaron allá por el 2007 una tremendamente buena cinta de suspenso y terror titulada “Rec”, que narraba las penurias que debía pasar una reportera de un programa de televisión en su recorrida nocturna, cuando ella misma y su camarógrafo quedaban encerrados con una pequeña dotación de bomberos en un edificio que guardaba una extraña infección que convertía a todo ser viviente en un posible zombie a cada minuto. Con una narración más que correcta, un muy buen apartado técnico y un suspenso increíblemente bien manejado en sus últimos 20 minutos, “Rec” se convirtió en todo un suceso de taquilla, el cual sin lugar a dudas merecía una digna continuación que acaba de llegar de la mano de los mismos directores de la cinta original, pero con algunos cambios muy recomendables que hacen que esta secuela sea a mi modo de ver infinitamente superior a la cinta original.

“Rec 2”, transcurre con un espacio temporal de quince minutos de diferencia entre el final de la entrega original y el comienzo de esta secuela. Aquí, un grupo especial de Geos (con cámaras en sus cascos que serán la excusa para grabar toda la cinta) ingresarán al edificio en cuestión acompañados por un experto en sanidad, para lo que en principio será una misión de rutina en busca de sobrevivientes. Pero esta búsqueda pronto se convertirá en pesadilla cuando el grupo de comandos se encuentre con inesperados problemas de todo tipo.

En “Rec 2” tenemos, contrario a lo que siempre hubiera imaginado, sustanciales diferencias con la cinta original. No estoy hablando del sistema técnico de filmación, no. En ese sentido la película está filmada de la misma manera que se ha hecho en “Rec”. Sin embargo, sí hay un tremendo vuelco argumental que el guión nos ofrece con respecto a su antecesora. Quizás caiga muy bien en algunos espectadores, y quizás no tanto en otros, ya que lo que Balagueró y Plaza proponen aquí como continuación abre muchos caminos nuevos, pero ninguno parecido o similar a lo que se mostró en aquella cinta del año 2007.

Lo que sí se muestra en este filme, es una narración con un muy buen pulso y un ritmo realmente espectacular (la hora y veinte de duración ayuda, y mucho), dado que los diálogos y diferentes situaciones del filme son realmente muy interesantes de seguir. Esto mismo permite que “Rec 2” sea una cinta totalmente recomendable de principio a fin, ya que las diferentes objeciones que uno pueda tener con respecto a este filme quedan totalmente al margen si se tiene en cuenta el real suspenso que se genera en muchísimas escenas de la película.

Ese suspenso es proporcionado en gran parte por lo bien que se maneja aquí el recurso de la cámara en mano. Escenas de lucha cuerpo a cuerpo, sangre esparcida por absolutamente todos lados, caídas por escaleras, escopetazos a rabiar, y todo aquello que cualquier fanático de este tipo de cine puede esperar. También vale aclarar que si bien el recurso de la cámara al hombro hace que la misma se mueva absolutamente hacia todos lados en todo momento, Balagueró y Plaza decidieron mostrar las escenas más terroríficas con unos primerísimos y cruentos planos. En definitiva, una muy buena dirección para una más que digna secuela cinematográfica.

No hay mucho más para agregar, por lo menos de mi parte. Sólo decir que pasé un momento muy agradable con el visionado de esta perfecta secuela que se merecía esa muy buena entrega original que significó “Rec” allá por el 2007. Superada en todos los rubros técnicos y narrativos, “Rec 2” es un entretenimiento cinematográfico garantizado para todos los seguidores de este tipo de cintas.

Calificación de la Película: Muy Buena.

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Crítica de "Un Profeta" ("Un Prophete" Francia 2009)

2010-02-21T18:15:00.007-03:00

Sinopsis: Condenado a seis años de prisión, Malik El Djebena (Tahar Rahim) no sabe leer ni escribir. Cuando llega a la cárcel completamente solo, parece más frágil y joven que los demás presos. Tiene 19 años. Arrinconado por el cabecilla de la banda de corsos que dominan la prisión, le encomiendan una serie de misiones que debe cumplir para hacerse más fuerte y ganarse la confianza del líder. Pero Malik es valiente y aprende rápido, e incluso se atreve a hacer sus propios planes.
No son muchos los dramas carcelarios que he visto a lo largo de mi vida, ni tampoco son muchas las películas francesas que tenemos la oportunidad de disfrutar en nuestras carteleras dada la pobrísima distribución que tienen en nuestro país este tipo de productos. Sin embargo, no podía quedarme atrás con el visionado de esta cinta, ya que “Un Profeta” es uno de los cinco filmes que competirán en la noche del 7 de Marzo de este año en la entrega de los Premios Oscar en el rubro de Mejor Película Extranjera.

Si bien vale aclarar desde el inicio de esta reseña que la película aborda de manera bastante inteligente el complejo sistema carcelario francés, por otra parte el filme también tiende a abordar otras temáticas más comerciales dentro del género, ya que en algunos momentos la película gira hacia el género del thriller de forma bastante eficaz y se aleja un poco de la densa atmósfera que la misma nos muestra en sus 45 minutos iniciales.

La cinta nos muestra en su comienzo la llegada a una prisión francesa de nuestro protagonista de origen árabe Malik El Djebena, quien deberá cumplir una condena de 6 años de encarcelamiento. En un comienzo, Malik deberá sufrir las tremendas humillaciones del resto de los reclusos, incluida la del líder de una de las bandas más influyentes de la prisión. Contra la espada y la pared, Malik deberá cooperar con algunas de las misiones que se le encomiendan si no quiere volver a ser víctima del duro y corrupto sistema carcelario francés.

La historia de “Un Profeta” es a priori muy pero muy interesante. Estamos hablando de un típico drama carcelario, en el cual nuestro protagonista sufrirá diversas humillaciones durante su estadía en un sistema penal que desconoce y en dónde evidentemente tendrá que hacer frente a diferentes consecuencias que se irán sucediendo durante todo el relato del filme.

Así, la cinta irá ganando en tensión (los primeros 45 minutos son realmente geniales), pero lamentablemente irá perdiendo sorpresa a medida que avance la misma, por ser literalmente presa de un guión muy bien narrado pero demasiado lineal en su planteamiento general. Aquí el espectador podrá imaginarse por dónde va la cosa en diferentes momentos, ya que el filme en ningún momento se aparta de clichés típicos del género en cuestión. Quizás lo mejor de la cinta sea la fuerza narrativa que deriva de sus interpretaciones y diversas cuestiones que hacen que inclusive las dos horas y media de duración del filme se pasen francamente muy pero muy rápido.

En materia técnica, “Un profeta” es un producto francamente perfecto. El filme posee una fotografía excelente que nos relata el terriblemente tétrico sistema carcelario francés en muchísimas de sus escenas y nos brinda ciertos movimientos de cámaras que harán que varias escenas generen verdadera tensión en pantalla, sobre todo en sus tremendos 45 minutos iniciales. En definitiva, una dirección excelente en todos los rubros técnicos para un producto bastante correcto en líneas generales.

Quizás por lejos, lo mejor del filme sean sus impecables actuaciones. Tahar Rahim brinda una enorme performance como un muchacho que literalmente no sabrá que hacer en un comienzo, por lo cual se verá acorralado por absolutamente todos lados. Sin embargo, su personaje deberá mostrar una enorme valentía para poder sobrellevar su estadía, o quizás, morir en el intento. En este sentido, Rahim brinda una actuación con muchos matices, por lo que pasará de un tremendo desasosiego inicial a una progresiva y necesaria valentía que se verá plasmada en pantalla de una forma muy pero muy natural.

En conclusión, “El Profeta” no es el tremendo peliculón que muchos críticos se ciegan en decir que es. “El Profeta” es por sobre todo, un más que correcto producto cinematográfico que mezcla el típico drama carcelario con algunos ingredientes derivados del género del thriller. Muy buenas actuaciones, para un muy buen producto de un renovado cine francés.

Calificación de la Película: Buena.

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Crítica de "El Triángulo" ("Triangle" Inglaterra - Australia 2009)

2010-02-14T08:31:00.007-03:00

Sinopsis: “Triangle” cuenta como un grupo de amigos que está disfrutando de unas vacaciones a bordo de un yate se ven sorprendidos por una fuerte tormenta. Para salvar la vida, tienen que subir a bordo de un crucero que los recoge. Sin embargo, el buque parece estar completamente desierto, los relojes en su interior están parados y una de las jóvenes, está convencida de haber viajado en ese barco anteriormente.
Christopher Smith vuelve a la carga con esta interesantísima película que mezcla el suspenso con el terror de manera impecable y que pone a trabajar al espectador en tratar de descifrar un guión sumamente prolijo, que va uniendo piezas escena tras escena de una forma como hacía rato no veía en el cine de este tipo de género. Es allí donde radica la mayor sorpresa de un filme muy bien narrado desde su comienzo, justamente, en su impecable guión. Todo está muy bien trabajado y casi ningún detalle queda descolgado de lo que en definitiva será un relato muy bien estructurado.

La película comienza relatándonos la complicada vida que tiene Jess (interpretada de manera fantástica por Melissa George), al ser madre de un niño autista, con todo lo que esto conlleva. Una mañana, luego de dejar a su hijo en el colegio, Jess decide ir a navegar con algunos amigos que la han invitado a pasar un buen rato de esparcimiento. Pero los problemas no tardarán en llegar cuando el barco en el que navegan quede atrapado en una tremenda tormenta y deban pedir refugio en un buque que data de los años 30. Las pesadillas se irán sucediendo una tras otra sin ninguna explicación aparente. Pero, ¿Qué es lo real?

Christopher Smith (“Creep”, “Severance”) fue el encargado de escribir uno de los guiones más interesantes e intrincados que he visto en los últimos tiempos. Cada escena, cada diálogo y cada situación de las que transcurren en “Triangle” tienen una razón de ser.

La película se va armando de a poco (siendo muy interesante en todo su metraje), como si de un rompecabezas se tratase, con muchísimos elementos psicológicos, con saltos temporales que hacen que la historia deba repetir escenas una y otra vez (gran trabajo de montaje!) y con una resolución que cierra de manera perfecta un guión sumamente bien estructurado e intrigante. Si bien es cierto que quedan algunos cabos sueltos a lo largo de toda la trama, es de destacar también lo bien que se cierra la historia. Créanme que no era para nada fácil la resolución del filme, sobre todo por la cantidad de subtramas y opciones paralelas que fueron abiertas durante el transcurso de la cinta. Bien por Smith por brindar un guión tan bien estructurado y pensado como este.

Christopher Smith también se puso detrás de cámaras para dirigir esta pequeña joyita del cine de terror y suspenso. Es muy loable su genial manera de filmar algunas escenas, como la terrible tormenta que azota a nuestros protagonistas en su paseo mañanero, o algunas escenas ya dentro del buque que los rescata, excelentemente filmadas y muy minuciosas en cuanto a los movimientos de cámaras y en cuanto a qué debe mostrarse y qué no. Párrafo aparte merece el trabajo que se realizó en la sala de montaje. Realmente espectacular.

Cuando el espectador vea la película, se dará cuenta de lo difícil que puede ser el montaje en una cinta como esta, en dónde el guión va y viene en el tiempo y en dónde se repiten situaciones en todo momento pero desde diferentes ángulos. Una tarea sumamente bien hecha y muy gratificante de ver.

Con respecto a las actuaciones tenemos algo bastante curioso, por cierto. Todas las actuaciones de la cinta son correctas, pero lo de Melissa George es francamente descomunal. De allí que el resto de los protagónicos parezcan horribles (que no lo son) comparados con lo que esta chica hizo en pantalla. La protagonista de “Triangle” tuvo que pasar en su personaje por todos los estados de ánimos que a uno se le pueda ocurrir y mucho más. Una chica que se muestra asustada y acomplejada por la enfermedad de su hijo y que deberá luchar durante toda la cinta contra sus propios demonios internos. Sus gesticulaciones, sus dotes de heroína en algunos momentos del filme, sus miedos y sus trastornos psicológicos, han sido transmitidos en pantalla de una forma perfecta por Melissa George. Una actriz que supo sacarle el jugo a un guión muy bien pulido en su estructura general.

En definitiva, “Triangle” es una muy pero muy buena película. A medio camino entre el suspenso, el thriller y el horror, esta cinta es una demostración de que películas de este género pueden basarse en un excelente guión y no solamente en mostrar litros y litros de sangre en pantalla. Altamente recomendable.

Calificación de la Película: Muy Buena.

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Crítica de "El Secreto de Sus Ojos" ("El Secreto de Sus Ojos" Argentina 2009)

2010-02-05T19:42:00.007-03:00

Sinopsis: Benjamín Espósito acaba de jubilarse después de trabajar toda una vida como empleado en un juzgado penal. Para ocupar su tiempo libre decide escribir una novela, basada en una historia real de lo que ha sido testigo y protagonista. La novela que escribe es, en apariencia, la historia de un asesinato ocurrido en Buenos Aires en 1974, y de la investigación para hallar al culpable. Reconstruir el pasado lo conducirá a bucear en sus propios pensamientos, sus propias conductas y decisiones. Y hallar la verdad terminará por convertirse no en un objetivo literario, sino en la llave que le permita abrir la puerta para vivir el resto de su vida.
Realmente poco se puede decir a esta altura de la película argentina más comentada de los últimos años. Juan José Campanella logró con “El Secreto de Sus Ojos” lo que pocos directores han podido hasta el momento. Llegar a colocar a su cinta en la competición final para la entrega del Oscar a mejor película extranjera. Pero esta crítica no va dirigida en el sentido de ver si la película merece el Oscar o no. Ya he cometido ese error en otras reseñas y es algo que indefectiblemente les juega en contra a las mismas. Simplemente voy a analizar a “El Secreto de Sus Ojos” por lo que es. Una muy buena película cuya virtud principal es su sencillez y fluidez narrativa, ni más ni menos que eso.

La cinta comienza relatándonos la vida de Benjamín Espósito (Ricardo Darín), quien acaba de jubilarse de su trabajo como empleado de un juzgado penal. Aburrido de su cotidiana vida, Benjamín decide escribir una novela sobre un asesinato ocurrido en Buenos Aires en 1974, del que ha sido testigo y sobre el cual ha llevado a cabo la correspondiente investigación. En el repaso de lo ocurrido intentará también liberarse de ciertos temores de su pasado, incluida una historia sentimental inconclusa.

Juan José Campanella fue el encargado de adaptar para la gran pantalla esta historia basada en la novela de Eduardo Sacheri. El guión de “El Secreto de Sus Ojos” tiene una simple y genial virtud. Se encuentra muy pero muy bien narrado.

Aquí no hay diálogos de más, ni demasiadas subtramas que desvíen la atención del espectador, ni escenas que se noten que están metidas con calzador. Aquí tenemos dos horas y ocho minutos de una historia que avanza a paso firme, que tiene como estandarte la resolución de un crimen, pero que también muestra una historia de amor inconclusa en el tiempo y una historia de amistad entre dos de sus protagonistas, ambas muy interesantes de seguir durante el relato. La forma en que Campanella narra estas historias es francamente muy buena, más que nada porque debió meterse de lleno en la mezcla de géneros, sin llegar en ningún momento a perderse de lo que es el eje central de la historia.

Si Campanella hizo un gran trabajo en la narración, ni hablemos de lo que hizo detrás de cámaras, porque allí sí que el trabajo fue descomunal. Impecable en la recreación de una época turbulenta de nuestro país, impecable en el manejo de cámaras e impecable en muchos de los aspectos técnicos del filme. No quiero dejar pasar en esta reseña la genial escena que se ha filmado en un estadio de fútbol, con un manejo de cámaras envidiable y una sincronización perfecta de principio a fin (El plano secuencia dura algo así como 5 minutos), para mostrarnos un aspecto del cine jamás filmado en la Argentina, por lo menos de lo que personalmente me toca recordar.

Para completar el repaso de esta muy buena cinta, me queda hablar de las más que correctas actuaciones del filme, empezando por un Ricardo Darín que se aferra a un episodio del pasado para vislumbrar una salida a un futuro que él mismo ve como demasiado oscuro, pasando por una extraordinaria Soledad Villamil, dueña de una naturalidad ante la cámara que personalmente me cautivó de principio a fin, y culminando por un tremendo Guillermo Francella, quien realmente sustenta una y otra vez todos los condimentos de comedia que el guión posee en algunos tramos. Cuando todo se vuelve denso y dramático, allí esta él para poner un toque de humor dosificado que le cae genial a un filme sumamente intenso.

En definitiva, “El Secreto de Sus Ojos” es una cinta sumamente lograda ya desde su narración. Si a esto le agregamos unas actuaciones acordes y diversos aspectos técnicos excelentemente insertados, nos da como resultado un producto cinematográfico con muy pero muy pocas falencias. Cine del bueno y sumamente bien hecho.

Calificación de la Película: Muy Buena.

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Crítica de "Los Crímenes de Oxford" ("The Oxford Murders" España - Inglaterra - Francia 2008)

2010-01-24T12:33:00.007-03:00

Sinopsis: La historia se inicia cuando un estudiante descubre el cuerpo sin vida de su casera, quien en su pasado supo ser parte del equipo que descifró el Código Enigma de la Segunda Guerra Mundial. A poco de ser hallada muerta, un profesor de lógica de Oxford recibe una nota advirtiendo que ese es el primero de una serie de asesinatos. Así, el estudiante y el profesor se unen en la búsqueda de la persona detrás de las muertes, utilizando códigos matemáticos para encontrar el patrón que sigue este asesino en serie.
Bastante complacido me encontraba yo de escuchar y leer muchísimas reseñas positivas hacia esta película, así que a pesar de haber prescindido de su visionado en el momento de su estreno en pantalla grande, hace unos días he podido disfrutar de este muy buen thriller que en líneas generales es “Los Crímenes de Oxford”, una película muy bien armada desde el punto de vista narrativo y excelentemente planteada desde el punto de vista técnico.

Basada en la novela de Guillermo Martinez, “Los crímenes de Oxford” partía de una base argumental sumamente interesante. Personalmente me agradan muchísimo los thrillers de asesinos seriales, pero aquí esto se mezcla con otros ingredientes que en definitiva convierten a la película en algo no tan visto últimamente en este tipo de género. El hecho de lidiar con las matemáticas y con el hecho de pensar que todos los actos están predestinados o que obedecen a un patrón ya marcado, son aspectos muy interesantes que se desarrollan de manera muy correcta en un guión que no tiene demasiadas fisuras. Sí es cierto que en definitiva el libreto no deja de ser un complemento típico de este tipo de propuestas en dónde quizás prestando atención a varios detalles uno puede imaginarse algunos tramos del desenlace, ya que el patrón que se sigue no difiere mucho del de otros guiones de películas de asesinos seriales.

Así y todo, “Los crímenes de Oxford” contiene una historia muy potente a nivel narrativo, lo cual hace que la duración de su metraje se nos pase bastante rápido, a pesar de no poseer demasiadas escenas de acción o de real suspenso. Aquí la cosa pasa por las investigaciones y diversos indicios que nuestros protagonistas procurarán ir encontrando a medida que los crímenes avancen, siempre buscándole el lado lógico a todo el asunto, lo cual tratándose de matemáticos universitarios no extraña en lo más mínimo.

Mucha es la información que se tira en toda la historia, por lo cual en varios momentos todo puede tornarse algo confuso, salvo en su tramo final en dónde todo encaja a la perfección y la resolución es explicada con extrema nitidez como para que no quede absolutamente ninguna duda.

Alex de la Iglesia fue el encargado de la dirección del filme (también de la adaptación de la historia), y la verdad es que poco y nada hay para reprocharle a su desempeño. Ha sabido utilizar muy bien la cámara a lo largo de todo el filme y por sobre todo le ha dado a los personajes centrales el tiempo necesario para su justo desarrollo. En ese sentido, los protagónicos de John Hurt y de Elijah Wood han salido ampliamente beneficiados por una historia que les brinda prácticamente en su totalidad la investigación y posterior resolución del enigma central de la historia.

En el rubro actuaciones tenemos de todo un poco. No hay actuaciones malas, pero sí hay algunas muy superiores a otras, por lo que el contraste es muy marcado en ese sentido. Aquí John Hurt nos brinda una excelente actuación, mostrándose muy natural a lo largo de toda la cinta, tratando por todos los medios de encontrarle el lado racional y matemático a todos los crímenes que se cometen a su alrededor. Hurt tuvo uno de los personajes mejor desarrollados del filme, y en definitiva supo aprovecharlo como sólo los buenos actores saben hacerlo.

Debo reconocer que Elijah Wood no es un actor santo de mi devoción. Muchos otros actores pudieron haber hecho el mismo papel que Wood y de mejor manera, sin lugar a dudas. No es que me haya parecido mala su actuación, ya que a decir verdad no la es, pero en definitiva me parece un muchacho que no logra tener demasiados matices en sus performances, por lo cual la cinta termina perdiendo algo con su protagónico.

Vale destacar del resto del reparto a la actriz española Leonor Watling, como la tercera implicada en la investigación por su cercanía amorosa con el personaje de Elijah Wood, quien brinda una actuación muy pero muy natural. Realmente una de las sorpresas del filme para mi gusto.

En definitiva, “Los Crímenes de Oxford” es una película que seguramente gustará a todos aquellos espectadores que disfruten de las historias de asesinos seriales bien contadas. Mucha información, mucha investigación y una resolución sumamente bien armada para una película sumamente correcta y entretenida.

Calificación de la Película: Muy Buena.

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Crítica de "El Juego del Miedo 6" ("Saw VI" USA - Inglaterra - Canadá - Australia 2009)

2010-01-16T21:07:00.007-03:00

Sinopsis: El Agente especial Strahm (Scott Patterson) ha muerto, y el detective Hoffman (Costas Mandylor) ha emergido como el imbatible sucesor del legado de Jigsaw. Sin embargo, cuando el FBI se acerca bastante a Hoffman, este es forzado a poner en movimiento un nuevo juego, en el cual el gran esquema preparado por Jigsaw es finalmente entendido.
Si bien debo reconocer que la saga de “El Juego del Miedo” ha sido de lo mejor en materia de terror en los últimos años, bien vale aclarar que la misma venía en franca decadencia a partir de la cuarta entrega. Diversos sucesos ocurridos en una para mí muy buena tercera parte, le han quitado a sus sucesoras cierto poder narrativo y el hecho de tener que manejarse con continuos flashbacks que últimamente y a mi modo de ver ya se tornan cansadores e insoportables. Fue en el año 2008, cuando “Saw V” demostró de una vez por todas el porqué la saga está totalmente agotada. Y si bien creo que esa cinta fue un producto meramente correcto, también es cierto que con la sexta entrega se ha terminado de redondear una segunda trilogía francamente innecesaria y para el olvido.

Ya sabemos lo que es el hecho de tener entre manos una saga más que redituable a nivel económico, y todo el mundo a esta altura sabe del tremendo negocio que gira en torno de la misma, con números de recaudación francamente espectaculares en todas sus entregas. No sorprende, entonces, que no sólo hayamos tenido que presenciar una innecesaria sexta película, sino que de no mediar algún que otro inconveniente la cosa seguirá, y por largo rato. No contarán conmigo para el visionado de sucesivas entregas, pero a juzgar por el rotundo éxito que la saga tiene, no me caben dudas de que la mayoría de los espectadores seguirá colmando las salas de los cines como si estos productos fueran dignos de ser multipremiados al por mayor.

La sexta entrega de esta saga (Sí, sexta!) nos comienza relatando la muerte del agente especial Strahm, por lo cual el detective Hoffman se ha convertido en el tremendo sucesor del legado de Jigsaw. Con un último juego entre manos (cortesía del propio Jigsaw), Hoffman deberá cerrar el legado con el cual se ha comprometido, y asimismo escapar del continuo asedio del FBI sobre su persona.

Marcus Dunstan y Patrick Melton han sido los encargados del guión de esta sexta entrega, así como también de las dos entregas anteriores a esta. Y aquí creo, sinceramente, que se encuentra el gran problema de la película. El libreto de “Saw VI” tiene varios inconvenientes que me han perturbado durante todo su visionado. Es una película que tiene una urgencia enorme (y eso se nota en demasía!) en tratar de cerrar diferentes subtramas que no habían sido cerradas en entregas anteriores y que aquí por arte de magia comienzan a vislumbrarse diferentes salidas a todos los interrogantes que se nos habían planteado a lo largo de la saga. Si bien estoy de acuerdo con muchos críticos y espectadores en que la trama cierra de manera correcta y todo encaja de manera perfecta, la forma en la que se llega es a mi modo de ver francamente mala. Todo es demasiado conveniente, todo está armado con moñito, y todo, absolutamente todo encaja de una manera que cuesta demasiado creer, aunque esto sea cine.

No hay mucho para reprochar a nivel técnico. La película luce bien en cuanto a la dirección y diferentes movimientos de cámaras, en los cuales se utiliza el ya famoso y demasiado cansador modelo Mtv. Kevin Greutert ha sido el encargado de estar detrás de cámaras para este proyecto, luego de ser el responsable de la edición de las anteriores cinco entregas. Su trabajo ha sido bueno, pero lamentablemente ha tenido que lidiar con el hecho de tener que cerrar miles y miles de subtramas de anteriores cintas que lamentablemente han provocado en mí un hastío y un cansancio demasiado difícil de soportar.

En definitiva, “Saw VI” es una cinta que la mayoría de los espectadores disfrutará enormemente por poseer un guión en el cual diferentes interrogantes cierran a la perfección. Si bien esto es parcialmente cierto, creo que el producto cinematográfico en sí es demasiado pobre para ser considerado un buen estandarte de una saga que a partir de su cuarta entrega comenzó el camino descendente de manera vertiginosa. Está bien filmada, es sumamente violenta, y lamentablemente sigue de manera casi literal la mediocridad de las dos anteriores cintas de una saga que no da para más.

Calificación de la Película: Regular.

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Crítica de "Eclipse Total" ("Dolores Claiborne" USA 1995)

2010-01-10T14:48:00.010-03:00

Sinopsis: Dolores Claiborne es acusada del asesinato de Vera Donovan, la dueña de la casa en la que trabaja como asistenta desde hace más de veinte años. Selena, la hija de Dolores, vuelve a su pueblo natal para intentar probar la inocencia de su madre pero allí se tendrán que enfrentar a un implacable detective y a un pasado oscuro.
¿Cuántas veces hemos sido testigos en el mundo cinematográfico de las paupérrimas adaptaciones que han sufrido muchísimas novelas del genial escritor Stephen King? A esta altura de mi vida, realmente creo haber perdido la cuenta, pero en todo caso, tendría que decir que sin lugar a dudas han sido demasiadas para el buen gusto de cualquier espectador de cine y/o amante de este estupendo novelista. Sólo para contar una pequeña anécdota, recuerdo con bastante indignación haber visto como en pantalla grande literalmente se destrozaba a una genial novela de King titulada “The Tommyknockers”, traspasada en el año 1993 a una inentendible miniserie totalmente mal narrada y dueña de un ínfimo presupuesto que finalmente conspiró de manera tremendamente negativa para su resultado final.

Más allá de lo que he descripto en el párrafo anterior, todo el mundo sabe que en cuanto a adaptaciones de novelas de King al celuloide, realmente ha habido y habrá de todo un poco. Adaptaciones excelentes, buenas, regulares y malas. De hecho, y sin irnos demasiado atrás en el tiempo, el año 2007 ha sido un muy buen año en lo que a adaptaciones cinematográficas de King se refiere. “La Niebla” (“The Mist”) y “1408”, han sido excelentes productos cinematográficos, los cuales (por suerte) fueron llevados a la pantalla grande con la seriedad que un novelista como Stephen King se merece.

Y sin estirarme demasiado más en esta introducción, creo que la película que hoy comentaremos en el blog titulada “Eclipse Total”, es, fue y será una de las más injustamente olvidadas adaptaciones del gran Stephen King. Un peliculón por donde se lo mire, dueño de un minucioso y espectacular cuidado técnico y narrativo.

La para nada fácil adaptación al celuloide de esta impecable novela corrió por cuenta de uno de los mejores guionistas que hoy por hoy tenemos en Hollywood, ni más ni menos que Tony Gilroy, libretista de excelentes películas tales como “Medidas Extremas”, “El Abogado del Diablo”, “Michael Clayton”, “Los Secretos del Poder” y la trilogía de cintas de Jason Bourne. Gilroy hizo con “Eclipse Total” un trabajo estupendo de principio a fin. Literalmente. Un guión con una historia potentísima, que pasa del drama al suspenso y del suspenso al drama en innumerables oportunidades, que va y viene en el tiempo durante todo el metraje para adentrarnos en lo que fue la sufrida vida de nuestros personajes principales 15 años atrás desde dónde parte la película, y que contiene también un trasfondo judicial y de investigación criminal sumamente interesante y atractivo. No hay ni diálogos de más, ni subtramas innecesarias, ni nada que enturbie un libreto plagado de aciertos en todo su contenido.

El ganador del Oscar Taylor Hackford (por su cortometraje “Teenage Father” 1978) fue el encargado de dirigir esta excelente historia. Procurando ubicar siempre la cámara en el sitio correcto, mostrando muchísimos primeros planos de nuestras protagonistas, narrando la historia de interesantísima manera mezclándola entre el drama y el suspenso, y filmando varias escenas para el recuerdo (Como los impecables diálogos y discusiones que mantienen los personajes interpretados Kathy Bates y Jennifer Jason Leigh), Hackford redondeó una magnífica tarea detrás de cámaras.

Si bien la dirección del filme es muy pero muy destacable, la gran genialidad de este filme recae en dos de sus aspectos cinematográficos. El guión y sus impecables actuaciones.

Kathy Bates y Jennifer Jason Leigh brindan un dúo protagónico para el recuerdo, interactuando de manera brillante en muchísimas escenas de la película, en dónde el guión les ha permitido desplegar toda su ductilidad actoral (lo que trabaja Jennifer Jason Leigh en esta cinta es de no creer!). También es de destacar que para nada se quedan detrás excelentes actuaciones como la de David Strathaim y la del siempre genial Christopher Plummer.

Para ir cerrando, solamente queda decir que en mi humilde opinión “Eclipse Total” es una de las mejores adaptaciones de novelas de Stephen King que me ha tocado ver a lo largo de toda mi vida. Una cinta que lamentablemente no se recuerda como debería, y que quizás haya ganado en consideración con el correr de los años, pero no tanto como realmente este filme se merece.

Calificación de la Película: Excelente.

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Crítica de "REC" ("REC" España 2007)

2010-01-02T19:42:00.006-03:00

Sinopsis: Una reportera y su cámara están haciendo un reportaje en una estación de bomberos con la intención de retratar su modo de vida. Pero mientras les acompañan en una de sus salidas nocturnas, lo que parecía una intervención rutinaria de rescate se va a convertir en un auténtico infierno. Atrapados en el interior de un edificio, la pareja de bomberos y el equipo de televisión tendrán que enfrentarse a un horror desconocido y letal.
Sin dudas el cine español (junto con el francés en materia de policiales y cintas de terror) ha sido uno de los que más ha evolucionado en los últimos años en la cinematografía mundial. Películas como “El Maquinista” o “Frágiles”, le han dado una técnica y una narrativa que no venía viendo últimamente en las producciones de ese país. Dentro de la nueva movida de directores españoles, sin lugar a dudas vale destacar a uno de los cineastas de la película que hoy comento en este blog, Jaume Balagueró, quien junto a Paco Plaza fue el encargado en el 2007 de brindar una de las mejores películas de terror que fueron estrenadas durante ese año en las carteleras.

“REC” es una cinta que se mueve en el subgénero del “falso documental” como lo han hecho durante los últimos años varios exponentes del género, tales como “El Proyecto de la Bruja de Blair”, “Cloverfield”, “Actividad Paranormal” o la finalmente fallida “Diario de los Muertos” de George Romero.

Aquí tenemos a una reportera de un programa nocturno de televisión (interpretada por una muy natural Manuela Velasco), quien con su camarógrafo se disponen a mostrarle a su audiencia como es la vida dentro de una estación de bomberos. Pero los problemas comenzarán cuando el cuartel y la reportera deban hacer frente a lo que en un primer momento parece ser un llamado rutinario que pronto se convertirá en la peor de sus pesadillas.

El guión de “REC” también corrió por cuenta de sus directores, Balagueró y Paco Plaza. Sin estar ante un libreto demasiado novedoso ni mucho menos, la cinta se las arregla para crear verdadera tensión en muchísimos pasajes del filme, ya que luego de un primer tramo narrativo en el cual se nos presentan los personajes principales de manera muy natural, la película se vuelca definitivamente al terror y al suspenso desde que nuestros protagonistas quedan apresados en un edificio en el cual alguna extraña infección provocará un caos total y absoluto durante lo que resta del metraje. En definitiva, un guión sencillo pero totalmente efectivo, en donde Balagueró y Plaza demuestran que se puede narrar cine con ideas no tan novedosas, pero sí bien llevadas a la pantalla grande.

Más allá de la correcta narración del libreto, creo que en dónde más acierta “REC” es en su espectacular estilo fílmico. No es para nada sencillo manejar de forma correcta el “falso documental”, y aquí realmente lo han hecho de manera perfecta. No sólo se le brinda al filme una tensión excelente en muchísimos tramos, sino que técnicamente el mismo ha sido plasmado en pantalla de manera impecable. En ese sentido, la cámara que registra todo lo sucedido en el filme lo hace con un realismo poca veces visto, sobre todo en sus últimos 20 minutos de metraje, en dónde realmente se demuestra como puede generarse verdadero suspenso y terror con elementos tan básicos como el fuera de campo o el descontrolado uso de la cámara en mano.

Si bien las actuaciones no son el punto fuerte de la película, creo que bien vale destacar la para mí impecable actuación de Manuela Velasco. Ayudada por el interesantísimo desarrollo que su personaje tiene durante el filme, la actriz se muestra tan natural en su desenvolvimiento frente a la cámara que bien podría interpretarse que muchos de sus pasajes han sido improvisados de manera más que correcta. Para ir concluyendo, Velasco brinda una actuación que me ha sorprendido gratamente dentro de un elenco que en líneas generales cumple correctamente pero sin lucir en demasía.

En definitiva, “REC” ha sido una de las películas más novedosas (por su estilo fílmico) y tensionantes que me ha tocado ver en los últimos años dentro del género de terror. Si se quiere ver una cinta entretenida, pues “REC” la es. Si se quiere ver una película que brinde y genere muchísima tensión en pantalla, “REC” también la es. Y si no me creen, sólo chequeen sus geniales 20 minutos finales. Muy recomendable.

Calificación de la Película: Muy Buena.

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Crítica de "Crónica de una fuga" ("Crónica de una fuga" Argentina 2006)

2009-12-27T11:48:00.007-03:00

Sinopsis: Thriller político acerca del caso real de un grupo de jóvenes que se escaparon del centro clandestino de detención de la dictadura conocido como Mansión Seré. En 1977, un grupo de tareas al servicio del gobierno militar argentino secuestra a Claudio Tamburrini, arquero de un equipo de fútbol de la “B” y lo traslada al centro Mansión Seré, una vieja y aristocrática casona ubicada en el barrio de Morón, en Buenos Aires. Allí, Tamburrini conoce a Guillermo, el Vasco y el Gallego. Luego de cuatro meses de cautiverio en el lugar, tratarán de idear un ingenioso plan de escape.

Si le preguntáramos a cualquier Argentino acerca de cual sería el período más turbio e incomprensible de los últimos cien años en nuestro querido país, sin duda contestaríamos acerca del denominado Proceso de Reorganización Nacional. Aquel Proceso dejó en la Argentina el terrible marco de 30.000 desaparecidos, innumerables violaciones a los derechos humanos y una economía que comenzó una franca decadencia a partir de esos años. Diferentes historias sobre aquella terrible época fueron adaptadas posteriormente a la pantalla grande.

Así fueron desfilando diferentes filmes entre los cuales podríamos citar a “La noche de los lápices”, “La historia oficial”, “Garage Olimpo” y “Kamchatka”, entre otras. La última de todas estas adaptaciones ha sido la cinta que hoy nos ocupa en este blog, titulada “Crónica de una fuga”, dirigida por el cineasta uruguayo Israel Adrian Caetano y protagonizada por Rodrigo de la Serna en el rol protagónico del filme.

La historia fue adaptada por un grupo de tres guionistas (Adrián Caetano, Esteban Student, Julián Loyola) basándose en la novela escrita por uno de los sobrevivientes del suceso que se relata en la película, Claudio Tamburrini. Y así, la historia nos irá adentrando dentro del terrible flagelo vivido por este muchacho (y por otros cuantos más) cuando es raptado por las fuerzas militares que gobernaban el país en aquella época y llevado a uno de los tantos centros clandestinos de detención que actuaban bajo la órbita del proceso reinante.

Vale decir sin lugar a dudas que el libreto del filme se encuentra estupendamente narrado. Caetano sabía que tenía en sus manos una historia interesantísima para su adaptación cinematográfica, por lo cual debía centrar todas sus energías en el drama vivido por los chicos secuestrados, aspecto que en el filme se encuentra sumamente bien cuidado. Sin problemas en lo que respecta a lo narrativo (la película se pasa volando), el filme toma un excelente ritmo desde un comienzo, basándose en las penurias y humillaciones sufridas por los detenidos durante aquel tiempo.

Israel Adrián Caetano (“Pizza, Birra y Faso”, “Un oso rojo”, etc) fue el encargado de dirigir una cinta para nada fácil de encarar desde el punto de vista visual. El cineasta acierta sin lugar a dudas en el hecho de no mostrar en primeros planos ningún tipo de tortura, por lo cual toma el camino más recomendable para el filme que es la utilización del recurso del fuera de campo, con el que además la película adquiere un contenido dramático muchísimo más palpable. En aspectos más técnicos, es muy interesante ver como Caetano utiliza la cámara arrastrándose a centímetros del piso durante muchísimos pasajes del filme, mostrando una miseria y un desasosiego tremendo que se apodera de la pantalla a lo largo de todo el metraje de la cinta. En definitiva, una buena dirección para un filme muy cuidado en todos sus rubros cinematográficos.

Rodrigo De la Serna fue el encargado del rol protagónico de la cinta, brindando una actuación que es de lo mejor del filme, interpretando a un muchacho (Claudio Tamburrini) a quien de la noche a la mañana le cambia completamente la vida cuando es secuestrado. De La Serna nos regaló en su actuación un poco de todos los ingredientes que su personaje debía tener. Temor en un comienzo, sorpresa por la inesperada situación y valentía cuando comienza a darse cuenta de que sólo podrá confiar en lo que él y sus compañeros puedan hacer para salir de semejante situación.

Otra actuación para destacar es la de Pablo Echarri (excelente su performance), como uno de los represores a cargo de su caso (tal cual como ellos les gusta decir en el filme), demostrando el porqué es a mi entender uno de los mejores actores de los últimos tiempos. Dándole a su personaje un lineamiento detestable desde el primer fotograma, Echarri redondea una muy buena actuación durante gran parte del filme.

En definitiva, “Crónica de una fuga” es sin dudas una gran película sobre una trágica época de nuestro país. Una época que nadie quiere que se repita bajo ningún punto de vista, por lo que el filme cobra un valor adicional al estrictamente cinematográfico. Muy recomendable en todo sentido.

Calificación de la Película: Muy Buena.

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Crítica de "Actividad Paranormal" ("Paranormal Activity" USA 2007)

2009-12-20T11:13:00.009-03:00

Sinopsis: Katie y Micah son una joven pareja que se muda a un nuevo hogar. Desde siempre, Katie ha estado convencida de que a su alrededor hay fuerzas demoníacas que la observan y la intimidan. Su novio se interesa en el tema y decide instalar una cámara en la habitación para saber si ocurre algo mientras están dormidos. Las imágenes que recoge la cámara son tan espeluznantes que difícilmente volverán a conciliar el sueño sin caer en el terreno de las pesadillas.
Curiosa historia trae consigo este filme que data del año 2007 pero que recién pudo estrenarse en los cines estadounidenses en el 2009, contando con el visto bueno de Steven Spielberg y su productora, quien incluso metió mano en la versión original de la cinta para cambiar el final de la misma, lo cual dio a la luz una nueva versión de “Actividad Paranormal”, trayendo consigo el corte definitivo que se ha exhibido en los cines de todo el mundo.

Si bien la campaña publicitaria con la que ha contado la película ha sido francamente espectacular, creo que lejos está de ser la cinta más terrorífica de la historia. Más bien habría que decir que el filme es muy bueno, que el mismo genera tensión en varias oportunidades, que está muy bien filmado y actuado y que es un más que digno producto o ejercicio cinematográfico, a pesar de contar con un ínfimo presupuesto de 15.000 dólares y de ser filmado en la casa que el director Oren Peli posee en San Diego, California.

Mucho se ha comparado a esta cinta con la para mí genial “El Proyecto de la Bruja de Blair” (“The Blair Witch Proyect” 1999), y la verdad es que la comparación en este caso es totalmente justa. “Paranormal Activity” es una película que se podría decir que toma muchísimo de aquella cinta, tanto desde el punto de vista fílmico como desde el punto de vista narrativo. Aquí también se toma el mismo método de filmación, por lo cual uno de los protagonistas de la cinta (Micah) comprará una cámara de video casera y tratará de documentar todos los sucesos paranormales que están sucediendo dentro de su casa, dónde aparentemente una presencia fantasmal persigue a su pareja (Katie) desde prácticamente toda su infancia. Esto dará paso a que la cinta gane en tensión progresivamente, siendo cada noche más terrorífica que la anterior, culminando en un final ingeniosamente narrado y muchísimo mejor que el del corte original.

El director de origen israelí Oren Peli (quien jamás en su vida pensó que “Actividad Paranormal” podría llegar a tener semejante suceso), tuvo la inteligencia necesaria para cuidar a la cinta en varios aspectos técnicos importantísimos a la hora de rodar este tipo de filmes. El cineasta dotó a la película de un suspenso muy bien narrado de manera progresiva, por lo cual el filme comenzará de manera muy tranquila, en dónde se nos irán presentando de manera eficaz los personajes centrales y sus conflictos y problemas. Luego de esta primera etapa en la narración, la película dará paso a los eventos paranormales que se sucederán noche tras noche, cada vez de manera más violenta, en dónde el uso del denominado “fuera de campo” terminará siendo importantísimo en el resultado final de la cinta.

En cuanto al estilo fílmico de la película, creo que estamos ante una cinta muy cuidada en todo sentido. Es muy bueno como Oren Peli crea varias escenas de tensión en dónde se sugiere muchísimo más de lo que se muestra. Estoy hablando de recursos que si bien han sido usados hasta el hartazgo en diferentes cintas, aquí pasan a ser un elemento sumamente preponderante en todo su metraje. Puertas que se cierran violentamente, ruidos que aparecen por toda la casa (siempre fuera de campo), luces que se prenden y apagan, etc. Todo esto le dará al filme la atmósfera necesaria para convertirla en un más que digno exponente de este tipo de historias. Dónde Peli también acierta es en el más que correcto desarrollo de los personajes centrales de la película. Si los conflictos y problemas centrales de la pareja protagonista no hubieran estado bien narrados, créanme que el filme se hubiera caído absolutamente por todos lados. Sin embargo, Peli tomó nota de esto y narró la historia de manera sumamente interesante, por lo cual el espectador se compenetrará progresivamente con la angustia vivida por la pareja protagonista, quienes brindan actuaciones muy naturales a lo largo de toda la cinta.

En definitiva, y por más que particularmente la cinta me haya gustado mucho, no cometeré el error de recomendarla abiertamente a todo el mundo, ya que su estilo fílmico puede llegar a dividir las aguas en cuanto a los gustos personales de cada espectador. Si te gustó “The Blair Witch Proyect”, creo que es muy difícil que no disfrutes de “Paranormal Activity”, una cinta muy bien hecha desde mi humilde punto de vista.

Calificación de la Película: Muy Buena.

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Crítica de "El Destino Final" ("The Final Destination" USA 2009)

2009-12-13T16:19:00.005-03:00

Sinopsis: Nick y unos amigos acuden a un circuito de carreras para presenciar una competición de Nascar. Durante esta tiene lugar un terrible accidente que conlleva desastrosas consecuencias para el estadio, que acaba derrumbándose. Nick descubre que se trata de sólo una visión de algo que está a punto de suceder y junto con otras doce personas consiguen salir del recinto y escapar a una tragedia segura. Pero la muerte no deja cabos sueltos, no renunciará a lo que es suyo y regresará para terminar con los sobrevivientes de una manera brutal.

Sinceramente, no se por dónde comenzar esta crítica. Quizás tendría que empezar diciendo que realmente soy de las personas que han disfrutado bastante de las tres primeras entregas de esta curiosa saga. A esta altura, todo el mundo sabe de qué va la cosa. Secuencia inicial con algún tipo de accidente mortal. Actor principal que tiene una premonición de lo que va a ocurrir y que logra anticiparse al hecho y salvar su propia vida y la de unas cuantas personas más. O por lo menos, lo logra en primera instancia, ya que la muerte vuelve por ellos una y otra vez.

Y así, con las diferentes entregas de “Destino Final” fueron pasando escenas memorables (siempre durante el primer tramo del filme) como la del accidente de avión en la entrega inicial, o la tremenda escena del múltiple choque en una carretera en “Destino Final 2”, o la también impactante secuencia de la montaña rusa en “Destino Final 3”. En resumen, todas aquellas entregas han sido entretenidas, y sus guiones (sin ser nada del otro mundo) han sido narrados con bastante corrección e inteligencia. Hasta que llegamos al ahora famoso mundo del 3D, en dónde “El Destino Final” se encuadra.

Si me pongo a pensar un poco, y digo que los realizadores de esta cinta se olvidaron de los principales aspectos narrativos que requiere todo producto cinematográfico, sólo para centrarse en brindar espectaculares escenas en 3D, ¿Estaría diciendo lo correcto? Pues la verdad es que a simple vista, creo que esa ha sido la intención. La película fue convertida en un verdadero despropósito de principio a fin, sin el más mínimo cuidado en cuanto a su estilo narrativo, sin siquiera mencionar el pobrísimo desarrollo de los personajes del filme.

Eric Bress (a quien muchos conocerán por haber escrito el genial libreto de “El Efecto Mariposa”), brindó un guión francamente deplorable. Discúlpenme que sea tan categórico, pero es realmente lo que sentí luego de ver esta producción. Bress nunca se interesó por darle algún vuelco a la historia, que aunque fuera mínimo se hubiera agradecido enormemente. Lo que el guionista hizo fue darnos un rejunte de los libretos de las anteriores entregas, pero increíblemente, con muchísimo menos contenido, demasiado simple y sin sorpresas y terriblemente conveniente durante todo el metraje.

Ni hablemos que se haya interesado en el desarrollo de los personajes del filme. Eso era pedir demasiado, me parece. Aquí los personajes son tan decorativos, que a nadie le importará el penoso destino que le pueda llegar a tocar a cada uno de ellos a lo largo de la cinta. Todo esto gracias a un guión hecho a las apuradas, mal narrado e increíblemente tonto.

David Ellis fue el encargado de destrozar la saga de “Destino Final” desde la dirección. Si bien se pueden rescatar varias escenas muy bien rodadas como la inicial o la que transcurre en un centro comercial hacia el final del filme, Ellis se olvidó de lo que es una correcta narración en cine. Todo ocurre a 300 kilómetros por hora, todo es demasiado vertiginoso. No hay tiempo para absolutamente nada más. Y esto mismo le juega en contra a un grupo de actores que ni siquiera podemos saber con exactitud sin son o no buenos actores. Literalmente uno no puede darse cuenta. A decir verdad, las actuaciones son realmente flojas, pero con el pobrísimo guión que “El Destino Final” posee, y la poca profesionalidad que Ellis demuestra detrás de cámara, era prácticamente imposible que la cinta tuviera actuaciones mínimamente decentes.

En definitiva, “El Destino Final” es una cinta que a mi humilde modo de ver, ha destrozado una saga que literalmente no daba para una cuarta entrega. Pero los realizadores se enamoraron de la tecnología 3D y quisieron ver si se podía engañar a la audiencia y brindar un producto cinematográfico que rompiera la taquilla estadounidense sin romperse demasiado el cerebro. Increíblemente lo lograron. La película ha sido un éxito de taquilla como así también lo han sido sus anteriores entregas. Personalmente creo que “El Destino Final” es una película tan pero tan pobre, que no resiste otro tipo de análisis. Si bien Hollywood nos brinda muchas genialidades con su cine, también suele brindar basuras como esta.

Calificación de la Película: Mala.

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Crítica de "Bastardos Sin Gloria" ("Inglourious Basterds" USA - Alemania 2009)

2009-12-06T19:43:00.008-03:00

Sinopsis: En el primer año de la ocupación alemana de Francia, Shosanna Dreyfus testimonia la ejecución de su familia en manos del Coronel nazi Hans Landa, Shosanna escapa y huye a Paris donde se forja una nueva identidad como propietaria y operadora de un cine. En el resto de Europa, se encuentra el Teniente Aldo Raine en una misión para derrotar a los líderes del Tercer Reich. Los destinos convergen en virtud de un cine Marqués, donde Shosanna está lista para llevar a cabo un plan de venganza propio. Raine organiza un grupo de soldados americanos judíos para llevar a cabo con rapidez chocantes actos de venganza. Más tarde conocidos por sus enemigos como “los bastardos”, el escuadrón de Raine se une a la actriz alemana y agente encubierta Bridget Von Hammersmark.

Y algún día iba a pasar. Que Quentin Tarantino tocara la temática de la Segunda Guerra Mundial era a priori algo sumamente interesante, sobre todo teniendo en cuenta el particular estilo que este cineasta suele tener en sus productos. Esto último, sumado a mi particular gusto sobre todo lo relacionado con esos acontecimientos históricos, era motivo suficiente para echarle un vistazo a esta incursión de Tarantino en el drama bélico. Pero entonces, ¿Es “Bastardos Sin Gloria” una obra maestra del séptimo arte como casi toda la crítica especializada se empecina en mostrar? Pues a decir verdad, no. Pero sí es cierto que estamos ante una gran película.

Primero y principal, tenemos el hecho de que Quentin Tarantino toque un tema tan sensible como fueron los acontecimientos de la Segunda Guerra Mundial, y dibuje (por decirlo de alguna manera) un drama bélico con algún que otro toque de comedia, además de despegarse casi por completo de cualquier rigor histórico. Aquí tenemos ficción, ficción y más ficción. Pero en definitiva, ¿no es el cine entretenimiento por sobre todas las cosas? Pues lisa y llanamente sí, y en ese sentido, Tarantino brinda eso y mucho más.

El guión corrió por cuenta del mismo Tarantino, y lo mejor que este tiene y por lejos, es el muy buen estilo narrativo. Que una película de dos horas y media de duración se pase medianamente rápido no es algo demasiado común en estos tiempos, y en ese sentido, “Bastardos Sin Gloria” cumple, y con creces. El filme posee un libreto muy bien estructurado y sumamente prolijo en cuanto al engranaje de diferentes historias y en cuanto al desarrollo de los principales personajes del filme.

Por un lado tendremos entonces la historia de un grupo de soldados americanos judíos (liderados por un más que correcto Brad Pitt), dedicados exclusivamente a matar nazis de una manera tan cruel, que serán conocidos con el apodo de “Los Bastardos” por sus temerosos enemigos, y por otro lado, tendremos la historia de una joven judía que luego de presenciar la terrible matanza de su familia a mano de los alemanes, ideará años después una ingeniosa venganza. Estas dos historias se irán uniendo de manera tan natural como efectiva, con una narración que mantendrá al espectador atento a lo que sucede en pantalla en todo momento, sin llegar la película a aburrir en ningún pasaje a pesar de su larga duración.

En rubros técnicos, la película tiene elementos muy destacables, sin lugar a dudas. Tarantino sabe utilizar como nadie la música en sus películas y en ese sentido, “Bastardos Sin Gloria” no es la excepción. La recreación de época es muy buena, y la ubicación de la cámara es siempre la correcta. No estamos frente a un filme que brinde escenas bélicas constantes ni mucho menos. Estamos frente a una película que muestra cinco o seis escenas sangrientas en todo su metraje, pero créanme que más no se necesitan, gracias a la fluidez narrativa del filme y a su más que correcto desarrollo de personajes.

Y como dije en el párrafo anterior, el correcto desarrollo que el guión le proporciona a ciertos personajes, hace que varios actores produzcan muy buenos protagónicos en este filme. Brad Pitt es uno de ellos, pero sobre todo cabe destacar a una impecable Melanie Laurent en el rol de una chica judía que planea la venganza de su vida, o a un excelente Christoph Waltz en el rol de un temible asesino de la SS en busca de Judíos por toda Europa. Ambos están excelentes en sus papeles y la película gana muchísimo con sus interpretaciones.

En definitiva, “Bastardos Sin Gloria” es un drama bélico (con algunos toques de comedia) de indudable calidad. Lejos está de ser una clase de historia. De hecho, nunca fue la intención de Tarantino brindarla. “Bastardos Sin Gloria” es por sobre todas las cosas una película bien narrada, y no todos los días un realizador puede lograrlo con sus productos cinematográficos. ¿Pero saben que? Tarantino lo hizo, y de muy buena manera.

Calificación de la Película: Muy Buena.

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Crítica de "Rescate del Metro 123" ("The Taking of Pelham 123" USA - Inglaterra 2009)

2009-11-29T18:15:00.007-03:00

Sinopsis: “Rescate del Metro 123” cuenta con unos protagonistas de excepción (Denzel Washington, John Travolta, John Turturro y James Gandolfini), relatándonos como un criminal y su banda se apoderan de un vagón de metro. Si no acceden a sus demandas en el tiempo acordado (exige una suma importante de dinero), irá matando a los distintos pasajeros. Sin embargo, un trabajador del metro que conoce muy bien el sistema de túneles le pondrá las cosas bastante difíciles, si bien desconoce cómo hará el delincuente para fugarse del lugar una vez tenga el botín en sus manos.
Pocos son los directores que realmente sigo cuando se que están detrás de algún proyecto cinematográfico. Podría contarlos con los dedos de la palma de mi mano, y aunque suene raro decirlo, uno de ellos es el genial Tony Scott. El gran respeto que le tengo al buen hermano del gran Ridley Scott viene desde hace bastante tiempo, cuando literalmente me cautivó con varias de sus películas que quedarán en mi memoria cinéfila por muchísimo tiempo. “Revancha”, “El Ultimo Boy Scout”, “Marea Roja”, “El Fanático”, “Juego de Espías” y la genial “Hombre en Llamas” son sin dudas una muestra de que estamos ante un más que correcto director de cine.

No ha sido buena, sin embargo, la última etapa del bueno de Tony. Ni su pretenciosa pero finalmente fallida cinta “Domino”, ni su apenas discreto pero entretenido filme titulado “Deja Vu”, sirvieron para devolver a Scott a los primeros planos de la cinematografía mundial. Tres años después de su último estreno, nos llega a la pantalla grande “Rescate del Metro 123”, en dónde Scott vuelve a brindarnos un producto cinematográfico entretenido, aunque sin dudas lejos de sus mejores producciones.

La película comienza relatándonos como un grupo de criminales toman por la fuerza uno de los vagones del tren “Pelham 123”. Al parecer, los delincuentes tienen todo controlado y amenazan con ejecutar a un pasajero por minuto, si en un plazo determinado de tiempo no reciben una cuantiosa suma de dinero. Sólo un trabajador del metro que se encuentra del otro lado de la línea será la única opción para ganar un poco de tiempo y tratar de solucionar la reinante situación.

Aquí el libreto corrió por cuenta del muy buen guionista Brian Helgeland (“Asesinos”, “Río Místico”, “Hombre en Llamas”), quien en líneas generales brindó un relato muy bueno en algunos momentos pero que posee a mi modo de ver un error bastante evidente justamente en el tramo final de la cinta. De hecho, la película arranca con un ritmo muy bueno, en dónde se nos relata con bastante eficacia como el personaje de John Travolta se apodera de un vagón de tren lleno de pasajeros y amenaza con ir matando a sus rehenes uno por uno si no se cumplen con sus demandas.

Toda esa primera parte del guión es muy buena y está realmente muy bien narrada, sobre todo ciertos diálogos y escenas en dónde interactúan de manera sumamente eficaz los personajes de John Travolta y de Denzel Washington. El problema está sin dudas en su media hora final. Allí la historia se vuelve demasiado predecible (más de lo que uno está acostumbrado a ver) y se toma el camino más fácil para llegar a un final quizás demasiado conveniente. Ese es el principal problema de un guión que debería haber sido muchísimo más interesante en cuanto a su resolución final.

No hay muchos reclamos en cuanto a la dirección que correctamente ejecuta Tony Scott en este filme. Muy bien en el manejo de cámaras (con su ya conocida esquizofrenia a la hora de montar los planos, aspecto que le ha valido el simpático título de “El Síndrome Tony Scott”), brindando escenas de acción bastante competentes, con mucha sangre desparramada en diferentes balaceras y unos cuantos autos destruidos en sendas persecuciones automovilísticas.

Pero más allá de una buena dirección de Tony Scott, lo mejor de la cinta por lejos son sin lugar a dudas las actuaciones de John Travolta y de Denzel Washington. Muy bien actuados sus protagónicos y excelentemente armados los diálogos en dónde ambos personajes interactúan de manera brillante. Quizás se merece un párrafo aparte John Travolta, quien nos regala la mejor actuación de la película, protagonizando de manera impecable a un esquizofrénico delincuente dispuesto a todo con tal de lograr su principal y único objetivo.

En definitiva, “Rescate del Metro 123” no es ni una muy buena película, ni tampoco una cinta regular. “Rescate del Metro 123” es, antes que cualquier otra cosa, un filme de entretenimiento garantizado durante una hora y cuarenta minutos de duración. ¿Podría haber sido mejor? No me cabe ninguna duda. Pero la cinta entretiene, y en ese sentido tengo que darme por satisfecho.

Calificación de la Película: Buena.

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Crítica de "La Frontera del Miedo" ("Frontiers" Francia - Suiza 2007)

2009-11-22T19:22:00.011-03:00

Sinopsis: Las elecciones francesas se resuelven entre un partido conservador y otro de extrema derecha. Los suburbios han estallado en protestas y un grupo de jóvenes han decidido aprovechar el tumulto para perpetrar un robo. Un hostal aislado parece ser el refugio perfecto, pero sus problemas no han hecho más que empezar cuando descubran que sus propietarios son un grupo de degenerados neonazis.
Muchos críticos y amigos opinan, y creo que con bastante razón, que el cine de horror francés ha crecido enormemente en los últimos años con la realización de unas cuantas películas que marcaron una nueva ola dentro del género, incluyendo por supuesto, una crudeza visual pocas veces vista en pantalla. Dentro de este rubro podríamos mencionar a la famosísima cinta del joven director francés Alexandre Aja, titulada “Alta Tensión”, el cual desde mi punto de vista significó un producto cinematográfico bastante correcto solamente salvado por un inteligente giro argumental muy bien ejecutado sobre el tramo final de su metraje.

Tantos fueron los comentarios positivos que recibió “La Frontera del Miedo” en diferentes ámbitos, que a decir verdad no dudé ni un instante en echarle un vistazo a lo que a priori iba a significar un buen producto del género de terror. ¿Logra entonces “La Frontera del Miedo” llegar a ser una buena película a lo largo de su hora y cuarenta minutos de metraje? Pues la verdad es que si y no. Literalmente.

La película comienza mostrándonos a un grupo de jóvenes que cometen el robo de una cuantiosa suma de dinero aprovechándose del creciente descontrol social en el que se encuentra sumida la ciudad de Paris. A raíz de esto y con el objetivo de escapar de la persecución policial, el grupo se hospedará en un hostal apartado de la ciudad, el cual lamentablemente para ellos, será habitado por una familia de macabros neonazis, quienes literalmente les harán la vida imposible a nuestros protagonistas.

El joven director francés Xavier Gens fue el encargado del guión de la cinta, lo que en definitiva marca a mi humilde modo de ver la falla fundamental de absolutamente toda la película. Si bien el filme tiene un comienzo sumamente prometedor en dónde el director nos muestra a un grupo de jóvenes escapando del terrible asedio policial del cual son objetos luego de cometer un robo, la película increíblemente comienza a naufragar poco a poco en su interés luego de sus geniales 15 minutos iniciales. Es que cuando nuestros protagonistas deciden refugiarse en el hostal dónde unos tremendos asesinos de origen nazi les harán la vida imposible, créanme que la película se cae en cuanto a guión por absolutamente todos lados. Sólo queda saber si alguien se salvará, o cuantos morirán, o cuantos litros de sangre serán desparramados por la pantalla (los cuales advierto, son muchísimos), ya que mucho más que eso en realidad no hay.

El género ya de por sí brinda pocas sorpresas, pero aquí a decir verdad no hay prácticamente ninguna, en ningún momento del metraje. Ese es, a mi modo de ver, el gran error de la cinta. Querer sustituir con demasiada violencia y sangre lo que evidentemente debería haberse narrado con un guión interesante en toda su estructura general. Aquí el interés dura en su primera media hora, pero lamentablemente se pierde luego de manera muy rápida.

Si bien el guión de la cinta falla, el estilo fílmico es realmente muy bueno. Muy bien en cuanto al manejo de la cámara (sumamente frenético), y excelentemente bien en cuanto a la filmación de las escenas sangrientas, desparramando sadismo en cada fotograma donde se ha tenido oportunidad. Es cierto que no se ha logrado generar demasiada tensión en la cinta, ya que al tratar de ser tan explícito en cuanto a lo que se muestra en pantalla, el director decidió tirar por la borda cualquier intento de generar real suspenso en el filme.

En cuanto al rubro actuaciones, tenemos de todo un poco, desde una tremenda actuación de la protagonista principal (Karina Testa), hasta una francamente deplorable interpretación del malvado de turno (Samuel Le Bihan), en el rol de un fanático nazi total y absolutamente exagerado en todos sus niveles.

En definitiva, “La Frontera del Miedo” es una cinta que no dudo que tendrá sus muy fieles seguidores. Particularmente pensé que me iba a encontrar con un guión un poco más pulido (dentro de lo posible), y no algo tan común y visto en absolutamente todas partes. Si bien su calidad técnica es indudable, la película naufraga presa de un guión sin potencia narrativa.

Calificación de la película: Regular.

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Crítica de "MR 73: La Ultima Misión" ("MR 73" Francia 2008)

2009-11-14T17:06:00.007-03:00

Sinopsis: Un asesino serial viste de sangre Marsella. Louis Schneider, un policía duro e incorruptible en pleno declive de su carrera, dirige la investigación a pesar de su adicción al alcohol y de los fantasmas de un pasado que lo atormenta. Un pasado que reaparece también en la vida de Justine. Sus padres fueron brutalmente asesinados 25 años atrás por Charles Subra, y fue Schneider quien consiguió detenerlo. Pero gracias a la remisión de su pena, Subra queda en libertad. Justine ha vivido la soledad de los que se hacen prácticamente invisibles. Pero la temprana liberación del asesino remueve tanto miedo como dolor. Sin embargo encuentra apoyo y contención en Schneider, quien comienza una investigación que lo llevará hasta las mismas puertas del infierno, pero que también puede significar su última posibilidad de redención.

¿Qué más puedo decir a estas alturas de Olivier Marchal? El mejor cineasta de policiales que existe por lejos hoy en Francia tiene una historia tan particular como interesante. Comenzó sus estudios cinematográficos cuando todavía era miembro de la fuerza policial de su país, y luego de muchísimos años sirviendo a la ley, finalmente decidió volcar todos sus conocimientos al servicio cinematográfico, mostrando con sumo realismo y crudeza diferentes situaciones que le tocó vivir durante todos sus años en el cuerpo policial francés.

Así es como con un bajísimo presupuesto debutó en la dirección con el filme “Gángsters” del año 2002, película que finalmente le sirvió como punta de lanza de lo que fue posteriormente su extraordinaria cinta titulada “El Muelle” (“36 Quai Des Orfevres” 2004), el cual humildemente considero el mejor policial que he visto en los últimos años, con extraordinarias actuaciones de Daniel Auteuil y de Gerard Depardieu. Y así llegamos a la película que comentaremos hoy en el blog, titulada “MR 73: La Ultima Misión” en dónde Olivier Marchal se mete de nuevo en un drama policial que relata de manera extraordinaria y precisa tanto la corrupción del cuerpo policial francés como así también la desesperanza y la caída misma al infierno de nuestro personaje principal del filme.

El guión de la cinta corrió por cuenta del mismo Olivier Marchal, y créanme que si el libreto de su película anterior “El Muelle” era una verdadera joya, el presentado en “MR 73: La Ultima Misión” es como mínimo tan valorable o más que aquel último. Marchal presenta en la película tres tramas narradas en paralelo (sin usar el famoso sistema de Alejandro Gonzalez Iñárritu) que serán expuestas al espectador de manera perfecta en cuanto a su narrativa y sobre todo en cuanto al espectacular desarrollo de sus personajes.

Así pues, tendremos a nuestro protagonista principal Daniel Auteuil como un policía caído en desgracia y con terribles sentimientos de culpa por el estado actual de su esposa, quién será el encargado de llevar a cabo la investigación de una serie de brutales asesinatos que se están cometiendo en la ciudad de Marsella y sobre los cuales no hay pistas demasiado precisas por parte del cuerpo policial. A su vez, Auteuil se sentirá ligado emocionalmente con el personaje que extraordinariamente interpreta Olivia Bonamy, quien 25 años atrás presenció el brutal asesinato de sus padres y que hoy debe lidiar con el tormento de que el mismísimo asesino esté a punto de cumplir su condena y quedar libre de culpa y cargo.

Como bien dije en el párrafo anterior, la forma en que Marchal se las arregla para narrar estas historias en pararelo es digna de los mayores elogios. Hace un extraordinario desarrollo de personajes, muestra de manera brutal el corrupto sistema policial y político francés y dota al filme de un pesimismo tan desesperanzador como terriblemente cierto. Es francamente admirable el minucioso trabajo que hizo con la narración del personaje de Daniel Auteuil, mostrando de manera muy eficaz y realista como un respetado y feliz policía puede a través de un terrible suceso, llegar a descender al mayor infierno personal. Y para finalizar, Marchal dirige la cinta como los dioses en cuanto a todo su nivel técnico, ubicando la cámara siempre en el lugar correcto, mostrando una ciudad sumida en la violencia y en la desesperanza generalizada. Todo su trabajo de dirección ha sido tremendamente bueno, culminado en sus últimos 15 minutos de metraje con excelentes escenas en montaje pararelo que muestran la realidad de dos mundos totalmente diferentes, los cuales quedan en evidencia en su extraordinario plano final.

Si bien todo el trabajo de Marchal ha sido exquisito, quiero destacar la fenomenal actuación de Daniel Auteuil. No es para nada fácil interpretar a un policía alcohólico en busca de su redención mientras lucha con sus demonios internos durante toda la cinta, y a decir verdad, su personificación es impresionante de principio a fin. Un actor como pocos, para una película fenomenal.

En definitiva, Olivier Marchal volvió a dar una clase de cine con esta obra maestra titulada “MR 73: La Ultima Misión”. Una película que sin dudas no podrá dejar indiferente a ningún espectador hasta mucho después de su conclusión.

Calificación de la Película: Excelente.

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Crítica de "Todos los Hombres del Rey" ("All The King´s Men" USA - Alemania 2006)

2009-11-07T09:32:00.009-03:00

Sinopsis: Basada en la novela ganadora del premio Pullitzer de 1946 de Robert Warren, “Todos los Hombres del Rey” cuenta la historia del ascenso al poder de un idealista en el mundo de la política y de la corrupción que finalmente lo conduce hasta su perdición. Louisiana, años 30. Una sociedad dividida por el color de la piel y el dinero. Los políticos son los hombres más ricos e influyentes del estado y ninguno lucha más que por sus propios intereses. Un hombre harto de la corrupción, William Stark, entra en el juego de la política por una casualidad del destino. Influido por sus enemigos, empieza una carrera electoral a Gobernador del Estado, en las que sus mejores armas serán la sinceridad y la confianza. Pero el poder lo corrompe todo y cuanto más se tiene, más se quiere.

Como he dicho en algunas reseñas anteriores, realmente soy un fiel seguidor de los denominados thrillers políticos. Lamentablemente en los últimos años, este género fue dejado a un lado por la industria cinematográfica estadounidense. Quizás sea por problemas de alto presupuesto, o quizás sea porque la gente ya no desea ver este tipo de filmes. De una u otra manera, creo que es una verdadera pena, ya que personalmente lo considero un género que en manos de buenos realizadores puede brindar múltiples satisfacciones.

Steven Zaillian, escritor de excelentes guiones entre los que se encuentran por ejemplo los de “La Lista de Schindler”, “La Intérprete”, “Una Acción Civil” y “Pandillas de Nueva York”, entre otras, tomó las riendas de la adaptación del guión de “Todos los Hombres del Rey”, y brindó en líneas generales un libreto que en definitiva termina teniendo las mismas virtudes y los mismos vicios que por lo general tienen este tipo de cintas.

“Todos los Hombres del Rey” es un filme que tiene un excelente arranque. Durante sus primeros cuarenta minutos, somos testigos de cómo el personaje de Sean Penn, un idealista de los que ya quedan pocos en la política y por mérito propio, alcanza la gobernación de Louisiana. Toda esta primera parte está realmente muy bien narrada, incluido los espectaculares discursos en dónde el bueno de Sean Penn demuestra una vez más porque sigue siendo hoy por hoy uno de los mejores actores de la industria cinematográfica.

El problema principal del filme es sin lugar a dudas su zona media. Quizás un poco extensa en su narrativa o algo pesada en su ritmo, la película decae bastante en ese tramo y sin lugar a dudas es algo que reciente su resultado final. Pero volviendo a las virtudes que el filme posee (las cuales no son pocas), tenemos un tramo final realmente impecable, tanto en materia técnica como narrativa. Allí si que el filme produce sensaciones encontradas en el espectador, ya que se saca a relucir los peores vicios de una política en dónde ya no cuentan ni los ideales ni la búsqueda de la verdad ni mucho menos el bienestar social. Sólo interesa el poder, el dinero y no mucho más. Quizás por eso uno simpatice desde un primer momento con el personaje de Sean Penn, quien sufrirá tremendos cambios en su personalidad preso de un sistema que lo agobia desde un principio y en definitiva no lo deja accionar.

Zaillian realizó un impecable trabajo en la dirección del filme, realmente. Evidentemente se realizó un trabajo especial y muy minucioso en lo que respecta a los discursos del personaje de Sean Penn. Cada vez que la cinta parece caerse en un bache, alguna que otra escena de esas saca a relucir al filme una vez más. En esas tomas, Zaillian brinda muchísimos primeros planos del rostro de Sean Penn y logra transmitir con bastante credibilidad el idealismo de su personaje. Acompañado por una tremendamente buena banda sonora de James Horner, el trabajo detrás de cámaras de Steven Zaillian termina siendo más que bueno para un filme correcto en su estructura general.

En materia de actuaciones no hay mucho que objetar, realmente. “Todos los Hombres del Rey” tiene en sus filas a un elenco realmente poderoso. Estamos hablando de Jude Law (muy bien actuado su personaje), Kate Winslet, Anthony Hopkins, Mark Ruffalo, James Gandolfini y por supuesto, el protagónico principal de Sean Penn, que es el que quiero analizar un poco más en profundidad. He escuchado y leído innumerables críticas hacia su performance por el hecho de haber sobreactuado demasiado su personaje. Si bien es cierto que Penn sobreactúa demasiado en la película (sobre todo en sus discursos), también es cierto que su papel no es un protagónico para nada fácil de realizar, y así y todo Penn realiza una actuación enorme, siendo la columna vertebral del filme en todo momento.

Para ir terminado, “Todos los Hombres del Rey” es un buen thriller político. Muy intenso en su primera mitad y un poco extenso en su segundo tramo. Una película que relata de manera correcta el ascenso y posterior caída de un idealista en el mundo de la política, algo que lamentablemente puede aplicarse hoy por hoy a cualquier época y acontecimiento histórico.

Calificación de la Película: Buena.

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Crítica de "Visitante de Invierno" ("Visitante de Invierno" Argentina - España 2007)

2009-11-01T21:04:00.010-03:00

Sinopsis: Ariel es un joven que, luego de un trastorno psicológico, se muda con su madre y hermana a Villa Mar, un pequeño y tranquilo pueblo, para descansar. Al tiempo descubrirá que en una casa cercana entran niños que no vuelven a salir jamás. Esto será cierto, o es que se está volviendo loco?
A decir verdad, tranquilamente podría haber pasado de largo con la reseña de esta cinta por múltiples factores que a continuación voy a detallar. “Visitante de Invierno” es una cinta Argentina (en coproducción con España) que aborda el género del terror sobrenatural de manera sencilla pero efectiva, como lo han hecho infinidad de producciones hollywoodenses y europeas en los últimos años. Todo lo que aquí se muestra es correcto y no mucho más, comenzando por un efectivo guión, pasando por unas aceptables actuaciones y culminando por un muy correcto apartado técnico.

¿Qué es lo que me ha impulsado a realizar la reseña de esta cinta e inclusive recomendar el visionado de la misma a todos los lectores de este humilde blog? Pues lisa y llanamente todo el contexto sobre el cual se sitúa la película. Desde el vamos, estamos hablando del primer filme argentino de terror sobrenatural que ha llegado a nuestra cartelera cinematográfica en las últimas dos décadas. Ha contado con un ínfimo presupuesto, el cual obviamente ha conspirado contra el resultado final del filme (como lo haría con cualquier producto cinematográfico de todo el mundo), el cual de todos modos es ampliamente satisfactorio y debiera impulsar a más realizadores de nuestro cine a adentrarse cada vez más en este género y por consiguiente recibir más financiación del INCAA en estos proyectos.

La película comienza relatándonos la trastornada vida de Ariel, un joven que viene arrastrando un grave problema psicológico y que se encuentra con tratamiento médico debido al mismo. Así, por recomendación de su psicólogo, su familia se ha trasladado a un pequeño pueblo de la costa argentina, con el fin de reordenar sus vidas. Pero los temores de Ariel volverán a aparecer cuando comience a sospechar que uno de los vecinos del pueblo es un asesino serial.

El encargado del guión y dirección del filme ha sido el cineasta argentino Sergio Esquenazi, y “Visitante de Invierno” representa su primer largometraje nacional, ya que previamente había realizado un par de películas en idioma inglés. Desde el vamos hay que aclarar varias cosas con respecto al guión del filme. Estamos ante un libreto escrito lisa y llanamente en 5 días (sí, esto es así!), y a decir verdad, el mismo no tiene mucho que envidiarle a diferentes producciones de otros países que he visto en los últimos años. De hecho, el guión de Esquenazi tiene todos los ingredientes necesarios para lograr que “Visitante de Invierno” sea un producto cinematográfico más que digno en muchos sentidos.

Aquí todo lo que se muestra ya ha sido visto en muchísimas ocasiones, pero no por eso estamos en presencia de un libreto despreciable ni mucho menos, ya que el guión juega de manera correcta con el hecho de lidiar con un protagonista con graves problemas psicológicos, lo cual en muchas partes del filme le jugará una mala pasada, ya que prácticamente nadie creerá en su palabra, lo que en definitiva le dará un matiz bastante efectivo a la cinta en todo momento. Si bien el libreto toma por momentos decisiones apresuradas y no del todo bien resueltas, se encuentra bastante bien narrado y esto se nota en el resultado final del filme.

Como bien dije en el párrafo anterior, Esquenazi se encargó también del trabajo detrás de cámaras, y aquí sí que ha hecho un muy buen trabajo. Con un presupuesto muy bajo, el director se las ha arreglado para filmar la película de manera muy correcta (usando la filmación en digital como estandarte para abaratar costos), mostrando un gran dominio del manejo de cámaras y de cómo crear momentos de real suspenso en muchísimas escenas del filme, así como también un más que correcto apartado técnico en materia de efectos especiales.

Con respecto a las actuaciones tenemos de todo un poco. En líneas generales, las actuaciones son correctas y no mucho más, aunque sí es cierto que el protagonista Santiago Pedrero realiza una muy buena interpretación en el rol de Ariel, un chico tímido y con tremendos problemas psicológicos que deberá convencer a propios y extraños de que la pesadilla que está viviendo es sumamente real. Todo un acierto de Esquenazi el brindarle a este chico el protagónico del filme.

En definitiva, “Visitante de Invierno” es una cinta rara para reseñar. Quizás sea una película más del montón, pero el hecho de tratarse de una apuesta argentina al género de terror sobrenatural la hace sumamente valorable. Si a esto le agregamos que la cinta entretiene y bastante, y que es poseedora de buenos apartados técnicos, creo que el resultado final es ampliamente satisfactorio. Ojalá puedan verse en los próximos años más filmes de este tipo en Argentina y con un mayor apoyo monetario.

Calificación de la película: Buena.

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Crítica de "La Huérfana" ("Orphan" USA - Canadá - Francia - Alemania 2009)

2009-10-24T22:28:00.008-03:00

Sinopsis: El matrimonio Coleman, formado por John (Peter Sarsgaard) y Kate (Vera Farmiga) se encuentra en una profunda crisis después de que hayan perdido al bebé que esperaban. Finalmente acuerdan que la mejor solución es adoptar a una niña huérfana de 9 años de edad que responde al nombre de Esther. Sin embargo, Esther esconde terribles secretos que harán peligrar la vida de quienes están a su alrededor.
Y hoy comentaremos en el blog una de las cintas que más estaba esperando últimamente, debido a mi predilección por este tipo de historias y por sobre todo, por las muy buenas críticas que el filme ha recibido desde su estreno en cines. Como bien dije en otras reseñas, nunca es bueno tener las expectativas altas con respecto a un filme, pero que se le va a hacer! Uno no se puede controlar! En todo caso, celebro que “La Huérfana” haya sido un filme acorde a lo que yo estaba esperando. Una película muy bien llevada en todo sentido con muchos puntos a favor y algunos en contra, los cuales de ninguna manera empañan un resultado final altamente positivo.

La película comienza relatándonos la difícil vida que lleva el matrimonio conformado por Kate y John Coleman, ya que más allá de tener dos hijos a los cuales adoran, viven sumidos en una profunda depresión por la pérdida de un tercero. Por eso mismo deciden adoptar a Esther, una niña huérfana con la que el matrimonio Coleman siente una inmediata conexión. Todo marchará bien en un comienzo, pero poco a poco las cosas irán cambiando y diversas situaciones trágicas se apoderarán de la vida del joven matrimonio y de sus hijos.

Aquí el guión de la cinta corrió por cuenta de David Johnson y Alex Mace, quienes brindaron el típico libreto de suspenso en dónde una niña o niño vuelven locos a su respectiva familia, aunque con varios aciertos que hacen que la película gane muchísimos puntos en su valoración final. Antes que nada hay que aclarar algo muy importante. La película en líneas generales sigue los lineamientos típicos de estas historias. Arranque pausado con un buen desarrollo de personajes y un segundo tramo en donde el suspenso y las escenas tensionantes van ganando terreno en pantalla cada vez más.

Más allá de esto último, hay un par de puntos dentro del guión que realmente han sido muy pero muy bien trabajados. El desarrollo de los personajes en sus primeros cuarenta minutos es realmente muy bueno. Quizás por ello, una película que debería haber durado hora y media u hora y cuarenta minutos, aquí se estira hasta las dos horas de metraje, aunque sin llegar a aburrir en ningún momento. Gran mérito del dúo de guionistas. Pero sin dudas, lo mejor del guión es la estupenda vuelta de tuerca que posee el tramo final del filme. Muy bien hecha, muy creíble y por sobre todo, bastante sorpresiva e inteligente.

El director español Jaume Collet – Serra (el mismo de “La Casa de Cera” y “Gol II”), brindó un producto muy bien estructurado en todo sentido, manteniendo los ingredientes necesarios para este tipo de historias en todo momento. Buena narración de personajes, muy buen manejo de cámaras, una locación con paisajes extraordinarios y un muy inteligente manejo del suspenso, el cual se va apoderando del metraje progresivamente de manera muy eficaz. Otro punto que me sorprendió bastante fueron varias escenas sangrientas que por lo general en este tipo de historias suelen alivianarse del todo, más que nada para convertir a los productos a la categoría de PG-13. Aquí por suerte, Serra brinda un poco de todo y en buenas dosis. Hay escenas en donde se sugiere más de lo que se muestra, y otras en donde se muestra todo y en un primerísimo plano. Gran acierto del director en todo sentido.

Si bien tenemos que destacar a un gran reparto que hace de las suyas durante todo el filme, sin lugar a dudas tenemos que hablar por sobre el resto de la tremenda actuación de Isabelle Fuhrman en el protagónico de Esther, nuestra trastornada niña en cuestión. Fuhrman no tiene ningún tipo de problemas en pasar de una sonrisa pícara a una inmediata acción intimidatoria en cuestión de segundos y con una amplia naturalidad, lo que le da al filme el ingrediente necesario para convertirlo en un más que digno exponente del género.

También vale destacar al matrimonio protagonista de la cinta, interpretados por los siempre eficientes Peter Sarsgaard y Vera Farmiga (sobre todo esta última), quienes brindan protagónicos muy convincentes y que indudablemente se vieron beneficiados por un guión que desarrolla de manera amplia sus relaciones afectivas y sus problemas cotidianos.

En conclusión, “La Huérfana” es una atractiva cinta de suspenso con un guión que ha sido visto ya en muchísimas ocasiones. Sin embargo, su tremendo cuidado técnico, sus impecables actuaciones y por sobre todo su inteligente y sorpresiva vuelta de tuerca final, le dan un toque distintivo por sobre otras cintas de índole similar. Muy recomendable.

Calificación de la Película: Muy Buena.

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Crítica de "Búsqueda Implacable" ("Taken" Francia 2008)

2009-10-11T16:45:00.007-03:00

Sinopsis: ¿Qué podría ser peor para un padre que la impotencia, cuando al otro lado de una llamada de móvil se encuentra su hija, quien está siendo secuestrada? Esta es la pesadilla que se hace realidad para Bryan, un espía retirado, que sólo tiene unas horas para recuperar a su hija secuestrada, sin motivo aparente, por una peligrosa banda, especializada en la venta de jóvenes adolescentes.
Hay varias cosas que extraño últimamente dentro del mundo cinematográfico actual. Una de ellas, es sin lugar a dudas los pocos westerns de calidad que han ido saliendo a lo largo de estos últimos años. Quizás por eso he disfrutado tanto del espectacular filme “El Tren de las 3:10 a Yuma”, el cual supuso en mi caso un regreso a lo más grande de dicho género. Este ejemplo va de la mano con la película que hoy voy a comentar en el blog, titulada “Búsqueda Implacable”, una impresionante cinta de acción de esas que ya se estaban extrañando en demasía dentro del cine actual y que posee muchísimas semejanzas con el cine de acción de los años noventa. En aquellos tiempos, películas como “Duro de Matar”, “El Ultimo Boy Scout”, “Riesgo Total” o “La Roca”, entre otras, marcaron una forma de hacer cine dentro del mundo del género de acción. “Búsqueda Implacable” supone un regreso a esas fuentes, con una historia simple pero perféctamente armada y un estilo de filmación digno de cualquiera de las cintas del agente Jason Bourne.

La película comienza relatándonos la vida del espía retirado Bryan Mills (Liam Neeson), quien luego de una ajetreada vida laboral y lejos de su familia, se replantea el hecho de recuperar el tiempo perdido y comenzar una relación más llevadera con su única hija. Todo parece ir de maravillas hasta que Kim le comunica que ha decidido tomarse unas vacaciones en París junto a su amiga Amanda. Sin estar de acuerdo en un primer momento, Bryan accede finalmente a que su hija realice dicho viaje. Pero las cosas se complicarán en muy poco tiempo, cuando una banda de traficantes de jóvenes secuestren a Kim y obliguen a Bryan a intervenir una vez más.

Como no podía ser de otra manera, el fantástico Luc Besson fue el encargado del guión de la cinta, junto con Robert Mark Kamen. Para ser sincero, no es que el libreto sea la gran maravilla ni mucho menos, pero es muy destacable que una historia tan sencilla esté tan bien narrada y sea tan llevadera como lo es en este caso. Todo lo que hay en “Búsqueda Implacable” ha sido visto antes, y muchísimas veces, créanme. Pero la forma en que se aborda esta historia mil veces vista es tan buena, que el espectador no puede más que aceptar absolutamente todas las reglas de juego que la historia plantea. De poco importa el hecho de que el personaje de Liam Neeson encuentre siempre sendas pistas que le hagan avanzar en su investigación de manera conveniente, ni que se vea envuelto en muchísimas peleas con enorme desventaja o en sendas balaceras contra varios criminales. Todo se acepta, o por lo menos yo lo hago, por varias razones. Una de ellas es porque el guión desarrolla muy bien en su primera media hora la relación entre el personaje de Liam Neeson y su hija. Y otra es porque luego de esa primera parte, la película se convertirá en una tremenda cacería de acción sin perder en ningún momento atractivo alguno.

El director francés Pierre Morel ha dado un trabajo brillante detrás de cámaras, sin lugar a dudas. Ya de por si, tenía en sus manos un guión muy valioso, el cual si bien tiene su simpleza, no deja de ser atrayente por lo bien que se encuentra narrado. Pero más allá de todo esto, Morel realizó un trabajo enorme en cuanto al estilo de filmación y a los movimientos de cámara de la cinta. Dueña de un estilo fílmico muy similar a lo que se ha visto en las películas de Jason Bourne o en las últimas entregas del agente James Bond, “Búsqueda implacable” posee espectaculares escenas de lucha cuerpo a cuerpo, así como también excelentes balaceras y alguna que otra impecable persecución automovilística.

En materia de actuaciones, tenemos uno de los platos fuertes de esta cinta. Sin dudas la actuación de Liam Neeson es fenomenal. Si, así de simple. Fenomenal. Poco le importó a este gran actor estar frente a un papel extraño para lo que ha sido su carrera, sino todo lo contrario. Su personificación ha sido grandiosa y literalmente su personaje soporta la película en un 90% de las escenas (el guión se encargó de esto), logrando una performance tremenda de principio a fin.

En definitiva, “Búsqueda Implacable” supone lisa y llanamente un regreso a las fuentes del cine de acción de los noventa. No ha venido del cine Hollywoodense en este caso, sino del ascendente cine de acción francés. En todo caso, celebro abiertamente que este tipo de filmes conserven el espíritu de lo visto en aquellos tiempos. Quien extrañe este tipo de cintas, o haya disfrutado de la estupenda “Hombre en Llamas” con Denzel Washington, no debería perderse bajo ningún punto de vista “Búsqueda Implacable”. Altamente recomendable.

Calificación de la Película: Excelente.

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Crítica de "Arrástrame al Infierno" ("Drag Me To Hell" USA 2009)

2009-10-03T12:13:00.008-03:00

Sinopsis: Una joven debe desalojar a una anciana de su hogar por falta de pago. A raíz de esto será víctima de una maldición sobrenatural, lo cual convertirá su vida en un verdadero infierno. Desesperada y con la ayuda de su novio, intentará por todos los medios librarse de la maldición y salvar su alma.
Y aquí creo que realmente he pecado en tener las expectativas tan altas con esta película del muy buen cineasta Sam Raimi. Tanto me había intrigado el fabuloso trailer (como en general lo son todos los trailers!) que no dudé en echarle un vistazo a modo de entretenimiento a una película que en general brinda lo que se propone pero que ni de cerca logra convertirse en ningún momento en un buen producto cinematográfico.
Aclarando que “Arrástrame al Infierno” puede ser vista por muchos espectadores como un divertimento espectacular y efectivo, también creo que la cinta peca de exageración por absolutamente todos sus costados. Esa es la palabra que a mi modo de ver termina por sepultar una propuesta que tratada de una manera más seria (lo cual claramente no es la intención del filme) hubiera dado un producto mucho más interesante desde todo punto de vista.

La cinta comienza mostrándonos la vida diaria de Crhistine Brown (Alison Lohman) quien se desempeña en un alto puesto de un banco y que debe negar una prórroga de su préstamo a una anciana, por lo cual esta última será desalojada de su casa prácticamente de inmediato. Ante esto, Crhistine será victima de una maldición gitana que ha invocado a un espíritu sobrenatural para que destruya su alma en un plazo de tres días. Con la ayuda de su novio Clay Dalton (Justin Long), Crhistine buscará por todos los medios librarse del hechizo diabólico al que fue sometida.

Y aquí el guión corrió por cuenta tanto de Sam Raimi como de Ivan Raimi, y créanme que los pros y contras de la película se encuentran dentro del mismo libreto y de como este se plasma en pantalla. Por un lado tenemos una historia de suspenso con toques sobrenaturales muy bien armada e interesante, pero por otro lado tenemos esa misma historia totalmente pisada y arruinada por diferentes factores. A saber: Demasiada exageración en absolutamente todas las escenas. Y esto no es algo que va decreciendo a medida que avanza la cinta sino todo lo contrario. Escena tras escena Raimi plantea de manera muy poco eficaz el hecho de convertir a la cinta en un mero divertimento, mezclado con escenas asquerosas totalmente exageradas e innecesarias. Quizás a muchos espectadores les encante este tipo de cine, pero particularmente esa tremenda mezcla de géneros y diferentes factores cinematográficos me produce un sentimiento encontrado a la hora de disfrutar de un filme y eso mismo es el anticlímax. Esto sucede todo el tiempo, durante todo el metraje del filme. Cuando uno se acostumbra a estar viendo algo de suspenso muy bien armado, Raimi lo tapa con una escena que va directamente para el chiste o que lo único que hace es sacarte una tremenda carcajada. Creo que eso es lo malo en líneas generales de un guión que tiene un buen ritmo narrativo pero que lamentablemente naufraga preso de otros inconvenientes mas graves.

No hay problemas en cuanto a la dirección técnica del filme a cargo de Raimi. Creo que es un cineasta muy solvente que ha dado grandes filmes y que aquí utiliza la cámara de manera muy eficaz en muchísimas escenas. Es fantástica la manera en que genera real suspenso en muchas tomas, aunque también vale aclarar que el hecho de exagerar absolutamente todo le termina jugando en contra en el 70% de las escenas del filme.

Quizás la mayor sorpresa de la película, por lo menos para mi, es la excelente actuación de Alison Lohman en el rol protagónico de la cinta. Su caracterización es muy buena por una sencilla razón. Entendió a la perfección lo que Sam Raimi le pidió que hiciera a lo largo de los 99 minutos de metraje. En líneas generales, la chica no tiene problemas en pasar de escenas de real suspenso a momentos cómicos con una naturalidad pocas veces vista. Sin dudas lo mejor por lejos del filme. Quizás quien brinda una actuación mucho más floja es Justin Long, quien siendo un muy buen actor (demostrado fehacientemente en “Jeepers Creepers” y en “Die Hard 4.0”) no logra despegarse de un tono demasiado tonto y pasivo para su personaje.

En definitiva y como bien dije en párrafos anteriores, “Arrástrame al Infierno” se ha convertido sin lugar a dudas en una cinta sumamente entretenida y divertida para una amplia cantidad de espectadores. Por mi parte y literalmente hablando, esta cinta me ha parecido un total despropósito a la hora de brindar un buen producto cinematográfico. Siempre quedará rondando en mi cabeza lo que pudo haber sido el filme de haberse abordado de una manera más seria. Pero eso, supongo, sería materia de otro análisis más profundo.

Calificación de la Película: Mala.

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Crítica de "El Luchador" ("The Wrestler" USA - Francia 2008)

2009-09-21T22:28:00.006-03:00

Sinopsis: Allá por los años 80, Randy “El Carnero” Robinson era uno de los mejores luchadores profesionales. Ahora, veinte años después, él actúa frente a fanáticos de la lucha libre en gimnasios de escuelas secundarias y centros comunitarios en Nueva Yersey. Separado de su hija y sin posibilidad de mantener una relación real, Randy vive para sus fans y para disfrutar su propio espectáculo. Sin embargo, un ataque al corazón lo obliga a retirarse y evaluar su estilo de vida.
Hoy vamos a comentar en el blog la última película del cineasta Darren Aronofsky, (Director de la genial “Réquiem para un Sueño” y de la incomprensible “La Fuente de la Vida”, entre otras), la cual marcó realmente el gran regreso del genial Mickey Rourke a los primeros planos de la cinematografía mundial.

“El Luchador” es, en líneas generales y más allá de su total simpleza, una gran película. El guión corrió aquí por cuenta de Robert Siegel, quien brindó un libreto dramático tan simple como totalmente efectivo en su narración. La historia nos relata la vida de Randy Robinson, un aclamado luchador profesional de los años 80, que por diferentes cuestiones de la vida, solamente lucha en la actualidad en escuelas secundarias y centros comunitarios de Nueva Yersey. Ese no sería su mayor problema, ya que Randy se siente sumamente cómodo con su vida, pues al menos ser luchador profesional es lo que más quiere de su existencia. Pero luego de sufrir un inesperado ataque al corazón en una de sus presentaciones, y ante la recomendación de su médico de dejar de luchar, Randy comenzará a sentir una soledad muy marcada, lo cual lo empujará a tratar de recomponer la pésima relación que desde años atrás lleva con su única hija.

Y como dije en uno de los primeros párrafos de la crítica, lo interesante de esta película reside en el hecho de hacer de la simpleza una verdadera fortaleza. Fortaleza desde la narración, fortaleza desde la actuación de un soberbio Mickey Rourke y fortaleza desde una correctísima dirección de Darren Aronofsky. Si nos atenemos a la narración del filme, creo que estamos ante una cinta que nos brinda un libreto simple pero muy interesante y que contiene muchos ingredientes conocidos pero muy bien insertados en el guión. Todo es más o menos familiar en líneas generales. Personaje que tuvo su época de gloria y que veinte años después vive de esos recuerdos y que por alguna que otra causa caerá en desgracia y buscará por todos los medios remediar errores de su pasado. La película es básicamente eso. ¿Qué tuvo que hacer Darren Aronofsky para no tropezar en el intento? Pues dotar a la película de una buena narración, así como también de una filmación casi documentalista y más que nada sustentar al filme casi en su totalidad en la actuación de su personaje central.

Es muy interesante como Aronofsky maneja la cámara en esta cinta. Hay muchísimos planos secuencia muy bien filmados, como también muchísima cámara al hombro siguiendo al gran Mickey Rourke por detrás, prácticamente en la nuca del actor, lo que le da una estética dramática muy bien plasmada desde el punto de vista técnico. En lo que se refiere a la filmación de las escenas de lucha, la verdad es que están muy bien hechas y la cobertura de planos es la correcta y necesaria.

Pero el punto más fuerte e indispensable de esta cinta era centrarse de manera casi exclusiva en los diferentes sentimientos de su protagonista, y en eso creo que Aronofsky acertó de lleno a lo largo del filme. En ese sentido, Mickey Rourke brinda una actuación realmente excelente en todo el metraje, brindando diferentes matices a su personaje, el cual pasa de la alegría a la tristeza de un momento al otro, pero evidenciando que realmente se encuentra sumido en la más profunda soledad, lo cual le dará pie para tratar de recomponer lazos con su hija y tratar de comenzar una relación afectiva con el personaje que muy bien interpreta Marisa Tomei.

En definitiva, “El Luchador” es una muy recomendable cinta dramática, sustentada en la perfecta dirección de Darren Aronofsky y en la fenomenal actuación del genial Mickey Rourke. Si bien es cierto que el argumento y los giros que contiene la trama ya han sido vistos millones de veces, creo que Aronofsky narró la cinta de manera tan correcta que le dio una plataforma excelente al gran Mickey para que hiciera lo suyo desde la actuación. Y vaya si lo hizo. Realmente muy recomendable.

Calificación de la Película: Muy Buena.

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Crítica de "Katyn" ("Katyn" Polonia 2007)

2009-09-12T21:21:00.005-03:00

Sinopsis: Filme histórico en el que se recuerda la masacre de 22.000 oficiales polacos –uno de ellos el propio padre del director Wajda- a manos del Ejército Rojo Soviético en 1940, mientras la URSS invadía Polonia por el este, al tiempo que los alemanes lo hacían por el oeste. En Katyn – nombre del bosque cercano a Kiev (Ucrania) donde por orden de Stalin fueron asesinados los militares polacos – se narran los últimos días de estos oficiales y de sus familias, la angustia ante el destino incierto y la tragedia de un crimen que Rusia solo reconoció, en 1990, tras la caída del comunismo.
Bastante tiempo tardé en echarle un vistazo a este fantástico filme que allá por el 2007 compitió en la entrega de los Oscar a mejor película extranjera, y que tranquilamente podría haberse alzado con semejante estatuilla. Siempre he sido un fiel seguidor del cine bélico, pero sobre todo del cine bélico que relata sendas historias de la Segunda Guerra Mundial. Todo lo relacionado con aquella terrible e innecesaria Guerra (como cualquier otra) realmente me interesa de sobre manera. También creo que las mejores cintas sobre estos temas han llegado indudablemente de la mano del fantástico cine Europeo.

Si bien el cine Hollywoodense tiene grandes exponentes dentro de este género, en realidad creo que abusan en demasía de la vena comercial que todo producto yanqui suele tener. Por nombrar sólo algunos ejemplos tendríamos que citar cintas como “Rescatando al Soldado Ryan”, “Códigos de Guerra” u “Operación Valquiria”. Vale aclarar también que dentro de lo llamado cine mas serio y dramático entrarían joyas indiscutidas del séptimo arte tales como “La Delgada Linea Roja” o “La Lista de Schindler”, por nombrar solo algunas. La diferencia principal que veo entre las producciones Hollywoodenses y Europeas es la tremenda crudeza y dramatismo que muestran los filmes de este último continente, como también sucede en esta correctísima película polaca titulada “Katyn”, que hoy comentaremos en el blog.

Andrzej Wajda ha sido el encargado de contar esta impactante historia sobre el tremendo hecho real sucedido en los bosques de Katyn durante el año 1940 cuando Polonia era literalmente ocupada territorialmente tanto por la Alemania Nazi como por la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas. Wajda recrea con sumo realismo y profesionalismo una muy dramática historia que lamentablemente tuvo a su padre entre los oficiales polacos asesinados en dicha masacre. (Recomiendo investigar un poco sobre el real suceso ya sea en internet o con otras herramientas porque es una historia francamente interesante). Creo que la película está tan bien narrada y filmada que sirve tanto como documento histórico, así como también como un perfecto producto cinematográfico.

Wajda supo reflejar de manera perfecta aspectos técnicos indispensables a la hora de narrar historias dramáticas relacionadas con la Segunda Guerra Mundial. Esto es, una impecable fotografía con colores opacados para remontarnos a la época en cuestión, así como también un diseño de producción realmente excelente. Pero más allá de todo esto, creo que Wajda narró de manera muy correcta la cinta. Recurriendo muchísimo a necesarios flashbacks la película por momentos va y viene en el tiempo, pero sin confundir en ningún momento al espectador. Realmente un trabajo impecable de Wajda, a quien encima no le tiembla el pulso para mostrar con una crudeza y un realismo impactante varias escenas muy difíciles de filmar por su alto contenido dramático. Sin dudas una dirección muy pero muy correcta de un director sumamente experimentado.

De las actuaciones realmente no hay mucho para decir más que palabras de elogio para casi todo el elenco. Realmente en Europa las actuaciones son cada vez mejores y de por si se notan en cada una de estas impecables producciones. Vale destacar en “Katyn” al personaje de Anna (interpretada por una extraordinaria Maja Ostaszewska) quien prácticamente es la columna vertebral de toda la faceta dramática de la película. Su personaje es tan sufrido y está tan bien actuado que realmente es difícil que el espectador no se sienta identificado de inmediato con ella.

En conclusión, creo que cualquier espectador que se vea interesado por este tipo de historias disfrutará de esta película tan bien hecha titulada “Katyn”. También si disfrutaste de excelentes cintas alemanas como “La Caída” (“Der Untergang”) o “Sophie Scholl”, “Katyn” te resultará un producto cinematográfico estupendo, tanto por su costado técnico como por su faceta dramática.

Calificación de la Película: Muy Buena.

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Crítica de "Misteriosa Obsesión" ("The Forgotten" USA 2004)

2009-08-31T21:18:00.005-03:00

Sinopsis: Cuando Telly Paretta, pierde a su hijo de 8 años, busca la ayuda de un psiquiatra que le ayude a sobrellevar el dolor que siente, pero sólo consigue oír que su hijo ha sido solo producto de su imaginación y que su mente ha estado imaginándolo durante ocho años. Cuando encuentra a un padre que ha pasado por la misma situación con su hija desaparecida, los dos se unen para descubrir e intentar encontrar las respuestas a este misterio.
Joseph Ruben es un cineasta al cual siempre recordaré por un par de cintas que literalmente me han gustado muchísimo y las cuales recomiendo abiertamente su visionado a todos los lectores de este blog. Si bien Ruben fue más bien reconocido por sus filmes “Sleeping with the Enemy”, con Julia Roberts y “The Good Son”, con unos jovencísimos Macaulay Culkin y Elijah Wood, sin lugar a dudas sus mejores cintas fueron el espectacular drama judicial titulado “Sólo ante la ley” (“True Believer”), filme dueño de un poderosísimo guión impecablemente narrado y de unas actuaciones descomunales de un elenco de lujo, encabezados por James Woods y Robert Downey Jr., y el thriller que hoy comentaremos, titulado “Misteriosa Obsesión” (“The Forgotten”).

La película comienza relatándonos la penosa vida que lleva Telly Paretta (Julianne Moore), quien luego de perder a su hijo de 8 años en un accidente aéreo, se encuentra sumida en una gran depresión. Ni sus visitas psicológicas ni la ayuda de su esposo sirven de nada para aliviar su profundo dolor. Hasta que un día recibe la peor noticia. Su psiquiatra le dice que en realidad su hijo nunca existió y que todo ha sido producto de su imaginación. Desesperada luego de semejante revelación, Telly comenzará una incansable búsqueda de la verdad y no se detendrá ante nada ni nadie.

Cuando hablamos de “Misteriosa Obsesión”, creo que estamos ante una película sin términos medios. Hay mucha gente a la que le ha gustado el filme y hay muchísima gente (la gran mayoría) a los que les ha parecido una completa basura que solo les ha hecho perder un preciado tiempo frente a la pantalla. Debo admitir que estoy dentro del primer grupo, ya que “Misteriosa Obsesión” resultó ser para mí una muy grata sorpresa de cómo una película de suspenso con un guión simple pero ingenioso puede mantener al espectador atento a la historia, ya que la misma se desarrolla con unas cuantas vueltas de tuerca muy bien ejecutadas y correctamente narradas.

Gerald Di Pego fue el encargado de escribir el muy buen guión que posee “Misteriosa Obsesión”, centrándose más que nada en un par de puntos fuertes que terminan siendo en definitiva la columna vertebral de la cinta. Por un lado tenemos el tremendo drama que sufre nuestra protagonista (interpretada por una formidable Jualianne Moore) cuando se le dice que todo lo que ella cree real pues, en definitiva no lo es. Al negarse a aceptar semejante revelación, Telly emprenderá una frenética búsqueda de la verdad, por lo cual la cinta comenzará a girar cada vez más del drama hacia el suspenso, mostrando el filme diferentes sorpresas y revelaciones ya sobre su segundo tramo, llegando a un desenlace perfectamente armado a mi modo de ver, ya que toda la historia y diferentes subtramas cierran a la perfección. Mucha gente acusa al tramo final del filme de demasiado simplista, pero la verdad es que no lo sentí para nada de esa manera. Si bien la historia podía haber tomado diferentes rumbos, creo que el que se eligió puede gustar o no, pero en definitiva cierra de manera muy correcta la historia y lo que en ella se cuenta.

Joseph Ruben es en definitiva un sólido director, y aquí lo demuestra ubicando la cámara siempre en el lugar correcto y brindando un par de escenas con excelentes efectos especiales que de por sí solas pagan el visionado de la cinta. Creo que Ruben filmó de manera muy correcta la película, mostrando drama cuando tenía que mostrarlo y centrándose en generar mucha tensión cuando tenía que hacerlo, sobre todo en su tramo final, excelentemente filmado.

Párrafo aparte merece la actuación de Julianne Moore, quien literalmente la descose de principio a fin. Ni más ni menos que eso. Sabemos que Moore es una actriz muy talentosa, pero es realmente impactante verla desenvolverse con tanta naturalidad en pantalla, sobre todo en roles protagónicos como los de “Misteriosa Obsesión”, en dónde debe explorar una faceta dramática muy difícil de interpretar. De más está decir que no sólo lo hace sin despeinarse sino que su actuación es para ver una y otra vez sin cansarse en absoluto.

En definitiva, “Misteriosa Obsesión” no es ni más ni menos que una película de suspenso muy entretenida y excelentemente filmada. Reitero, no es un filme con términos medios. O se ama o literalmente se odia. Creo que su tramo final se encarga de ello. Por mi parte, realmente ha sido un producto cinematográfico que he disfrutado desde su comienzo hasta su más que correcto desenlace. “Misteriosa Obsesión” es en conclusión y desde mi humilde punto de vista, un producto cinematográfico muy recomendable.

Calificación de la Película: Muy Buena.

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Crítica de "Los Secretos del Poder" ("State of Play" USA - Inglaterra - Francia 2009)

2009-08-23T20:02:00.007-03:00

Sinopsis: El Congresista Stephen Collins representa todo para su partido pues es un candidato honorable. Todos los ojos están sobre él y sus posibles contrincantes para la presidencia, hasta que su amante es asesinada y sus secretos salen a la luz. McCaffrey, un reportero viejo amigo de Collins, debe investigar a Stephen. Mientras se busca al asesino las estructuras del poder se sacuden pues con el escándalo en ciernes, ni el amor, la vida o la integridad de nadie está a salvo.
Realmente no abundan en el mercado Hollywoodense de hoy en día los denominados thrillers políticos. Recuerdo haber visto en el 2005 una correcta cinta del lamentablemente fallecido Sidney Pollack titulada “La Intérprete” (“The Interpreter”), la cual contaba en su elenco protagónico con dos figuras de enorme peso como lo son Sean Penn y Nicole Kidman. Más allá de esa cinta en particular, el resto de los filmes dedicados a las problemáticas políticas últimamente sólo fueron dedicados a tratar la problemática de Medio Oriente post 11 de Septiembre con unas cuantas cintas interesantes. A saber: “El Sospechoso”, “Vuelo 93”, “Syriana” o la sorprendentemente buena “Leones por Corderos”. “Los Secretos del Poder” es la nueva cinta de Kevin Macdonald (director del sensacional filme “El Ultimo Rey de Escocia”) quien teniendo a un elenco tremendamente eficaz y por sobre todo a dos de los mejores guionistas de los últimos años, ha dado un thriller político sumamente eficaz e interesante, tanto desde su cuidadísimo apartado técnico como desde su efectivo guión y desarrollo.

La película comienza relatándonos el aparente suicidio de Sonia Baker, asistente del ascendente congresista Stephen Collins (Ben Affleck), quien se encuentra metido en una profunda investigación sobre diferentes contratistas del Departamento de Defensa de los Estados Unidos. Pero al conocerse la íntima relación de Collins con Sonia, toda su investigación quedará a un lado y pronto se verá envuelto en un impensado escándalo mediático. Solamente el periodista y amigo de Collins, Call McAffrey (Russell Crowe) creerá en la palabra del congresista y pondrá manos a la obra para limpiar su nombre y llegar al fondo de la situación con la ayuda de su nueva asistente Della Frye (Rachel McAdams).

El guión de la cinta corrió aquí por cuenta de dos muy buenos exponentes del cine actual, los cuales se complementaron de manera perfecta en este filme y dieron un libreto lleno de detalles, muy interesante en cuanto al desarrollo de su historia y por sobre todo perfectamente armado y sumamente bien narrado. Tony Gilroy (guionista de la trilogía de cintas de “Jason Bourne” y del estupendo filme titulado “Michael Clayton”) y Matthew Michael Carnahan (guionista del espectacular filme “Leones por Corderos”), fueron los encargados de contar una historia de esas en las que parece que no sucediera absolutamente nada, pero que con el correr de los minutos diversas revelaciones, investigaciones y vueltas de tuerca en la trama irán delineando un guión sumamente correcto y efectivo. Toda la trama política de la cinta se encuentra perfectamente armada y la importancia que se le da aquí a la investigación periodística es casi la columna vertebral del filme. Esto último me hizo recordar por momentos al genial filme “El Informante”, aún sin llegar a la magnitud de aquella cinta. Aquí la forma de conducir la película hace recordar más que nada al filme “Michael Clayton”, que marcó el debut de Tony Gilroy como director. En definitiva, un guión eficaz, intrigante y perfectamente armado.

Kevin Macdonald dirigió la cinta de manera espectacular. Muy bien en rubros técnicos, con movimientos de cámara sencillos y efectivos y una calidad de fotografía notable, dándole una estética muy recomendable al filme, mezclando la tecnología de filmación en 35mm con alguna que otra toma digital. Pero más allá de todo esto, Macdonald supo no desaprovechar desde el punto de vista narrativo el ingenioso y efectivo guión que tenía en sus manos.

Y el elenco termina de redondear uno de los puntos fuertes del filme. Se que mucha gente odia a Ben Affleck, pero la verdad es que desde que debutó en la dirección con la fantástica cinta “Desapareció una Noche” (“Gone Baby Gone”), su carrera ha remontado notoriamente. Su actuación en esta cinta lo demuestra, y abiertamente. Pero a decir verdad, quien se lleva las palmas dentro de las actuaciones es el genial Russell Crowe, a quien mucho no le importa la diversidad de papeles que pueda interpretar, porque la realidad es que Crowe es un actor tan dúctil que se desempeña de manera notable en absolutamente todos los géneros. Algo similar pasa con Rachel McAdams, actriz que se desenvuelve de manera fantástica en cuanta cinta se le pase por delante.

En definitiva, “Los Secretos del Poder” es un thriller político totalmente eficaz y recomendable, dueño de un poderoso guión excelentemente narrado y mejor filmado. Si te gustó “Michael Clayton” o disfrutás de este tipo de películas, creo sinceramente que “Los Secretos del Poder” no es un filme para dejar pasar. Absolutamente recomendable.

Calificación de la Película: Muy Buena.

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Crítica de "Estado de Gracia" ("State of Grace" USA 1990)

2009-08-16T11:16:00.007-03:00

Sinopsis: Frankie (Ed Harris) le da la bienvenida a Terry Noonan (Sean Penn), quien vuelve al barrio y a la organización después de una larga ausencia. Durante su tiempo fuera, Terry se transformó en policía de Boston, factor que es desconocido por el resto del grupo. Terry se infiltra en la banda para derrotar a los gangsters irlandeses antes de que hagan un trato con la mafia italiana.
Y que mejor que festejar las 100 críticas de Cinenovedades con una película que define casi a la perfección lo que es mi pasión por el cine y sobre todo mi pasión por el cine policial, algo que ya saben muy bien a esta altura casi la totalidad de los lectores de este blog, sobre todo un gran amigo blogger, Damián de Ojo al Parche, quien con total justicia me cataloga literalmente como “fanático de este género”. A él y a todos los lectores de este humilde blog va dedicada la crítica de “Estado de Gracia”, una de las mejores cintas policiales de los años noventa sin lugar a dudas.

Dos años antes de que el director Phil Joanou dirigiera una más que correcta cinta de suspenso titulada “Deseo y Decepción” (“Final Analysis”), filme que contaba en el elenco con los ascendentes Richard Gere, Kim Basinger y Uma Thurman, Joanou se despachó con la más injustamente olvidada cinta de los años noventa. Sí, estamos hablando de “Estado de Gracia”, un policial realmente extraordinario por donde se lo mire. Un producto cinematográfico de una calidad enorme que pasó en su momento casi sin pena ni gloria por absolutamente todos lados.

La película comienza relatándonos la historia del policía de Boston Terry Noonan (Sean Penn) quien vuelve a su viejo barrio de la infancia, en dónde no solo había dejado de lado sus amistades, sino también los problemas delictivos en los que ellos estaban metidos. Su regreso al barrio no sólo lo devuelve a su vieja vida y a sus amistades, sino que también trae aparejado un trabajo encubierto como policía de Boston. Debe detener a la mafia de sus amigos antes de que concreten un nuevo trato con la mafia italiana y todo su esfuerzo sea demasiado tarde. Sin embargo, Terry deberá decidir entre su deber como policía o su inquebrantable amistad de antaño, sobre todo la de su fiel amigo Jackie (Gary Oldman).

Aquí el guión corrió por cuenta de Dennis McIntyre (lamentablemente fallecido el 1 de Febrero de 1990, muy poco tiempo después del estreno de la cinta, la cual significó su único guión cinematográfico), quien brindó un libreto genial de principio a fin. Un guión que es una joya ya desde su comienzo, en donde Terry se infiltra en la organización criminal de los amigos de su infancia para cumplir su labor policial, pero que también va sintiendo muchísima culpa interna por el hecho de tener que juzgar a sus propios amigos (según lo que su mismo personaje le dice en un momento a su jefe de policía, interpretado por un eficiente John Turturro). Esa lucha interna que el personaje de Sean Penn mantiene durante casi todo el filme, es la columna vertebral de un guión plagado de aciertos. Aciertos en el ritmo narrativo. Aciertos en la estupenda narración y desarrollo de personajes, y aciertos desde el punto de vista del suspenso y el drama que el filme genera en dos horas y diez minutos que se pasan realmente volando.

Phil Joanou fue el encargado de la dirección de la cinta, y la verdad es que no tengo más que palabras de elogio para un director que si bien no ha tenido una carrera de lujo ni mucho menos, sí ha dado aquí un trabajo estupendo para el recuerdo cinéfilo de cada uno de los amantes de los policiales y del cine en general. Joanou supo recrear muy bien desde la impecable fotografía, el barrio en donde se desarrolla la trama principal, además de plagar a la cinta de un drama muy realista a través de situaciones traumáticas en muchísimos momentos del filme. Por eso la película pasa de manera extraordinaria del policial al suspenso y del suspenso al drama y viceversa sin ningún tipo de problemas, ya que la combinación de un estupendo guión con una fabulosa narración ha dado un producto cinematográfico sin fisuras, hasta alcanzar una escena final memorable por la combinación de distintas imágenes dignas de un montaje espectacular.

Y si hablamos de las actuaciones, literalmente son para el recuerdo. Aquí tenemos interpretaciones fabulosas, fabulosas y fabulosas. Así de sencillo. Comenzando por un ascendente Sean Penn, quien luce sumamente correcto en el rol del policía encubierto a quien su pasado puede jugarle una mala pasada, pasando por un más que correcto Ed Harris en el rol del líder de la banda criminal, y finalizando por un fabuloso Gary Oldman en el mejor papel de su carrera cinematográfica por lejos (quizás junto con el de “El Perfecto Asesino”), interpretando al hermano de Frankie (Ed Harris) pero siendo el mejor amigo y compinche del personaje de Sean Penn, lo cual le dará un matiz dramático soberbio a la película.

En definitiva, “Estado de Gracia” es literalmente el mejor policial que he visto en mis 32 años de vida. Un producto cinematográfico hecho con el alma y con una calidad cinematográfica tan alta que perdura en el tiempo de manera envidiable. Una película altamente recomendable.

Calificación de la Película: Excelente.

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Crítica de "La Ultima Casa a la Izquierda" ("The Last House On The Left" USA 2009)

2009-08-09T11:42:00.006-03:00

Sinopsis: La noche en que Mari y su amiga Paige llegan a la solitaria casa que los Collingwood tienen a la orilla del lago, son secuestrados por Drug, un psicópata que se ha escapado de la cárcel, y sus compañeros, su perturbada novia Sadie, su sádico hermano Francis, y su anulado hijo Justin. Los secuestradores abandonan a Mari, convencidos de que ha muerto. Aterrorizada, sabe que su única posibilidad de supervivencia es encontrar a sus padres John y Emma. Por desgracia, sus atacantes se han refugiado en el único sitio donde ella estaría segura. Cuando los padres de Mari se enteren de la terrible historia, conseguirán que tres extraños se arrepientan eternamente de haber entrado en la última casa a la izquierda.
Y como es plena costumbre últimamente, Hollywood no para de hacer remakes de cualquier cinta que se les cruce por delante y en este caso le ha tocado al clásico de Wes Craven del año 1972, “La Ultima Casa a la Izquierda”, película que aclaro no haber visto hasta el momento.

Aquí Wes Craven se alejó de la dirección de la cinta y se mantuvo sólo en el rol de productor de la misma, dejando que el trabajo de guionistas recale en Carl Ellsworth (quien venía de trabajar con el bueno de Wes en el gran thriller titulado “Vuelo Nocturno”, y que también tiene en su haber el guión de la cinta “Paranoia”, protagonizada por Shia LaBeouf), y Adam Alleca.
Debemos aclarar (por lo menos en mi opinión), que la historia que se cuenta en “La Ultima Casa a la Izquierda” es ya de por sí muy interesante, más allá de la simpleza general que rodea al libreto de la cinta.

De esta manera, los guionistas han dado un trabajo muy solvente, sobre todo en la primera mitad del metraje, en donde el suspenso y diversas situaciones bastante tensionantes se apoderan de la pantalla de una forma sumamente realista. Ya sobre la segunda mitad del metraje, la película caerá en algún que otro bache más que nada debido a que la sorpresa inicial se ha perdido, pero aclarando que la tensión y el suspenso se mantienen en un buen nivel hasta el final de la película. En líneas generales, estamos ante un guión simple pero muy bien estructurado, con un correcto desarrollo de personajes y con un estilo narrativo sumamente eficiente para este tipo de productos.

La dirección de la cinta recaló en esta oportunidad en el cineasta griego Dennis Iliadis, quien se puso en mente un par de elementos fundamentales para que este proyecto cinematográfico estuviera acorde a lo esperado por los fanáticos del cine de terror en general. Por un lado mantuvo un suspenso constante de principio a fin, lo cual no es algo menor en una cinta de horror como esta, pero por otro lado, todo el aspecto técnico del filme es impecable. El manejo de cámaras es realmente muy pero muy bueno, mostrando muchísimos primeros planos cuando las escenas requerían más fuerza desde lo visual, en dónde no se escatima en ningún momento en mostrar muchísima violencia en unas cuantas escenas durante toda la cinta. Asimismo, Iliadis se ha manejado muy bien en todo lo que es el manejo de cámaras de forma lenta durante la segunda mitad del metraje, ya en la casa principal de los protagonistas del filme, con muy buenas coberturas de planos y escenas de peleas muy bien ejecutadas y excelentemente filmadas. En otros rubros técnicos, hay que destacar la impecable dirección de fotografía a cargo de Sharone Meir, quien logra un trabajo muy acertado de principio a fin, sobre todo durante la primera mitad del metraje, cuando las chicas protagonistas son secuestradas y llevadas a un bosque cercano en donde se utiliza de manera impecable la cámara y en donde la fotografía cobra un excelente valor adicional, contrastando su filtro con la violencia que se muestra en las imágenes durante ese tramo. Una más que correcta banda sonora terminan de redondear una labor técnica impecable en una película que en líneas generales estuvo sumamente cuidada.

En el rubro actuaciones, realmente todas son correctas y por sobre todo muy parejas entre sí. Quizás se destaquen dentro del elenco el actor Garret Dillahunt, en el rol del personaje más sádico de la banda de criminales, mostrando muy buenos momentos en pantalla, aunque quizás sobreactuando demasiado en ciertas escenas. Quien sí es un actor con muchísimo más aplomo y lo demuestra en la cinta es Tony Goldwyn, en el rol de padre de la chica atacada salvajemente, quien se encontrará con la oportunidad de vengarse de los atacantes de su hija al tenerlos más cerca de lo que él creía en un principio. Y para finalizar, siempre es grato ver en pantalla a Spencer Treat Clark (Sí, el Lucius de “Gladiador”), quien ya con 21 años en sus espaldas demuestra que sigue siendo un muchacho con muchísimo talento para la industria cinematográfica.

En definitiva, “La Ultima Casa a la Izquierda” es una cinta de terror muy bien narrada pero por sobre todo excelentemente filmada. Un producto cinematográfico que contiene bastante suspenso, violentas escenas y una historia que atrapa desde el comienzo, lo cual no es poco para los tiempos que corren.

Calificación de la Película: Buena.

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Crítica de "El Aura" ("El Aura" Argentina - España 2005)

2009-08-02T12:20:00.008-03:00

Sinopsis: Un taxidermista parco, introvertido y honesto, tiene una obsesión: durante los últimos años, una y otra vez ha planeado e imaginado los asaltos más perfectos. Llevado a los lejanos bosques del sur a compartir una jornada de caza, un trágico accidente lo conecta inesperadamente con la posibilidad de ejecutar un verdadero delito. Al mismo tiempo, debe luchar con su mayor debilidad: es epiléptico. Experimentará “El Aura”, un momento de extraña iluminación en donde todo se confunde en una arrolladora desorientación, antes de sucumbir a una crisis. Crisis que caerán sobre él cuando menos lo espere, cuando más necesite de todos sus sentidos.
Luego de haber saltado a la fama por haber escrito y dirigido el filme “Nueve Reinas” (cinta que nunca llegó a convencerme en demasía y la cual humildemente creo que se encuentra bastante sobrevalorada), el director argentino Fabian Bielinsky continuó con su carrera con este muy bien thriller dramático titulado “El Aura”, el cual lamentablemente significó el último filme de su corta carrera, tras su lamentable muerte en Junio del 2006.

La película comienza relatándonos la vida de Esteban Espinosa, un taxidermista harto de su actual realidad, ya que su continua rutina laboral y afectiva lo están llevando al borde de un ataque psicológico. Para colmo de males, Esteban sufre de ataques epilépticos que dificultan su normal desenvolvimiento diario. Pero más allá de todo esto, Esteban tiene una especie de fantasía recurrente por cumplir, la cual no es ni más ni menos que perpetrar el robo perfecto. Luego de ser invitado por uno de sus amigos a cazar en los bosques del sur argentino, Esteban se encuentra (Luego de un trágico accidente) ante una oportunidad única en su vida de perpetrar el tan ansiado robo perfecto.

Aquí tanto el guión como la dirección de “El Aura” corrió por cuenta de Fabián Bielinsky, quien prácticamente rompió con una de las reglas silenciosas de la cinematografía en general. Me refiero al hecho de narrar una película en forma lenta pero interesante de principio a fin debido más que nada a dos causas principales. Una de ellas, es el hecho de que la trama de suspenso está muy bien armada, por lo cual la misma resulta muy interesante al haber diferentes elementos que gradualmente irán saliendo a la luz. Todo está bastante bien armado, ya que la película contiene muchísimos detalles sobre los cuales Bielinsky se aferra desde el comienzo de la cinta. El otro punto interesante del guión, reside en el hecho de haberle dado el tiempo necesario a cada personaje para su justo desarrollo (quizás en demasía en algunos casos), sobre todo en cuanto al rol protagónico de Ricardo Darín, quien en definitiva ocupa prácticamente la mayoría de los fotogramas de la película. Y así, una película de dos horas y diez minutos de duración, mantendrá al espectador atento a la resolución del problema principal de la trama, gracias a la buena narración de la película (lenta pero realmente efectiva), gracias a sus buenas actuaciones y por sobre todo, gracias a la excelente dirección de Fabian Bielinsky.

Sin dudas, uno de los puntos fuertes de “El Aura” es su impecable calidad técnica. La bellísima fotografía que el filme posee es uno de los tantos rubros técnicos en donde la película reluce, como también en ciertos movimientos de cámara en dónde Bielinsky demuestra su maestría a la hora del posicionamiento de la misma. Sólo basta con ver la escena del robo a una fábrica para darse cuenta lo que puede hacerse solamente con simples movimientos de cámara, y todo lo que la misma puede abarcar. Realmente impecable.

Dónde seguramente puede haber divergencias, es en el hecho del tiempo que Bielinsky se toma para narrar tanto la trama principal de la película como ciertos conflictos internos de los personajes. Quizás a algunos espectadores les parecerá que al filme le sobran unos cuantos minutos y escenas. Quizás a otros tantos les parecerá algo totalmente necesario para el correcto desarrollo y narrado del filme. Creo que más que nunca estamos aquí ante una cuestión de gustos, de la cual realmente dudo que pueda llegar a haber un término medio.

Las actuaciones son correctas, con un Ricardo Darín bastante solvente (aunque no logrando la maravillosa actuación que muchos críticos se han empeñado en señalar), interpretando a un taxidermista con problemas de epilepsia que de un día para el otro se encuentra con la oportunidad de su vida de perpetrar el robo perfecto. Creo que el matiz que Darín le dio a su personaje es el correcto, aunque en líneas generales me parece que se mantuvo fiel a lo que Bielinsky le solicitó, por lo cual no logró (en mi humilde opinión) soltarse en demasía en ciertos momentos de la película.

En definitiva, “El Aura” es un filme de ritmo lento pero seguro. Bielinsky procuró tomarse el tiempo necesario para narrar de manera más que correcta una interesantísima historia con unas cuantas sorpresas guionísticas ya sobre el tramo final del filme. Una película ciertamente recomendable desde todo punto de vista. Narrativo, técnico y actoral.

Calificación de la Película: Muy Buena.

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Crítica de "Rápidos y Furiosos" ("Fast and Furious" USA 2009)

2009-07-26T10:45:00.009-03:00

Sinopsis: Brian (Paul Walker) ha sido encarcelado debido a que los federales descubrieron que dejó escapar a Toretto (Vin Diesel). Sin embargo, ahora es liberado para que ayude a las autoridades a detener a un conocido importador de heroína llamado Braga. Con la ayuda de un informador llamado James Park, Brian consigue entrar en el equipo de criminales del traficante, y a partir de ahí elabora un plan para atraparlo.
Y sí, siguen las aventuras cinematográficas de estos muchachos amantes de los fierros (por sobre otras cosas), que arrancó allá por el 2001 con la sorprendentemente buena “Rápido y Furioso” (“The Fast and The Furious”), cinta que reunía lo mejor en calidad técnica en cuanto a carreras clandestinas y escenas automovilísticas de acción de primera calidad, pero que a su vez poseía una buena trama policial, lo cual daba un combo perfecto para un más que correcto producto cinematográfico.

Dado el auge económico de la primera entrega, dos fueron los años que se tardaron para lanzar a la pantalla grande una lamentable secuela, carente de toda idea guionística atrayente, por lo cual ni las solventes escenas de carreras y acción salvaban a aquel filme del naufragio total (sin siquiera mencionar los demasiados y tontos toques cómicos que fueron insertados en la cinta). Por esto último, no fue para nada raro que en el 2006, la tercera entrega de la saga, titulada “Rápido y Furioso, Reto Tokio” se trasladara de Continente hasta tierras orientales con bastantes cambios de estilos, a saber: muy poca trama policial, y tratar de situar la acción prácticamente en la edad adolescente con un actor muchísimo más joven. Debo admitir que la impecable calidad técnica de la cinta, me hizo olvidar algunos evidentes problemas de guión y pude disfrutar a pleno de un filme digno del mejor entretenimiento. Y así, llegamos al 2009 con “Fast and Furious”, cuarto filme de la saga, dónde Justin Lin repite dirección luego de la tercera entrega, pero dónde vuelven a la carga con prácticamente todo el elenco original, entre ellos, Vin Diesel, Paul Walker, Jordana Brewster y Michelle Rodríguez.

Realmente uno cuando ve este tipo de cintas, no espera otra cosa que dos horas de puro entretenimiento y un guión medianamente interesante. ¿Pasa alguna de estas dos cosas en “Rápidos y Furiosos”? Pues la respuesta es sí y no. Literalmente. Aquí la trama está cronológicamente insertada entre lo que sería el final de la segunda entrega y el comienzo de la tercera. Crhis Morgan, guionista del filme, intentó volver a los orígenes de la saga e insertar una trama policial que sirviera de empuje para el fenomenal despliegue técnico que la cinta debería haber tenido. Y digo debería, porque realmente en materia técnica estas cintas no pueden fallar, y lamentablemente “Rápidos y Furiosos” lo hace, y con bastante frecuencia.

Quien había hecho un impecable trabajo técnico en la tercera entrega, el director Taiwanés Justin Lin, naufraga aquí increíblemente preso del excesivo y tremendamente exagerado uso del CGI, dando un par de secuencias de acción muy logradas, pero también brindando unas cuantas escenas dignas de estar viendo “Meteoro: La Película” (sin menospreciar el filme de los hermanos Wachowski, que realmente está muy pero muy bien hecho). Sin ir muy lejos en el filme, la primera secuencia desarrollada en un larga ruta desértica está muy mal filmada y resuelta, lo que ya de por sí, predispone al espectador a lo que va a ver en el resto de la cinta. Si bien el ritmo narrativo es bueno y la película en general es entretenida, hay algo que definitivamente no me llegó a convencer. El hecho de querer juntar todo lo bueno de la primera, más la trama policial de la segunda, creo que no funcionó de acuerdo a lo esperado. Todo ya ha sido visto, y todo es demasiado previsible.

Tampoco ayudan demasiado las actuaciones. Ni Vien Diesel, ni Paul Walker brindan buenas actuaciones, sino performances meramente correctas. Quizás la mejor actriz de todo este grupo sea Jordana Brewster, una muy buena actriz, que no ha tenido a lo largo de su carrera un gran rol protagónico salvo el de “La Masacre de Texas, el Inicio”, donde cumple y con creces.

En definitiva, “Rápidos y Furiosos” es una cinta entretenida, que tiene un buen ritmo narrativo y que puede llegar a gustarle a la gran mayoría de los fans de la saga. Por mi parte, creo que literalmente esta saga se encuentra totalmente agotada. “Rápidos y Furiosos” es una mezcla de tramas de sus dos primeras entregas, lo cual no estaría del todo mal si hubiera estado acompañada de un buen apartado técnico. Por momentos lo logra y por momentos francamente naufraga por absolutamente todos lados. Una lástima, ya que creo que la saga se merecía un regreso a las fuentes, que en este caso ha quedado literalmente a medias.

Calificación de la Película: Regular.

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Crítica de "Epitafios 2" ("Epitafios 2" Argentina 2009)

2009-07-18T16:57:00.008-03:00

Sinopsis: Los detectives Renzo Marquez y Marina Segal regresan para detener a un homicida que ve el asesinato como una de las más bellas formas de arte. De la mano de un misterioso paciente psiquiátrico, quien logra anticipar los sucesos, se desata una carrera contra el destino y contra sus propios fantasmas.
Allá por el 2004, una coproducción entre Polka Producciones y HBO veía la luz con un suceso pocas veces visto por estos lugares. Aquella miniserie de trece capítulos titulada “Epitafios” y que contaba con las actuaciones de Julio Chavez, Cecilia Roth y Antonio Birabent se convirtió en un rotundo éxito de taquilla, siendo luego distribuida de manera masiva a distintos países del mundo. No resultó entonces para nada raro que cinco años después de dicha miniserie, Polka Producciones y HBO decidieran lanzar la segunda temporada de la misma, en dónde repiten elenco nuevamente tanto Julio Chavez como Cecilia Roth, pero que a su vez incorpora a un tremendo actor como Leonardo Sbaraglia.

La segunda temporada de “Epitafios”, nos cuenta la historia de los detectives Renzo Marquez (Julio Chavez) y de Marina Segal (Cecilia Roth), quienes deben dar caza a un despiadado asesino serial que al parecer recrea viejos crímenes como si se trataran de obras de arte. No todo será fácil para la Brigada, ya que el criminal parece estar siempre un paso delante de las investigaciones. Tanto Renzo como Marina, deberán trabajar en equipo para detener la ola de asesinatos que parece no tener freno.

“Epitafios” siempre fue una miniserie que se destacaba por sobre otros rubros, por sus impecables guiones. La dupla conformada por Walter Slavich y Marcelo Slavich escribieron una primera temporada llena de intrigas de todo tipo, que hacían que el espectador estuviera atento a la trama capítulo tras capítulo y revelación tras revelación, ya que la serie juega de eficaz manera con el típico género de asesinos seriales. Todo lo bueno que se hizo en esa primera entrega, se ha potenciado en esta impecable segunda temporada. Walter y Marcelo Slavich vuelven a hacerse cargo del libreto en esta segunda temporada y a decir verdad, han estado a la altura de la circunstancias con su guión, ya que el mismo tiene casi los mismos ingredientes que llevaron a “Epitafios” al tremendo éxito que obtuvo allá por el 2004. En “Epitafios 2” entonces, tendremos trece impecables capítulos narrados a la perfección, en dónde la tensión irá creciendo capítulo tras capítulo, culminando con un segmento final memorable y excelentemente resuelto.

La dirección de la miniserie corrió por cuenta de la dupla conformada por Daniel Barone y Alberto Lecchi, quienes brindaron un trabajo sin fisuras, tanto desde el punto de vista narrativo como desde el punto de vista técnico. A nivel narrativo, podríamos decir que contaban con una base guionística muy buena, pero tanto Barone como Lecchi reforzaron la miniserie con un trabajo técnico impecable y una dirección de actores maravillosa. En los trece episodios tendremos entonces asesinatos recreados de una forma muy realista, con bastante sangre recorriendo cada fotograma y un suspenso muy llevadero que atrapará al espectador desde el comienzo de la temporada.

En el rubro actuaciones, tenemos uno de los puntos más fuertes de “Epitafios 2”. A la ya conocida ductilidad de Julio Chavez y de Cecilia Roth, han sumado al actor que en definitiva termina siendo una de las herramientas más importantes de toda la miniserie. Nos estamos refiriendo al malo de turno, interpretado por un extraordinario Leonardo Sbaraglia. No exagero en absoluto si digo que su actuación es digna del aplauso, ya que tiene un personaje dificilísimo de interpretar, pero a su vez sumamente interesante por la cantidad de matices que el guión le brinda a lo largo de los trece episodios. Un personaje que pasará de la histeria y el sadismo a la sumisión y el miedo de un momento a otro constantemente durante toda la miniserie, y Sbaraglia realmente lo realiza con una calidad notable. Realmente una actuación para ver una y otra vez sin cansarse. No mucho más para agregar por el lado de Julio Chavez y de Cecilia Roth, más allá de decir que sus desempeños son realmente muy pero muy buenos, sobre todo la actuación de un Julio Chavez que despliega muchísima naturalidad en cada uno de los fotogramas sin demasiada complejidad.

En definitiva, no es absolutamente imprescindible haber disfrutado la primera temporada de “Epitafios” para echarle un vistazo a esta genial segunda entrega, aunque desde luego sí es recomendable, ya que aquella entrega del 2004 es una de esas pequeñas joyitas que andan rondando por el mundo de las miniseries. Con respecto a esta Segunda Temporada, solamente decir que es una extraordinaria continuación llena de suspenso e intriga a lo largo de trece impecables episodios.

Calificación de la Miniserie: Excelente.

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Crítica de "Gran Torino" ("Gran Torino" USA 2008)

2009-07-11T14:34:00.007-03:00

Sinopsis: Walt Kowalski (Clint Eastwood) es un veterano de la Guerra de Corea de carácter áspero que un día sorprende a su vecino adolescente (Lee Mong Vang) robando su posesión más querida: un coche Gran Torino del año 1972. Desde ese momento, Kowalski se empeñará en reformar al chico. Mientras tanto, su propio hijo intentará meterle en un asilo.
Y luego de haberse alejado de la actuación durante los últimos cuatro años, el gran Clint Eastwood (un cineasta realmente extraordinario), vuelve a formar parte de una película tanto delante como detrás de cámaras. Tras haber brindado la maravillosa cinta “El Sustituto”, Clint Eastwood termina de redondear con “Gran Torino” un 2008 perfecto que quedará en la memoria cinéfila de cualquier amante del séptimo arte por muchísimo tiempo.

La película comienza mostrándonos a Walt Kowalski, un veterano de la Guerra de Corea con un carácter bastante insoportable, tanto para su propia familia como para sus nuevos vecinos. Para colmo de males, el vecindario ya no es lo que era antes y el mismo se encuentra literalmente plagado de personas de origen oriental, lo cual a Kowalski no sólo no le causa ninguna gracia, sino que más bien lo irrita en demasía, sobre todo luego de la lamentable muerte de su esposa. Pero todo cambiará cuando uno de sus vecinos intente robarle su coche Gran Torino del año 1972. Ante este episodio, Walt reaccionará al comienzo de manera abrupta, pero al conocer los reales motivos que llevaron al muchacho a perpetrar dicho robo, comenzará a interesarse en la vida del chico y en su bienestar general.

El guión de la cinta corrió por cuenta de Nick Schenk y Dave Johannson, quienes brindaron un guión correcto de principio a fin con ingredientes de todo tipo de géneros cinematográficos. Esto es, bastante drama, un poco de suspenso (lo justo y necesario) e impecables momentos de humor para el lucimiento de un Eastwood brillante. Si me tuviera que jugar y decir que esta es una excelente película a causa de un impecable guión o a causa de que Clint Eastwood ha narrado ese guión de manera notable, evidentemente me quedo con la segunda opción. La narración del gran Clint es realmente muy solvente, y si bien la película tiene muchos momentos de cierta previsibilidad, esos momentos no sólo no molestan al espectador sino que literalmente es tan bueno lo que se muestra en pantalla, que todo lo demás pasa a segundo plano. Vale destacar que dentro de lo bien narrado que se encuentra el filme, tenemos el hecho de que Eastwood mezcla momentos de suspenso con momentos dramáticos con momentos de genuino humor de una manera tan natural que realmente sorprende. Así, tendremos algunas escenas de suspenso y acción muy necesarias en pantalla para el desarrollo de la historia, pero también tendremos ciertos momentos de humor también muy necesarios para narrar de manera eficaz la relación tanto de Walt con Thao (trama central de la película), como de Walt con la hermana de Thao (subtrama importantísima dentro del filme).

En el rubro actuaciones, tenemos prácticamente un monólogo de Clint Eastwood de principio a fin. Sin caer en la sobreactuación, sin hacer demasiadas gesticulaciones innecesarias, al tipo le sobra clase para cargarse la cinta al hombro ya desde el comienzo del metraje. Pasar del humor al drama y del drama al humor no es algo para nada fácil, solo que Clint hace que parezca algo sumamente sencillo. La ley primera de la actuación es hacer parecer que uno no actúa, y Clint logra una naturalidad muy llamativa con su personaje.

Con respecto al resto de las actuaciones, voy a referirme a los dos personajes principales, interpretados aquí por actores no profesionales. Tanto Bee Vang como Ahney Her logran actuaciones dispares entre sí. Digamos que Ahney Her es la que más sorprende dentro de ese elenco no profesional, ya que muestra bastante soltura en su actuación, sobre todo en ciertas escenas que comparte con Clint Eastwood muy bien resueltas desde todo punto de vista. Quizás Bee Vang sea el actor que más problemas tenga para mostrar esa credibilidad que todo personaje necesita. Vang lo hace muy bien por momentos y no tanto en otros, a pesar de que considero que por ser su debut en la actuación, en líneas generales cumple con creces. De eso no me quedan dudas.

En definitiva, “Gran Torino” es una cinta que disfruté muchísimo desde el primer minuto del metraje hasta sus créditos finales. Evidentemente, Clint Eastwood es un cineasta de una calidad notable. Pero más allá de esa gran calidad que posee, lo que realmente sorprende es su vigencia. Vigencia que verdaderamente se nota en cada toma y en cada plano que nos regala en este muy buen drama que es “Gran Torino”. Altamente recomendable.

Calificación de la Película: Excelente.

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Crítica de "Cuenta Regresiva" ("Knowing" USA 2009)

2009-07-04T11:32:00.009-03:00

Sinopsis: Año 1958, unos niños guardan en una cápsula del tiempo varios documentos. Uno de ellos contiene extraños números. En el presente, John (Nicolas Cage), un profesor de astronomía, encuentra el documento sin entender su significado. Pronto descubrirá que son fechas en las que han ocurrido cosas terribles e intentará evitar que se cumplan las predicciones futuras.
Luego de consagrarse como un gran director tras las aclamadas cintas “El Cuervo” (“The Crow”) y “Dark City”, el cineasta Alex Proyas continuó su carrera cinematográfica con el entretenido filme “Yo, Robot”, en el que llevaba en el elenco principal al notable Will Smith, actor que sabemos puede hacerse cargo de diferentes tipos de papeles sin demasiados problemas, ya que su versatilidad a esta altura es bastante notoria. Cinco años fueron los que Alex Proyas estuvo alejado de la dirección cinematográfica hasta que se hizo cargo de la cinta de suspenso que hoy comentaremos, “Cuenta Regresiva”.

La película nos relata como en el año 1958 unos niños en edad escolar y prácticamente como tarea de una de sus clases realizan diferentes dibujos sobre como creen ellos que el futuro será. Una de las niñas de la clase, Lucinda Embry, escribe una inquietante secuencia de números que irá a parar junto con los dibujos de sus compañeros a una cápsula del tiempo. Cincuenta años después, el hijo de un profesor de astronomía descubrirá casi por casualidad dicha secuencia de números y su padre comenzará a investigarla más a fondo, al darse cuenta de que la misma se trata de una especie de premonición que aquella niña tuvo en su momento sobre desastres naturales que ocurrieron a lo largo del tiempo. John se encuentra ahora en una carrera contra el tiempo para tratar de descifrar los códigos del escrito para evitar futuras tragedias.

El guión de la cinta corrió por cuenta de Ryne Douglas Pearson (encargada del libreto de “Mercury Rising”, recordada cinta de suspenso y acción en dónde Bruce Willis ayudaba a un niño autista testigo de una gran conspiración) y de Juliet Snowden (Guionista de la flojísima “Boogeyman” allá por el año 2005). En líneas generales el guión de “Cuenta Regresiva” es bastante interesante de principio a fin, pero también vale aclarar que el mismo es quizás demasiado lineal. El libreto tiene dos tramos muy marcados y contrastantes entre sí, ya que la primera parte nos muestra muchísimo suspenso e investigación, en tanto que la segunda ya nos muestra una historia más ligada a algún que otro elemento fantástico, sin perder nunca la esencia de su primera parte. En definitiva, el guión termina siendo demasiado simple y previsible en algunos momentos, pero también vale aclarar que el mismo posee los ingredientes necesarios para hacer que la película sea bastante interesante de principio a fin.

Pero sin lugar a dudas, lo que hace que esta cinta suba unos cuantos puntos en su consideración final, es la espectacular dirección de Alex Proyas, quien brinda tres o cuatro escenas de desastres naturales que quedarán en la memoria cinéfila de cualquier persona que vea esta cinta porque literalmente esas escenas son extraordinarias. Todo el manejo de cámaras es perfecto, así como también la angulación de la misma y la espectacular cobertura de planos, necesarios para filmar semejantes escenas de manera tan perfecta. Ayudado por una correcta banda sonora del experimentado Marco Beltrami, Proyas narró la cinta de manera correcta. No ha sido una narración espectacular (De hecho el guión no se lo ha permitido), pero sí ha convertido a “Cuenta Regresiva” en un eficaz entretenimiento de acción y suspenso.

En materia de actuaciones tenemos de todo un poco. Comencemos por un Nicolas Cage que últimamente no ha pegado ninguna buena actuación, o mejor dicho, los trabajos en los que ha estado involucrado no han valido demasiado la pena. Muy lejos ha quedado el recuerdo de sus grandes actuaciones, sobre todo en cintas como “Adiós a Las Vegas”, “8MM” o “La Roca”, por citar los casos más emblemáticos. Sin embargo, “Cuenta Regresiva” le ha dado un protagónico en el que dentro de sus limitaciones actuales, Cage se ha sentido bastante cómodo. Haciendo un paralelismo entre como es en definitiva la cinta y como es su actuación en particular, deberíamos decir que ambas son correctas. En roles secundarios tenemos a una muy buena actriz como Rose Byrne, quien desempeña la mejor actuación de la cinta, aún teniendo en la película un personaje menos desarrollado por el guión que el que tiene Nicolas Cage. Vale aclarar también la buena dirección de Alex Proyas en cuanto a los niños de la cinta (quienes tienen un rol muy importante en la historia), ya que las actuaciones de Chandler Canterbury y Lara Robinson son muy pero muy buenas.

Para ir cerrando, “Cuenta Regresiva” es un eficaz entretenimiento de acción y suspenso, sustentado en espectaculares secuencias de desastres naturales filmadas a la perfección por el siempre eficiente Alex Proyas. Una cinta que pese a contener ciertos errores de narración, no deja de ser un sólido entretenimiento de principio a fin.

Calificación de la Película: Buena.

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Crítica de "Vuelo Nocturno" ("Red Eye" USA 2005)

2009-06-15T14:01:00.010-03:00

Sinopsis: Lisa Reisert odia volar, pero el terror que le espera en el vuelo nocturno a Miami no tiene nada que ver con el simple miedo a subirse a un avión. A tan sólo unos minutos de haber despegado, el compañero de asiento de Lisa, Jackson, le revela la verdadera razón por la que está a bordo de ese avión: debe matar a un hombre millonario, y Lisa es el punto clave para el éxito de la operación. Si se niega, otro asesino matará a su padre. Atrapada dentro de un avión, Lisa no tendrá forma de escapar ni de pedir ayuda.
El 2005 no había arrancado de la mejor manera para el más que conocido realizador Wes Craven, quien tomó la decisión de encarar el proyecto de la película “La Marca de la Bestia” (“Cursed”), con las actuaciones de Cristina Ricci y del ascendente Joshua Jackson. Aquella película, terminó siendo una cinta que si bien puede tildarse de entretenida, lamentablemente se encuentra varios escalones por debajo de lo que un cineasta como Wes Craven puede y por lo general está acostumbrado a brindar. No resultó raro, entonces, que Craven decidiera cambiar totalmente de género y despacharse con el filme “Vuelo Nocturno”, un entretenidísimo trhiller sin desperdicio alguno, con un manejo impecable del ritmo narrativo y del suspenso y con un más que convincente reparto de actores, sobre todo de su pareja protagónica principal, interpretada por Rachel McAdams y Cillian Murphy.

La película comienza relatándonos el viaje en avión que Lisa Reisert (Rachel McAdams) debe realizar por el lamentable fallecimiento de su abuela. Tanto antes de abordar el avión como luego en el mismo vuelo, Lisa entabla amistad con Jackson (Cillian Murphy), en lo que aparenta ser el comienzo de un posible romance. Pero todo se convertirá en pesadilla cuando Jackson amenace a Lisa (quien trabaja en la recepción de un lujoso hotel) para que lo ayude en el intento de asesinato de un importante político, amenazando de muerte a su padre si ella decide no colaborar con sus planes.

Aquí tenemos varias razones que convierten a este simple filme en una de esas joyas del entretenimiento de suspenso. Primero y principal, tenemos un guión para nada novedoso pero narrado a la perfección. Y por otro, tenemos el muy buen ritmo narrativo que Wes Craven despliega durante todo el metraje, factor que hace que “Vuelo Nocturno” se convierta en un producto sumamente entretenido de principio a fin. El guión de la cinta corrió por cuenta de Carl Ellsworth (quien luego trabajaría en “Disturbia”), quien brindó muchos puntos elogiables en el libreto que le entregó al bueno de Wes Craven. La estructura del guión está claramente dividida en dos partes, una primera de presentación de personajes y del conflicto central y una segunda parte donde se despliega toda la acción que la primera parte no posee. Más allá del contraste entre los dos segmentos, hay que decir realmente que la película está tan bien narrada y conducida que por lo general siempre llega a buen puerto.

Mucho también tiene que ver su director Wes Craven, ya que el manejo de cámaras que muestra en una primera parte plagada de suspenso y tensión es muy buena, sobre todo por como decide mostrar diferentes planos de acción y reacción de nuestros protagonistas en diferentes situaciones que el filme nos va brindando. Luego Craven volcará la cinta hacia el lado del entretenimiento de acción, asemejándose cada vez más la película a lo que Craven desarrolló por ejemplo en la famosa saga de “Scream”.

Con respecto a las actuaciones, creo que tenemos en ellas uno de los puntos más fuertes del filme, ya que el guión les brinda la posibilidad de lucirse de manera muy marcada, ya que muchos son los diálogos sumamente interesantes que la cinta posee, y dos grandes actores como Rachel McAdams y Cillian Murphy, supieron aprovecharlo a la perfección. Rachel McAdams se luce en el rol de una chica insegura en un comienzo que tendrá que sacar fuerzas de donde no tiene para tratar de remediar una situación sumamente comprometida. McAdams nos da una actuación excelente como en general nos tiene acostumbrados esta buena actriz, quien encima tiene la ductilidad para desempeñarse en diferentes géneros sin problema alguno. Otro que brinda una actuación tremenda es el genial Cillian Murphy, aquí como el malo de turno, quien le hará la vida imposible a nuestra protagonista con tal de llevar a cabo un tremendo plan homicida en contra de un político. No mucho que decir de Murphy, ya que este muchacho es otro de esos actores que prácticamente no necesitan presentación. Excelente actor en general, y genial en muchas secuencias de “Vuelo Nocturno”. Pero no quiero dejar de destacar también a ese eterno secundario y espectacular actor que es Brian Cox, aquí en el rol del padre de Lisa, amenazado de muerte en caso de que su hija no decida cooperar en el plan de asesinato que Jackson tiene en mente.

“Vuelo Nocturno” es sin lugar a dudas una cinta rara en la filmografía de Wes Craven, más que nada porque el bueno de Wes no nos tiene acostumbrados a inmiscuirse en este tipo de géneros. Más allá de eso, Craven ha brindado un producto cinematográfico de suspenso y acción muy recomendable desde todo punto de vista. Entretenimiento garantizado de principio a fin con muy buenas actuaciones.

Calificación de la Película: Muy Buena.

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Crítica de "Los Extraños" ("The Strangers" USA 2008)

2009-06-08T19:20:00.009-03:00

Sinopsis: Kristen McKay (Liv Tyler) y James Hoyt (Scott Speedman) habían decidido pasar una noche especial en la aislada segunda residencia de la familia Hoyt. Al regresar a casa después de asistir a la boda de una amiga, el mundo de la feliz pareja se derrumba cuando alguien llama a la puerta a las 4 de la mañana y pregunta: “¿Está Tamara?”.
Bastante suceso tuvo el debut del joven cineasta Bryan Bertino con este filme que hoy comento y que tuve oportunidad de ver días atrás. Vale aclarar de movida que me ha sorprendido gratamente la soltura con la que este joven se ha desenvuelto en todo lo que son los aspectos técnicos del filme como así también en lo que respecta al cuidado suspenso que contiene gran parte de la película. Pero como no todo lo que reluce es oro, Bertino quiso abarcar demasiado con este filme y de paso, se hizo cargo del guión del mismo y allí es en dónde la película hace agua por absolutamente todos lados y lo que en definitiva determina que “Los Extraños” sea una película de notable comienzo (aproximadamente su primera media hora) pero que a medida que avanza en su metraje se estanca en un callejón sin salida.

Todo comienza cuando una joven pareja interpretada por Liv Tyler y Scott Speedman regresan a casa luego de asistir a la boda de una amiga. La relación entre ellos no anda demasiado bien y para colmo de males, durante la noche comenzarán los problemas, al ser acechados por inquietantes individuos. Todo comienza cuando alguien llama a la puerta a las 4 de la mañana preguntando por “Tamara”. Este sólo será el comienzo de una terrible pesadilla para la pareja protagonista.

Como dije en el párrafo anterior, Bryan Bertino se hizo cargo del guión y de la dirección de la película, y allí residen sus virtudes y sus defectos, literalmente hablando. El guión de la cinta podría catalogarse como de lo más simple que pueda haber, pero en definitiva no es el libreto lo que termina matando a la película, sino la forma como el mismo se narra, ya que luego de unos primeros cuarenta minutos muy interesantes, dónde se nos presenta a los personajes principales y sus conflictos y el comienzo de lo que será una verdadera cacería humana, la película pierde total interés por varias razones. Una de ellas, porque pasados esos cuarenta minutos iniciales, la película carece de sorpresas (de hecho creo que no hay ni una sola sorpresa o algo que mantenga al espectador interesado en la cinta) y posee una narración muy pobre, lo que hace que el espectador pierda total interés a medida que la cinta avanza, ya que literalmente lo que ocurre en pantalla es prácticamente nulo. Quizás la trama se mantenga por el lado del suspenso que genera el hecho de que desconocidos traten de invadir un hogar ajeno, pero en definitiva no alcanza para que la cinta salga a flote en ningún momento.

Más allá de que Bryan Bertino haya presentado un libreto abiertamente pobre, hay que aclarar que su dirección es muy pero muy buena. La forma en que este joven cineasta manejó la cámara dentro de la casa, con planos largos y movimientos lentos de cámara, generan un suspenso muy bueno y en ese sentido Bertino logra lo mejor de la cinta por lejos. El gore que Bertino pone en pantalla no es tanto como los fanáticos supongo que hubieran esperado, pero a decir verdad, en las pocas escenas sangrientas que hay, Bertino supo filmar de excelente manera. Nada que reprocharle técnicamente a la película, lástima que el guión no haya acompañado lo que a priori era una muy buena propuesta de suspenso.

Las actuaciones son bastante correctas, no hay mucho que decir al respecto. Liv Tyler es una de esas actrices a las cuales literalmente odio, ya que la considero una muchacha a la cual su extrema inexpresividad siempre le juega una mala pasada. Pero, siempre algo me sorprende, y en este caso, debo admitir que la chica brinda una buena actuación, demostrando un leve progreso en cuanto a su capacidad actoral (no vayan a creer tampoco que su performance es fenomenal ni mucho menos). Scott Speedman cumple también correctamente con su protagónico, brindando una actuación sin muchas luces, pero para nada desastrosa.

En definitiva, “Los Extraños” es una cinta que puede catalogarse como correcta o muy correcta si se la mide desde el suspenso que genera o desde sus más que correctos rubros técnicos, pero lamentablemente naufraga presa de un guión pobrísimo que encima contiene un desenlace francamente innecesario. Vuelvo a repetirlo, Bryan Bertino es un cineasta con evidentes cualidades cinematográficas. Esperemos que en su próxima película, el guión lo acompañe, porque calidad técnica le sobra a este muchacho.

Calificación de la Película: Regular.

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Crítica de "La Llamada" ("The Ring" USA - Japón 2002)

2009-05-31T18:16:00.007-03:00

Sinopsis: Sólo parecía otra leyenda urbana… Una cinta de video con imágenes pesadillescas que da lugar a una llamada telefónica en la que se predice la muerte de quien la ve exactamente siete días después. Como periodista de investigación, Rachel Keller (Naomi Watts) no daba mucha fe a la historia, hasta que cuatro adolescentes encuentran la muerte exactamente una semana después de ver un video así. La curiosidad puede con ella y Rachel persiste hasta encontrar el video… y verlo. Ahora le quedan sólo siete días para resolver el misterio.
Revisando estos últimos días algunas cintas por cable, he tenido la oportunidad de volver a ver la que hasta el momento constituye sin lugar a dudas la mejor remake de horror de películas orientales. Estamos hablando de “La Llamada”, protagonizada por una correctísima Naomi Watts y dirigida por el entonces ascendente Gore Verbinski, quien luego se embarcaría en la trilogía de “Piratas del Caribe”.

La cinta comienza relatándonos la misteriosa muerte de Katie (Amber Tamblyn) quien aparentemente estuvo en contacto con un misterioso video que predice la muerte de quien lo ve en un plazo de siete días. Luego de que otros tres adolescentes vinculados con la víctima sufrieran también misteriosas muertes, la periodista Rachel Keller (Naomi Watts) decide investigar la procedencia del misterioso video y tratar de descubrir la verdad oculta detrás del mismo.

El guión de la cinta corrió por cuenta del más que convincente Ehren Krueger, creador de varios libretos muy pero muy buenos, entre los que podríamos citar los hechos en “Intriga en la Calle Arlington” y “La Llave Maestra”, como así también en un filme aparentemente menor pero muy bien armado como “El Impostor”, con el protagónico de un siempre convincente Gary Sinise. Aquí Krueger brindó un guión que a mi modo de ver es una verdadera joyita, ya que no sólo se tomó todo lo bueno de la cinta original japonesa, sino que se construyó un libreto con muchísimos más detalles en cuanto a su entramado de suspenso y terror y se dotó al filme de un argumento excelentemente armado de principio a fin. Esos detalles que Krueger decidió insertar en el guión, son los que en definitiva hacen que la cinta crezca en su interés a medida que las escenas avanzan sin tener la película ni un sólo momento de respiro, ya sea porque hay muy buenas escenas de suspenso o porque lisa y llanamente la historia que se cuenta y que nuestra protagonista investiga a lo largo del metraje está tan bien armada que literalmente no hay forma de aburrirse con el visionado del filme.

Otro de los puntos fuertes de la cinta es sin dudas la excelente dirección de Gore Verbinski, quien procuró trasladar todos los detalles del guión de la mejor manera a la pantalla, y literalmente hizo un trabajo excelente. Muy bien en el manejo de cámaras y excelentemente bien en el narrado de todo el filme en general, brindando un producto que entretiene desde un comienzo y que no para hasta su coherente resolución. Ayudado por una tremenda dirección de fotografía de Bojan Bazelli y por una excelente banda sonora del fenomenal Hans Zimmer, Verbinski ofrece un trabajo solvente detrás de cámara, dotando a la película de suspenso cuando era necesario y de algunas que otras escenas de terror bastante bien logradas, como la genial secuencia desarrollada en un ferry.

Con respecto a las actuaciones, tenemos a un reparto muy convincente en líneas generales, empezando por una impecable Naomi Watts, en el papel más exitoso de su carrera hasta ese momento, demostrando en todo momento bastante ductilidad con su personaje y mostrando la credibilidad necesaria para que el espectador se compenetre en la trama de suspenso que el filme nos cuenta. Otro que hace un trabajo muy correcto es Martin Henderson, relacionado sentimentalmente con el personaje de Naomi Watts y comprometido con ella para la investigación de los acontecimientos. Henderson se desenvuelve mayormente en roles secundarios, pero posee el talento suficiente para llevar adelante roles protagónicos de muy buena manera, como bien lo hizo en una interesante película del año 2007 titulada “Batalla en Seattle” (“Battle in Seattle”). Creo que la única desilusión del reparto es la floja actuación de David Dorfman, quien no llega a realizar una convincente actuación, como sí lo hizo en “La Llamada 2”.

En definitiva, “La Llamada” es hasta el momento, la mejor remake del denominado J-Terror. Una cinta que brinda un guión plagado de sorpresas y detalles en todo el metraje y que cuenta con excelentes escenas de terror y suspenso, dueñas de una narración muy convincente.

Calificación de la Película: Muy Buena.

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Crítica de "Agente Internacional" ("The International" USA 2009)

2009-05-25T17:56:00.005-03:00

Sinopsis: La cinta reúne a un agente de la Interpol (Clive Owen) y a una ayudante (Naomi Watts) del fiscal de Manhattan, quienes intentarán desmantelar un grave caso de corrupción que afecta a una de las entidades bancarias más poderosas. Sacando a la luz las actividades ilegales del banco, y siguiendo la pista del dinero por Berlín, Milán, Nueva York y Estambul, la tenacidad de la pareja terminará poniendo sus vidas en peligro.
Ya de por sí, la historia de “Agente Internacional” arrancaba con una premisa sumamente interesante. La pregunta del millón en este caso era la siguiente, ¿Esta sería una historia mas ligada al puro entretenimiento de acción o iría un poquito más allá para explicarnos como se mueve la corrupción a nivel global en diferentes ámbitos? Pues la respuesta que queda en evidencia luego del visionado de “Agente Internacional”, es que toda la gente involucrada en el producto ha brindado una cinta muy seria, muy bien armada y muy ambiciosa en cuanto a mostrar de manera fehaciente graves casos de corrupción ambientados en un mundo globalizado y demasiado peligroso.

El director de origen Alemán Tom Tykwer (el mismo de “Corre, Lola, Corre”) fue el encargado de llevar a la pantalla grande esta historia de intriga, espionaje e investigación policial en dónde Clive Owen interpreta a un agente de la Interpol, quien se encuentra total y absolutamente obsesionado con desmantelar los graves casos de corrupción que giran en torno al IBBC de Luxemburgo, un banco acusado de financiar actos terroristas en todo el mundo, proveyendo logística de todo tipo. Ayudado por una asistente del fiscal de Manhattan (Naomi Watts), ambos se meterán de lleno en una lucha encarnizada para desmantelar las actividades ilegales del IBBC, poniendo sus vidas en riesgo.

El guión de la cinta corrió por cuenta del debutante Eric Singer, quien brindó un libreto excelentemente armado, en dónde evidentemente se trató de hacer un desarrollo muy prolijo tanto de la problemática que se plantea, como de los personajes de esta muy llevadera historia. En cuanto al primer punto que planteo, creo que el guión de Singer detalla de muy eficaz manera como se ejecutan los negocios sucios del banco en cuestión, y como sus acciones influyen tanto en la economía mundial como en el desarrollo de países del tercer mundo, por lo cual el espectador que ve la cinta, va a tener la impresión de estar no tanto ante un filme netamente de entretenimiento, sino ante una cinta que trata de ir un poco más allá. En este sentido, la historia está muy bien narrada desde el comienzo y luego de diferentes idas y vueltas en la trama, se llega a una resolución final inteligentemente ejecutada que cierra la historia de manera muy correcta.

Tom Tykwer dirigió la película de manera muy sobria, con un manejo de cámaras muy bueno, sobre todo en una tremenda balacera desarrollada en un museo (por lejos de lo mejor de la cinta) hacia la mitad del metraje, la cual está tan bien desarrollada y montada, que realmente es una secuencia para ver unas cuantas veces. Es excelente el manejo que Tykwer tuvo en esa escena, con una amplia cobertura de planos, totalmente necesarios para lo que se quería mostrar en pantalla. En definitiva, una escena espectacular. Más allá de este punto alto en su dirección, Tom Tykwer supo mantener un ritmo constante durante todo el filme, sin aburrir en ningún momento y manteniendo el pulso firme para narrar de manera eficaz una historia para nada sencilla.

No hay mucho para objetar sobre las actuaciones del filme. Si bien Clive Owen es uno de esos actores que supongo que son odiados y amados por partes iguales, vale aclarar que el papel que interpreta en “Agente Internacional”, le queda como anillo al dedo, ya que son los tipos de roles protagónicos con los cuales en definitiva se siente más cómodo. Owen interpreta su papel con la credibilidad necesaria y su actuación es realmente buena, siendo un agente de la Interpol que luchará sin descanso hasta lograr aunque sea un poco de justicia en contra de un nido de corrupción que supera absolutamente a todo. También es buena la actuación de una siempre correcta Naomi Watts, como ayudante de Clive Owen en la investigación. En roles secundarios, tenemos por otra parte a un muy buen actor como Armin Mueller-Stahl, quien realiza un trabajo acorde a sus condiciones (las cuales por cierto, son muchas).

En definitiva, “Agente Internacional” es una cinta recomendable por varios motivos. Entre ellos, podemos citar que estamos ante un filme que sirve tanto como trhiller de entretenimiento como así también como documento de denuncia de cómo se manejan ciertas cuestiones en el mundo actual. Una muy buena película que creo, no defraudará al que busque un buen thriller de acción con condimentos de investigación policial, por ser además una cinta muy bien armada y tomada con muchísima seriedad.

Calificación de la Película: Muy Buena.

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